Extraños en un tren (película) - Strangers on a Train (film)

Extraños en un tren
Extraños en un tren (película) .jpg
Póster de Bill Gold
Dirigido por Alfred Hitchcock
Guión por
Residencia en Extraños en un tren
de Patricia Highsmith
Producido por Alfred Hitchcock
Protagonizada
Cinematografía Robert Burks
Editado por William H. Ziegler
Musica por Dimitri Tiomkin

Empresa de producción
DISTRIBUIDO por Warner Bros.
Fecha de lanzamiento
Tiempo de ejecución
 101 minutos
País Estados Unidos
Idioma inglés
Presupuesto $ 1,6 millones
Taquilla $ 7 millones

Extraños en un tren es una película de suspenso psicológico estadounidense de 1951producida y dirigida por Alfred Hitchcock , y basada en la novela Extraños en un tren de 1950de Patricia Highsmith . Fue filmado en el otoño de 1950 y lanzado por Warner Bros. el 30 de junio de 1951.

La película está protagonizada por Farley Granger , Ruth Roman y Robert Walker . Cuenta con Leo G. Carroll , Pat Hitchcock (la hija del director) y Laura Elliott (más tarde conocida como Kasey Rogers ). Es el número 32 en los 100 años ... 100 emociones de AFI .

La historia trata de dos extraños que se encuentran en un tren, un joven tenista y un encantador psicópata . El psicópata sugiere que debido a que cada uno quiere "deshacerse" de alguien, debe "intercambiar" asesinatos, y de esa manera ninguno será atrapado. El psicópata comete el primer asesinato y luego intenta obligar al tenista a completar el trato.

Reproducir el tráiler original de la película ; tiempo de ejecución 00:02:30

Trama

La estrella del tenis aficionado Guy Haines quiere divorciarse de su promiscua esposa Miriam para poder casarse con Anne Morton, la hija de un senador estadounidense. En un tren, el psicópata rico y hablador Bruno Antony reconoce a Haines y revela su idea para un plan de asesinato: dos perfectos desconocidos se encuentran e "intercambian asesinatos" - Bruno sugiere que mate a Miriam y Guy mata al odiado padre de Bruno. Cada uno asesinará a un completo extraño, sin motivo aparente, por lo que no se sospechará de ninguno. Guy se burla de Bruno fingiendo encontrar divertida su idea, pero está tan ansioso por alejarse de Bruno que deja descuidadamente su encendedor grabado, que Bruno guarda.

Guy se encuentra con Miriam, que está embarazada de otra persona, en su lugar de trabajo en Metcalf, su ciudad natal. Miriam le informa a Guy que ya no quiere terminar con su matrimonio. Ella amenaza con afirmar que él es el padre, para frustrar cualquier intento de divorcio. Discuten en voz alta.

Esa noche, Bruno sigue a Miriam a un parque de diversiones y la estrangula hasta la muerte mientras Guy viaja en el tren de regreso a Washington. Cuando Guy llega a casa, Bruno le informa que Miriam está muerta e insiste en que ahora debe cumplir su trato, matando al padre de Bruno.

Guy va a la casa de los Morton, donde el padre de Anne le informa a Guy que su esposa ha sido asesinada. Barbara, la hermana de Anne, dice que la policía pensará que Guy es el asesino, ya que tiene un motivo. La policía interroga a Guy, pero no pueden confirmar su coartada: un profesor que Guy conoció en el tren estaba tan borracho que no puede recordar su encuentro. En lugar de arrestar a Guy, la policía asigna una escolta las 24 horas para vigilarlo.

Para presionar a Guy, Bruno lo sigue por Washington, se presenta a Anne y aparece en una fiesta en la casa del senador Morton. Para divertir a otro invitado, Bruno le demuestra en broma cómo estrangular a alguien, poniendo sus manos alrededor de su cuello. Su mirada se posa en Barbara, cuyas gafas y apariencia física se parecen a las de Miriam. Esto desencadena un flashback ; Bruno aprieta compulsivamente el cuello de la mujer, y otros invitados intervienen para evitar que la estrangule hasta la muerte. Barbara le dice a Anne que Bruno la estaba mirando mientras estrangulaba a la otra mujer, y Anne se da cuenta del parecido de Barbara con Miriam. Con sus sospechas despertadas, Anne se enfrenta a Guy, quien le dice la verdad sobre el loco plan de Bruno.

Bruno le envía a Guy un paquete que contiene una pistola, una llave de la casa y un mapa que muestra la ubicación del dormitorio de su padre. Guy se cuela en la habitación del padre de Bruno para advertirle de las intenciones asesinas de su hijo, pero en cambio encuentra al sospechoso Bruno esperándolo; el padre no está en casa. Guy intenta persuadir a Bruno para que busque ayuda psiquiátrica; Bruno amenaza con castigar a Guy por romper su trato.

Anne visita la casa de Bruno y, sin éxito, intenta explicarle a su desconcertada madre que su hijo es un asesino. Bruno le menciona a Anne el encendedor perdido de Guy y afirma que Guy le pidió que lo buscara en el lugar del asesinato. Guy infiere correctamente que Bruno tiene la intención de plantarlo en la escena del asesinato e incriminarlo. Después de ganar un partido de tenis, Guy evade la escolta policial y se dirige al parque de atracciones para detener a Bruno.

Bruno se retrasa cuando accidentalmente deja caer el encendedor de Guy por un desagüe pluvial y debe recuperarlo. Cuando Bruno llega al parque de atracciones, un trabajador del carnaval lo reconoce de la noche del asesinato; informa a la policía, que cree erróneamente que ha reconocido a Guy. Después de que llega Guy, él y Bruno pelean en el carrusel del parque . Creyendo que Guy está tratando de escapar, un oficial de policía le dispara, pero el disparo falla y en su lugar mata al operador del carrusel, lo que hace que el carrusel se salga de control. Un trabajador del carnaval se arrastra debajo de él y aplica los frenos demasiado abruptamente, lo que hace que el carrusel gire violentamente de su soporte, atrapando al Bruno mortalmente herido debajo. El trabajador que había llamado a la policía ahora les dice que Bruno, no Guy, es a quien recuerda haber visto la noche del asesinato. Cuando Bruno muere, sus dedos se abren para revelar el encendedor de Guy en su mano. Al darse cuenta de que Guy no es el asesino, la policía le pide que vaya a la comisaría al día siguiente para atar los cabos sueltos.

