Arte románico - Romanesque art

La cripta pintada de San Isidoro en León, España
La "Hoja de Morgan", separada de la Biblia de Winchester de 1160-1175. Escenas de la vida de David .

El arte románico es el arte de Europa desde aproximadamente el año 1000 d.C. hasta el surgimiento del estilo gótico en el siglo XII, o más tarde, según la región. El período anterior se conoce como el período prerrománico . El término fue inventado por historiadores del arte del siglo XIX, especialmente para la arquitectura románica , que conservaba muchas características básicas del estilo arquitectónico romano , sobre todo arcos de cabeza redonda, pero también bóvedas de cañón , ábsides y decoración de hojas de acanto , pero también se había desarrollado muchas características muy diferentes. En el sur de Francia, España e Italia hubo una continuidad arquitectónica con la Antigüedad tardía, pero el estilo románico fue el primer estilo que se extendió por toda la Europa católica, desde Sicilia hasta Escandinavia. El arte románico también estuvo muy influenciado por el arte bizantino , especialmente en la pintura, y por la energía anticlásica de la decoración del arte insular de las islas británicas . A partir de estos elementos se forjó un estilo muy innovador y coherente.

Caracteristicas

Fuera de la arquitectura románica, el arte de la época se caracterizó por un estilo vigoroso tanto en la escultura como en la pintura. Este último continuó siguiendo modelos iconográficos esencialmente bizantinos para los temas más comunes en las iglesias, que permanecieron Cristo en Majestad , el Juicio Final y escenas