En una escena final del tren, otro extraño intenta entablar conversación con Guy de la misma manera que Bruno. Guy y Anne se alejan de él con frialdad.

Emitir

En uno de sus cameos característicos , Hitchcock sube al tren en Metcalf después de que sale el personaje de Farley Granger.

El cameo de Alfred Hitchcock ocurre a los 11 minutos de la película. Se le ve llevando un contrabajo mientras se sube a un tren.

Hitchcock dijo que el casting correcto le ahorró "un rollo de tiempo para contar historias", ya que el público percibiría cualidades en los actores que no tenían que ser explicadas. Hitchcock dijo que originalmente quería a William Holden para el papel de Guy Haines, pero Holden se negó. "Holden habría estado totalmente equivocado: demasiado robusto, demasiado desanimado por Bruno", escribe el crítico Roger Ebert . "Granger es más suave y esquivo, más convincente cuando trata de escaparse de la red conversacional de Bruno en lugar de rechazarlo rotundamente".

Warner Bros. quería que sus propias estrellas, ya bajo contrato, fueran elegidas siempre que fuera posible. En el casting de Anne Morton, Jack L. Warner obtuvo lo que quería cuando asignó a Ruth Roman al proyecto, a pesar de las objeciones de Hitchcock. El director la encontró "erizada" y "carente de atractivo sexual" y dijo que le habían "impuesto". Quizás fueron las circunstancias de su casting forzado, pero Roman se convirtió en el blanco del desprecio de Hitchcock durante toda la producción. Granger describió la actitud de Hitchcock hacia Roman como "desinterés" por la actriz, y dijo que vio a Hitchcock tratar a Edith Evanson de la misma manera en el set de Rope (1948). "Tenía que tener una persona en cada película a la que pudiera acosar", dijo Granger.

Kasey Rogers (acreditada como Laura Elliott) notó que tenía una visión perfecta en el momento en que se hizo la película, pero Hitchcock insistió en que usara los anteojos gruesos del personaje , incluso en tomas largas en las que los lentes de vidrio normales habrían sido indetectables. Rogers estaba efectivamente ciego con las gafas puestas y necesitaba ser guiado por los otros actores.

Producción

Preproducción

Hitchcock se aseguró los derechos de la novela de Patricia Highsmith por solo $ 7,500 ya que fue su primera novela. Como de costumbre, Hitchcock mantuvo su nombre fuera de las negociaciones para mantener bajo el precio de compra. Highsmith se molestó bastante cuando más tarde descubrió quién compró los derechos por una cantidad tan pequeña.

Asegurar los derechos de la novela era el menor de los obstáculos que Hitchcock tendría que superar para que la propiedad pasara de la página impresa a la pantalla. Recibió un tratamiento que lo complació en el segundo intento, del escritor Whitfield Cook , quien entretejió un subtexto homoerótico (solo insinuado en la novela) en la historia y suavizó a Bruno de un alcohólico vulgar a un niño de mamá elegante y encantador, un más villano de Hitchcock. Con el tratamiento en la mano, Hitchcock buscó un guionista; Quería un escritor de "nombre" para darle algo de prestigio al guión, pero ocho escritores lo rechazaron, incluidos John Steinbeck y Thornton Wilder , todos los cuales pensaron que la historia era demasiado vulgar y se desanimaron por la condición de novato de Highsmith. Las conversaciones con Dashiell Hammett fueron más allá, pero también aquí las comunicaciones finalmente se interrumpieron y Hammett nunca aceptó la tarea.

Luego, Hitchcock probó con Raymond Chandler , quien había obtenido una nominación al Oscar por su primer guión, Double Indemnity , en colaboración con Billy Wilder . Chandler aceptó el trabajo a pesar de su opinión de que era "una pequeña historia tonta". Pero Chandler era un colaborador notoriamente difícil y los dos hombres no podrían haber tenido estilos de encuentro más diferentes: Hitchcock disfrutó de largas y divagantes reuniones fuera de tema en las que a menudo la película ni siquiera se mencionaba durante horas, mientras que Chandler era estrictamente de negocios y quería obtener salir y empezar a escribir. Llamó a las reuniones "terribles sesiones de charlatanería que parecen ser una parte inevitable, aunque dolorosa, del negocio del cine". Las relaciones interpersonales se deterioraron rápidamente hasta que finalmente Chandler se volvió abiertamente combativo; en un momento, al ver a Hitchcock luchando por salir de su limusina, Chandler comentó al alcance del oído: "¡Mira al gordo bastardo tratando de salir de su auto!" Esta sería su última colaboración. Chandler completó un primer borrador, luego escribió un segundo, sin escuchar una sola palabra de Hitchcock; cuando finalmente recibió una comunicación del director a fines de septiembre, fue su destitución del proyecto.

A continuación, Hitchcock intentó contratar a Ben Hecht , pero se enteró de que no estaba disponible. Hecht sugirió a su asistente, Czenzi Ormonde , que escribiera el guión. Aunque Ormonde no tenía un crédito formal en la pantalla, tenía dos cosas a su favor: su colección de cuentos, Laughter From Downstairs , publicada recientemente , estaba atrayendo la atención de los críticos y era "una belleza rubia con cabello largo y brillante. .— siempre es una ventaja con Hitchcock. Con su nuevo escritor, quería comenzar desde el punto de partida:

En su primera conferencia, Hitchcock fingió pellizcarse la nariz, luego sostuvo el borrador de Chandler con el pulgar y el índice y lo tiró a la papelera. Le dijo al oscuro escritor que el famoso no había escrito una sola línea que pretendiera usar, y que tendrían que comenzar de nuevo en la página uno, usando el tratamiento de Cook como guía. El director le dijo a Ormonde que se olvidara por completo del libro, luego le contó la historia de la película él mismo, de principio a fin.

Sin embargo, no hubo mucho tiempo, menos de tres semanas hasta que se programó el inicio del rodaje en el Este. Ormonde se acurrucó con la productora asociada de Hitchcock, Barbara Keon, llamada despectivamente "El factótum de Hitchcock" por Chandler, y Alma Reville , la esposa de Hitchcock. Juntas, las tres mujeres, que trabajaban bajo la guía del jefe y hasta altas horas de la noche, terminaron lo suficiente del guión a tiempo para enviar a la empresa al Este. El resto se completó a principios de noviembre. Tres adiciones notables que había hecho el trío eran el tiovivo fugitivo, el encendedor de cigarrillos y las gafas gruesas.

Hubo un punto de acuerdo entre Chandler y Hitchcock, aunque solo llegaría mucho más tarde, cerca del estreno de la película: ambos reconocieron que dado que prácticamente nada de la obra de Chandler quedó en el guión final, su nombre debería ser eliminado de los créditos. . Hitchcock prefirió el crédito de escritura de Whitfield Cook y Czenzi Ormonde, pero Warner Bros. quería el prestigio del nombre de Chandler e insistió en que se quedara.

Incluso mientras la tortuosa etapa de escritura avanzaba pesadamente, la emoción del director por el proyecto no tenía límites. "Hitchcock se adelantó a todos: el guión, el elenco, el estudio ... partes de la película bailaban como cargas eléctricas en su cerebro". Cuanto más se resolvía la película en su mente, más sabía que su director de fotografía jugaría un papel fundamental en la ejecución de las escenas. Encontró exactamente lo que necesitaba en el lote de Warner en la persona del camarógrafo Robert Burks , quien continuaría trabajando con Hitchcock, filmando todas las imágenes de Hitchcock hasta Marnie (1964), con la excepción de Psycho . Burks, "discreto, de modales apacibles", era "un tomador de riesgos versátil con una inclinación por la atmósfera de mal humor. Burks fue una elección excepcionalmente apta para lo que demostraría ser la película más germánica de Hitchcock en años: las composiciones densas, la iluminación casi surrealista, los efectos ópticos exigentes ". Ninguno fue más exigente que el estrangulamiento de Miriam por parte de Bruno, reflejado en el lente de sus anteojos: "Era el tipo de toma con la que Hitchcock había estado jugando durante veinte años, y Robert Burks la capturó magníficamente".

Burks consideró sus catorce años con Hitchcock como lo mejor de su carrera: "Nunca tendrás problemas con él mientras conozcas tu trabajo y lo hagas. Hitchcock insiste en la perfección. No tiene paciencia con la mediocridad en el set o en una cena". mesa. No puede haber ningún compromiso en su trabajo, su comida o sus vinos ". Robert Burks recibió la única nominación al Oscar de la película por su fotografía en blanco y negro.

Producción

Con el elenco definido, un guión en la mano y un director de fotografía en sintonía con la visión de Hitchcock a bordo, la compañía estaba lista para comenzar a filmar. Hitchcock hizo que un equipo rodara imágenes de fondo de la final de la Copa Davis de 1950 celebrada del 25 al 27 de agosto de 1950 en el West Side Tennis Club en Forest Hills, Nueva York . Mientras estaban allí, la tripulación había realizado una exploración de otros lugares . Los exteriores se filmarían en ambas costas y los interiores en los estudios de sonido de Warner Brothers.

Hitchcock y su elenco y equipo se trasladaron a la costa este el 17 de octubre de 1950. Durante seis días, filmaron en Penn Station en la ciudad de Nueva York, en la estación de ferrocarril en Danbury, Connecticut, que se convirtió en la ciudad natal de Guy, Metcalf, y en lugares alrededor Washington DC

A finales de mes, estaban de regreso en California. Hitchcock había escrito especificaciones estrictas para un parque de diversiones, que fue construido en el rancho del director Rowland Lee en Chatsworth, California . Los exteriores del parque de atracciones se rodaron allí y en un Túnel del Amor real en un recinto ferial en Canoga Park, California . Hitchcock ya había disparado los tiros lejanos para el partido de tenis en Forest Hills y agregaría tiros más cercanos con Granger y Jack Cushingham, el entrenador de tenis de Granger fuera de la pantalla y el oponente de tenis de Guy, Fred Reynolds, en la pantalla en un club de tenis en South Gate, California . El resto del rodaje se llevaría a cabo en los escenarios de sonido de Warner, incluidas muchas tomas aparentemente exteriores y en el lugar que en realidad se hicieron en el interior frente a las pantallas de retroproyección.

Strangers on a Train marcó una especie de renacimiento para Hitchcock, después de varios años de poco entusiasmo por su producción de finales de la década de 1940, y se dedicó a la microgestión de parte de su producción. El propio Hitchcock diseñó la corbata de langosta de Bruno, revelada en un primer plano para tener garras de langosta estrangulantes, y "él personalmente seleccionó una cáscara de naranja, una envoltura de goma de mascar, hojas mojadas y un poco de papel arrugado que se usaba para los escombros de las alcantarillas". en la escena en la que Bruno, sin darse cuenta, deja caer el mechero de Guy por el desagüe pluvial.

También mostró un interés intenso en un detalle poco considerado de la delineación de personajes: la comida.

"Las preferencias en la comida caracterizan a las personas ...", dijo Hitchcock. "Siempre lo he tenido muy en cuenta, para que mis personajes nunca coman fuera de lugar. Bruno pide con gusto y con interés en lo que va a comer: chuletas de cordero, patatas fritas y helado de chocolate. Una muy buena elección para la comida del tren. Y el helado de chocolate es probablemente lo que pensó primero. Bruno es más bien un niño. También es algo hedonista. Guy, por otro lado, muestra poco interés en comer el almuerzo, aparentemente habiéndolo dado ningún pensamiento de antemano, a diferencia de Bruno, y simplemente pide lo que parece su elección de rutina, una hamburguesa y café ".

Hitchcock y Burks colaboraron en una técnica de doble impresión para crear esta toma icónica que todavía se estudia en las escuelas de cine de hoy.

Una de las tomas individuales más memorables del canon de Hitchcock - "es estudiada por clases de cine", dice Laura Elliott, quien interpretó a Miriam - es el estrangulamiento de su personaje por Bruno en la Isla Mágica. "[E] n uno de los momentos más inesperados y más estéticamente justificados de la película", el lento, casi elegante, asesinato se muestra como un reflejo en los anteojos de la víctima, que se han soltado de su cabeza y se han caído al suelo. El ángulo inusual fue una propuesta más compleja de lo que parece. Primero, Hitchcock obtuvo las tomas exteriores en Canoga Park, usando a ambos actores, luego hizo que Elliott solo se reportara a un estudio de sonido donde había un gran reflector cóncavo colocado en el piso. La cámara estaba a un lado del reflector, Elliott al otro, y Hitchcock le indicó a Elliott que le diera la espalda al reflector y "flotara hacia atrás, hasta el suelo ... como si estuvieras en el limbo". Las primeras seis tomas salieron mal (Elliott cayó al suelo con un ruido sordo y aún faltaban varios pies), pero en la séptima, flotó suavemente todo el camino. La respuesta equilibrada de Hitchcock: "Corta. Siguiente tiro". Luego, Hitchcock hizo que los dos elementos fueran impresos "ingeniosamente [ly]" por duplicado, dando un toque de "originalidad extrañamente atractiva [con] una cruda fusión de lo grotesco y lo bello ... La estética del horror de alguna manera permite al público contemplar más plenamente su realidad ".

Hitchcock fue, sobre todo, el maestro de los grandes escenarios visuales , y "[p] o vez la secuencia más memorable de Strangers on a Train es la pelea culminante en un carrusel frenético". Mientras Guy y Bruno pelean, el viaje se sale de control hasta que se hace añicos, arrojando caballos de madera a la multitud de madres que gritan y niños que chillan. "La explosión del carrusel culminante fue una maravilla de miniaturas y proyección de fondo, primeros planos de actuación y otras inserciones, todo perfectamente combinado y mezclado bajo la mirada del editor de cine William H. Ziegler ".

Hitchcock tomó un carrusel de juguetes y lo fotografió volado por una pequeña carga de explosivos. Luego, amplió y proyectó esta pieza de película en una gran pantalla, colocando a los actores alrededor y frente a ella, de modo que el efecto es el de una multitud de transeúntes en la que los caballos de yeso y los pasajeros son arrojados en un caos mortal. Es uno de los momentos en el trabajo de Hitchcock que continúa provocando jadeos de todos los espectadores y aplausos de los estudiantes de cine.

La explosión se desencadena por los intentos de un hombre del carnaval de detener el paseo después de gatear debajo de la plataforma giratoria del carrusel para llegar a los controles en el centro. Aunque Hitchcock admitió haber subido el tiro (acelerando artificialmente la acción), no fue un tiro con truco: el hombre en realidad tuvo que arrastrarse debajo del paseo giratorio, a solo centímetros de una posible lesión. "Hitchcock me dijo que esta escena fue el momento más aterrador para él en cualquiera de sus películas", escribe la biógrafa Charlotte Chandler . "El hombre que se arrastró por debajo del carrusel fuera de control no era un actor o un doble, sino un operador de carrusel que se ofreció como voluntario para el trabajo. 'Si el hombre hubiera levantado la cabeza aunque sea un poco", dijo Hitchcock, "habría pasó de ser una película de suspenso a una película de terror ".

La escena final de la llamada versión estadounidense de la película tiene a Barbara y Anne Morton esperando a que Guy llame por teléfono. Hitchcock quería que el teléfono en primer plano dominara la toma, enfatizando la importancia de la llamada, pero la profundidad de campo limitada de los lentes para películas contemporáneas dificultaba enfocar tanto al teléfono como a las mujeres. Así que Hitchcock mandó construir un teléfono de gran tamaño y colocarlo en primer plano. Anne toma el teléfono grande, pero en realidad responde uno normal: "Hice eso en una toma", explicó Hitchcock, "moviéndome hacia Anne de modo que el teléfono grande se saliera del marco cuando ella lo tomó. grip puso un teléfono de tamaño normal sobre la mesa, donde lo levantó ".

La fotografía principal terminó justo antes de Navidad, y Hitchcock y Alma se fueron de vacaciones a Santa Cruz, y luego, a fines de marzo de 1951, a St. Moritz, para una excursión europea del 25 aniversario.

Música

El compositor Dimitri Tiomkin fue la elección de Jack Warner para componer Strangers on a Train . Si bien tenía experiencia previa con Hitchcock en Shadow of a Doubt (1943), y seguiría componiendo dos películas consecutivas más de Hitchcock, el director y el compositor "simplemente nunca desarrollaron mucho parentesco" y "las películas de Hitchcock no son las mejores de Tiomkin". .

Sin embargo, la partitura retoma el tema omnipresente de los dobles , a menudo dobles contrastantes , directamente desde la secuencia del título de apertura: "El primer golpe, dos pares de zapatos masculinos, ruidosos versus conservadores, moviéndose hacia un tren, lleva un motivo de bajo áspero contra riffs al estilo de Gershwin, un popurrí de dos partes llamado "Strangers" y "Walking" que nunca se vuelve a escuchar ". La poderosa música subraya con precisión las imágenes de esa secuencia del título, el enorme edificio de granito de la Pennsylvania Station de Nueva York, que reemplaza a la Union Station de Washington, porque fue compuesta para una orquesta inusualmente grande, que incluye saxofones alto, tenor y barítono, tres clarinetes, cuatro cuernos, tres pianos y un novachord.

Los contrastantes temas musicales de Tiomkin continuaron a lo largo de la película, delineando dos personajes con diferencias sustanciales: "Para 'Guy's Theme', Tiomkin creó una idea vacilante y pasiva, música hecha por encargo para la interpretación de Farley Granger". Bruno, quien le dice a Guy en el tren que admira a la gente "que hace cosas", recibe un tratamiento musical más vigoroso de Tiomkin: "La complejidad armónica define los motivos asociados con Bruno: bajos retumbantes, agrupaciones impactantes y armónicos de cuerda vidriosos. Los sonidos, que se escuchan con un efecto soberbio en pistas como 'The Meeting', 'Senator's Office' y 'Jefferson Memorial', no son solo sobre Bruno, sino sobre cómo lo perciben aquellos cuyas vidas atraviesa: primero Guy, luego todos en el séquito de Guy ".

Pero quizás la música más memorable en Strangers es la música de calliope, escuchada primero en el recinto ferial y nuevamente, más tarde, cuando Bruno está estrangulando a la Sra. Cunningham en la velada del Senador Morton, y experimenta su desafortunado flashback y posterior desmayo. Fue Hitchcock, no Tiomkin, cuya idea incorporó a la banda sonora los cuatro temas evocadores: " The Band Played On ", " Carolina in the Morning ", " Oh, You Beautiful Doll " y " Baby Face ":

En uno de los gestos operísticos más explícitos de Hitchcock, los personajes del fatídico carnaval cantan la partitura, dándole una dimensión completa como parte del drama. En una película convencional, la melodía se reproduciría de fondo como un telón de fondo irónico inteligente. Pero Hitchcock lleva la música a otro nivel. Miriam y los dos novios en su extraño ménage à trois dan vida a "The Band Played On" cantándola en el tiovivo, con lujuria y en voz alta ... Sonriendo sombríamente en el caballo detrás de ellos, Bruno lo canta él mismo , convirtiéndolo en su lema. La banda sigue tocando a través del acecho de Bruno a su víctima y durante el asesinato en sí, resonando desde el frente de la pantalla, luego retrocediendo en la oscuridad como un obbligato espeluznante cuando la condenada Miriam entra en el Túnel del Amor.

"The Band Played On" hace su última repetición durante la pelea de Guy y Bruno en el tiovivo, incluso cambiando a un ritmo más rápido y un tono más alto cuando la bala del policía golpea al operador de la atracción y envía el carrusel a su frenético hiperactividad. conducir.

El crítico Jack Sullivan tuvo palabras más amables para la partitura de Tiomkin para Strangers que el biógrafo Spoto : "[De modo que, de manera perfecta e inevitable, se ajusta al diseño de la imagen y parece un elemento de los guiones gráficos de Hitchcock", escribe. Es una partitura que "en gran medida no se celebra".

Promoción y lanzamiento

Con un lanzamiento programado para principios del verano, los agentes de prensa del estudio se pusieron en marcha a principios de 1951. Hitchcock, fotografiado promocionalmente muchas veces a lo largo de los años estrangulando a varias actrices y otras mujeres, algunas con una sola mano, otras con dos, se encontró frente a una cámara con sus dedos alrededor del cuello de un busto de su hija Patricia; la foto llegó a los periódicos de todo el país. También fue fotografiado agregando la letra L a Strangers en el póster oficial del estudio de la película, cambiando así la palabra a Stranglers .

Un comunicado de prensa de un estudio dio lugar a un mito que aún perdura en la actualidad. Hitchcock y Patricia tenían miedo a las alturas, y el padre le ofreció a su hija cien dólares para montar en la noria , solo para ordenar el corte de energía, dejándola en la oscuridad en la parte superior del viaje. El comunicado de prensa embelleció la historia, afirmando que la dejó "colgando en la oscuridad total durante una hora", sólo entonces permitió que bajaran y soltaran a su "hija temblorosa". Aunque ese relato continúa publicándose en libros hasta el día de hoy, "simplemente no era cierto", según Patricia Hitchcock O'Connell. En primer lugar, no estaba sola: flanqueándola estaban los actores que interpretaban a los dos novios de Miriam, "y tengo una foto de nosotros saludando". "Esto fue algo bueno para los agentes de prensa a los que se les pagó para provocar emociones y se ha repetido en otros libros para reforzar la idea del sadismo de Hitchcock", pero "estuvimos [sólo] allí dos o tres minutos en el exterior ... Mi padre nunca fue un sádico. La única parte sádica fue que nunca obtuve los cien dólares ".

Strangers on a Train se presentó el 5 de marzo de 1951 en el Huntington Park Theatre, con Alma, Jack Warner, Whitfield Cook y Barbara Keon en la fiesta de Hitchcock y ganó un premio del Screen Directors Guild . Se estrenó en Nueva York el 3 de julio, marcando la reapertura del Strand Theatre ampliamente remodelado como Warner Theatre, y en una docena de ciudades de todo el país. Hitchcock hizo apariciones personales en la mayoría de ellos, y a menudo iba acompañado de su hija.

Algunos comentarios de la audiencia que llegaron a la oficina de Jack Warner condenaron la película por su sórdida historia, mientras que muchos otros fueron favorables. De mayor interés para Warner fue la recaudación de taquilla, y los "recibos pronto contaron la historia real: Strangers on a Train fue un éxito, y Hitchcock se pronunció en la cima de su forma como maestro del thriller de suspenso oscuro y melodramático".

Temas y motivos

La película incluye una serie de juegos de palabras y metáforas visuales que demuestran un motivo continuo de entrecruzamiento, traición y cruce del doble. Hablando de la estructura de la película, Hitchcock le dijo a Truffaut: "¿No es un diseño fascinante? Uno podría estudiarlo para siempre".

Los dos personajes, Guy y Bruno, pueden verse como doppelgängers . Al igual que con Shadow of a Doubt , Strangers on a Train es una de las muchas películas de Hitchcock que exploran el tema del doppelgänger . La pareja tiene lo que el escritor Peter Dellolio llama una "simbiosis oscura". Bruno encarna el oscuro deseo de Guy de matar a Miriam, una "encarnación de la vida real de la fantasía de cumplimiento de deseos de Guy".

Dobles

El tema de los dobles es "el elemento clave en la estructura de la película", y Hitchcock comienza de inmediato en la secuencia del título señalando este punto: hay dos taxis, dos redcaps, dos pares de pies, dos juegos de rieles de tren que se cruzan dos veces. Una vez en el tren, Bruno pide un par de bebidas dobles - "El único tipo de dobles que juego", dice con encanto. En el cameo de Hitchcock lleva un contrabajo .

Hay dos padres respetables e influyentes, dos mujeres con anteojos y dos mujeres en una fiesta que se deleitan pensando en formas de cometer el crimen perfecto. Hay dos grupos de dos detectives en dos ciudades, dos niños pequeños en los dos viajes al recinto ferial, dos ancianos en el carrusel, dos novios que acompañan a la mujer a punto de ser asesinada y dos Hitchcocks en la película.

Hitchcock lleva el tema a su edición, cruzando entre Guy y Bruno con palabras y gestos: uno pregunta la hora y el otro, a kilómetros de distancia, mira su reloj; uno dice enojado "¡Podría estrangularla!" y el otro, lejano, hace un gesto de asfixia.

Esta duplicación tiene algún precedente en la novela; pero Hitchcock añadió deliberadamente más, "dictado con rápida e inspirada profusión a Czenzi Ormonde y Barbara Keon durante los últimos días de preparación del guión". Es la base de toda la película porque finalmente sirve para asociar el mundo de la luz, el orden y la vitalidad con el mundo de la oscuridad, el caos, la locura y la muerte ".

Guy y Bruno son de alguna manera dobles, pero en muchas más formas, son opuestos . Los dos pares de pies en la secuencia del título coinciden entre sí en movimiento y en corte, pero inmediatamente establecen el contraste entre los dos hombres: los primeros zapatos "vistosos, vulgares zapatos de vestir de color marrón y blanco; [el] segundo, lisos, zapatos para caminar sin adornos ". También demuestran el don de Hitchcock para la narración visual hábil: durante la mayor parte de la película, Bruno es el actor, Guy el reactor y Hitchcock siempre muestra los pies de Bruno primero, luego los de Guy. Y dado que es el pie de Guy el que golpea el de Bruno debajo de la mesa, sabemos que Bruno no ha diseñado la reunión.

Roger Ebert escribió que "es esta sensación de dos personajes defectuosos, uno malvado, otro débil, con una tensión sexual no declarada, lo que hace que la película sea intrigante y a medias plausible, y explica cómo Bruno pudo estar tan cerca de llevar a cabo su plan".

Continuo oscuridad-luz

Son esos defectos los que configuran los temas reales de Strangers. No fue suficiente para Hitchcock construir simplemente un mundo de dobles —incluso dobles contrastantes— en una estructura estrictamente polar opuesta; para Hitchcock, los polos del bien y el mal, la oscuridad y la luz "no tenían que ser mutuamente excluyentes". Desdibujar las líneas coloca a Guy y Bruno en un continuo entre el bien y el mal, y los infinitos tonos de gris en el medio se convirtieron en el lienzo de Hitchcock para contar la historia y pintar a sus personajes.

A primera vista, Guy representa la vida ordenada donde la gente se apega a las reglas, mientras que Bruno viene del mundo del caos, donde son expulsados ​​de varias universidades por beber y apostar. Sin embargo, ambos hombres, como muchos de los protagonistas de Hitchcock, son inseguros e inseguros de su identidad. El individuo está suspendido entre el tenis y la política, entre su esposa vagabundo y la hija de su senador, y Bruno está buscando desesperadamente para establecer una identidad a través, violentos outré acciones y la extravagancia (zapatos, la corbata de langosta con dibujos, nombre proclamado al mundo en su alfiler de corbata) . "

Bruno le dice a Guy desde el principio que lo admira: "Ciertamente admiro a las personas que hacen cosas", dice. "Yo, nunca hago nada importante". Sin embargo, mientras Bruno describe sus "teorías" durante el almuerzo, "Guy responde a Bruno; lo vemos en su rostro, a la vez divertido y tenso. Para el hombre comprometido con una carrera en la política, Bruno representa un tentador derrocamiento de toda responsabilidad". Y en este punto la confusión entre el bien y el mal se acelera: Guy no repudia la sugerente declaración de Bruno sobre el asesinato de Miriam ("¿Qué es una vida o dos, Guy? Algunas personas están mejor muertas") con fuerza o convicción. "Cuando Bruno sugiere abiertamente que le gustaría matar a su esposa, simplemente sonríe y dice 'Es un pensamiento mórbido', pero sentimos la tensión que subyace". Se sube un escalón cuando Guy deja el compartimiento de Bruno y "olvida" su encendedor. "Está dejando en Bruno el mantenimiento de su vínculo con Anne, su posibilidad de escalar en la existencia ordenada a la que aspira ... Guy, entonces, en cierto sentido se confabula con el asesinato de su esposa, y el enigmático vínculo entre él y Bruno se aclara.

Pantalla clara y oscura

Habiendo dado a sus personajes cualidades superpuestas del bien y el mal, Hitchcock luego los renderizó en la pantalla de acuerdo con una plantilla muy estricta, con la que se apegó en un grado notable. Ebert escribió:

Hitchcock era un técnico clásico en términos de controlar sus imágenes, y su uso del espacio en la pantalla subrayó la tensión de formas que la audiencia no siempre conoce. Siempre usó la convención de que el lado izquierdo de la pantalla es para personajes malvados y / o más débiles, mientras que el derecho es para personajes que son buenos o dominantes temporalmente.

En ninguna parte es esto más evidente que en la escena en la que Guy llega a su apartamento de DC para encontrar a Bruno acechando al otro lado de la calle; Bruno mató a Miriam esa noche en Metcalf, y tiene sus lentes para darle a Guy casi como un "recibo" de que ha cumplido su parte de su "trato". "A un lado de la calle, [hay] casas señoriales respetables; al fondo, a la derecha de la pantalla, se alza la cúpula iluminada del Capitolio de los Estados Unidos, la vida a la que aspira Guy, el mundo de la luz y el orden". Bruno le dice a Guy lo que ha hecho y le da las gafas. "Ahora eres un hombre libre", dice, justo cuando llega un coche de policía que busca al marido de cierta víctima de asesinato reciente. Guy camina nerviosamente hacia las sombras con Bruno, literalmente detrás de las rejas de una verja de hierro; "Me tienes actuando como si fuera un criminal", dice. "La escena da una expresión simbólica hermosamente exacta a la relación de Guy con Bruno y lo que él representa".

Hitchcock continúa la interacción de la luz y la oscuridad a lo largo de la película: el atuendo de tenis claro y brillante de Guy, versus "la penumbra gótica de la mansión [de Bruno] en Arlington"; el cruce entre su juego bajo el sol en Forest Hills mientras el brazo de Bruno se estira en la oscuridad y los escombros del desagüe de tormentas tratando de pescar el encendedor de cigarrillos; incluso una sola imagen en la que "Walker es fotografiado en una toma visualmente impactante como una mancha maligna en la pureza del Jefferson Memorial de mármol blanco, como una mancha en el orden de las cosas".

Subtexto político

Aunque sus primeros rumores se produjeron en 1947 con el juicio y condena de los "Diez de Hollywood", el llamado Red Scare estaba cobrando fuerza en 1950, con las detenciones relacionadas con el espionaje de Julius y Ethel Rosenberg y el juicio de Alger Hiss . Estos eventos fueron el trasfondo de su trabajo, mientras Hitchcock, Cook, Ormonde y Keon preparaban el guión de Strangers , y el estudioso de cine Robert L. Carringer ha escrito sobre un subtexto político de la película. El escritor de tratamiento Cook usó a Guy para hacer la película "una parábola que desafía silenciosamente la histeria de la Guerra Fría que azota a Estados Unidos".

Esa histeria estaba dirigida a los homosexuales junto con los comunistas como enemigos del estado ... El Senado de los Estados Unidos estaba ocupado investigando la sospecha de que los 'pervertidos morales' en el gobierno también estaban socavando la seguridad nacional, llegando incluso a encargar un estudio, Empleo de Homosexuales y otros pervertidos sexuales en el gobierno .

Carringer ha argumentado que la película fue moldeada de manera crucial por las investigaciones del Congreso, lo que convirtió a Guy en el sustituto de las víctimas del clima homofóbico . "Según todas las apariencias, Guy es el estereotipo de todos los estadounidenses, un atleta, modesto a pesar de su fama, vestido de forma conservadora", escribió Carringer; es "un hombre de identidad sexual indeterminada que se encuentra en circunstancias que lo hacen vulnerable a ser comprometido". Hitchcock, que había dibujado personajes homosexuales de manera tan nítida pero sutil en Rope en 1948, "redactó al Cook de izquierda ... expresamente porque se sentía cómodo con personajes sexualmente ambiguos".

Diferencias de la novela

Incluso antes de coser los derechos de la novela, la mente de Hitchcock estaba dando vueltas con ideas sobre cómo adaptarla a la pantalla. Redujo el alcance geográfico al corredor noreste , entre Washington, DC y Nueva York; la novela se extendió por el suroeste y Florida, entre otros lugares. El equipo de guiones agregó el partido de tenis - y el cruce con las tribulaciones de Bruno en el drenaje pluvial en Metcalf - agregó el encendedor de cigarrillos, el Túnel del Amor, los anteojos de Miriam; de hecho, el parque de atracciones es sólo un breve escenario de la novela.

Los mayores cambios de Hitchcock se produjeron en sus dos personajes principales:

El personaje llamado Bruno Antony en la película se llama Charles Anthony Bruno en el libro. "Bruno de Highsmith es un alcohólico físicamente repugnante ... pero en manos [de Whitfield Cook], el Bruno de la película se convirtió en un dandy, un niño de mamá que habla francés y que profesa ignorancia de las mujeres". En el libro, Bruno muere en un accidente de navegación muy alejado de un tiovivo.

En la novela, Guy Haines no es un jugador de tenis, sino un arquitecto prometedor, y de hecho sigue adelante con el asesinato del padre de Bruno. En la película, "Guy se convirtió en un tipo decente que se niega a cumplir con su parte del loco trato ..." escribe Patrick McGilligan, "para evitar a los censores". En la novela, Guy es perseguido y atrapado por un tenaz detective.

La escena del tiovivo no está en el libro, pero está tomada del clímax de la novela de Edmund Crispin de 1946 The Moving Toyshop . Todos los elementos principales de la escena: los dos hombres que luchan, el asistente que disparó accidentalmente, el tiovivo fuera de control, el gatear debajo del tiovivo en movimiento para desactivarlo, están presentes en el relato de Crispin. aunque no recibió crédito de pantalla por ello.

En el segundo borrador del guión de Raymond Chandler, que Hitchcock tiró ceremoniosamente a la papelera mientras se tapaba la nariz con delicadeza, la toma final es Guy Haines, institucionalizado, atado con una camisa de fuerza.

Recepción

Recepción de la crítica

Tras su lanzamiento en 1951, Strangers on a Train recibió críticas mixtas. Variety lo elogió y escribió: "En cuanto a la actuación, el elenco se muestra con fuerza. Granger es excelente como el joven acosado inocentemente involucrado en un asesinato. El papel de Roman como una chica amable y comprensiva es un cambio para ella, y lo hace cálidamente efectivo . El papel de Walker tiene un color extremo y lo proyecta con destreza ".

Por el contrario, Bosley Crowther de The New York Times criticó la película: "El Sr. Hitchcock nuevamente está lanzando una loca historia de asesinato al aire y tratando de engañarnos para que pensemos que se mantendrá sin apoyo ... en el público, que también estará aterrorizado por las advertencias oscuramente amenazantes del villano y por los trucos melodramáticos elegantes del Sr.Hitchcock ... simplemente no se para ". Leslie Halliwell sintió que Hitchcock estaba "en su mejor momento" y que la película "ofrece un entretenimiento de suspenso superior", pero calificó la historia de "insatisfactoria".

Por el contrario, las críticas modernas son abrumadoramente positivas. La película tiene actualmente una calificación del 98% en Rotten Tomatoes . Roger Ebert ha calificado a Strangers on a Train como un "thriller de primer nivel" que considera una de las cinco mejores películas de Hitchcock. Agregó la película a su lista de Grandes películas . En 2012, The Guardian elogió la película escribiendo "El estudio de Hitchcock sobre la culpa que contamina la condición humana es solo un golpe maestro cinematográfico tras otro".

David Keyes, que escribió en cinemaphile.org en 2002, vio la película como una entrada fundamental en su género: "Aparte de su enfoque muy evidente como una película de palomitas de maíz que agrada a la multitud, la película es una de las cáscaras originales del misterio inspirado en la identidad. thrillers, en los que el comportamiento humano natural es la fuerza impulsora detrás de los verdaderos elementos macabros en lugar de sobrenaturales. Incluso proyectos clásicos como Fargo y A Simple Plan parecen impulsados ​​directamente por este concepto ... "

Almar Haflidason fue efusivo sobre Extraños en un tren en 2001 en el sitio web de la BBC : "El dispositivo favorito de Hitchcock de un hombre común atrapado en una red de miedo cada vez más apretada sumerge a Guy en una de las películas más diabólicamente efectivas del director. Los lugares ordinarios de Washington se vuelven siniestros terrenos de caza que reflejan a la perfección el terror progresivo que consume lentamente a Guy, mientras el letalmente suave Bruno lo persigue sin descanso hasta un clímax frenético. Rápido, emocionante y tejido con un estilo perverso, este es uno de los thrillers más eficientes y despiadadamente deliciosos de Hitchcock ".

La opinión de Patricia Highsmith sobre la película varió con el tiempo. Inicialmente lo elogió, escribiendo: "Estoy complacida en general. Especialmente con Bruno, quien mantuvo la película unida como lo hizo con el libro". Más adelante en la vida, mientras seguía elogiando la actuación de Robert Walker como Bruno, criticó el casting de Ruth Roman como Anne, la decisión de Hitchcock de convertir a Guy de arquitecto en jugador de tenis, y el hecho de que Guy no asesina al padre de Bruno como lo hace en la novela.

Taquilla

Según los registros de Warner Bros, la película ganó $ 1,788,000 a nivel nacional y $ 1,144,000 en territorios extranjeros.

Reconocimientos

Otorgar Categoría Tema Resultado
premio de la Academia Mejor fotografía Robert Burks Nominado
Premio del Gremio de Directores de América Mejor dirección - Largometraje Alfred Hitchcock Nominado
Premio de la Junta Nacional de Revisión La mejor película Nominado

El American Film Institute incluyó la película en el puesto 32 en 100 Years ... 100 Thrills de AFI .

Versiones alternativas

Una primera edición preliminar de la película, a veces etiquetada como la versión "británica", aunque nunca se estrenó en Gran Bretaña ni en ningún otro lugar, incluye algunas escenas que no están en la película o que son diferentes de la que se estrenó. Según la biógrafa Charlotte Chandler (Lyn Erhard), al propio Hitchcock no le gustaba ni la versión "británica" ni la "estadounidense":

Hitchcock le dijo a [Chandler] que la película debería haber terminado con Guy en el parque de diversiones después de haber sido absuelto de asesinar a su esposa. Quería que la última línea de la película fuera Guy describiendo a Bruno como "un tipo muy inteligente". Este final, sin embargo, no fue aceptable para Warner Bros.

En 1997, Warner lanzó la película en DVD como un disco de doble cara, con la versión "británica" en un lado y la versión "Hollywood" en el reverso. Entre las dos versiones de la película, la versión "británica" omite de manera más prominente la escena final en el tren. En 2004 se lanzó una edición en DVD de dos discos que contenía ambas versiones de la película, esta vez con la versión "británica" titulada "Preview Version" (102: 49 de largo) y la versión de "Hollywood" titulada "Final Release Version" (100 : 40 de largo). Más tarde, la película estuvo disponible en Blu-ray en 2012 con el mismo contenido que la edición en DVD de 2004.

Legado

Strangers on a Train fue adaptado para el programa de radio Lux Radio Theatre en dos ocasiones: el 3 de diciembre de 1951, con Ruth Roman , Frank Lovejoy y Ray Milland , y el 12 de abril de 1954, con Virginia Mayo , Dana Andrews y Robert. Cummings .

La emisión de Afternoon Play de BBC Radio 4 el 29 de septiembre de 2011 fue Strangers on a Film de Stephen Wyatt , que ofrece un relato imaginario de una serie de encuentros entre Hitchcock ( Clive Swift ) y Raymond Chandler ( Patrick Stewart ), mientras intentaban sin éxito crear el guión de Extraños en un tren .

La película de 1987 Throw Momma from the Train de Danny DeVito se inspiró en Strangers on a Train , que también es vista por el personaje de DeVito en la película.

Ver también

Referencias

Bibliografía

Otras lecturas

enlaces externos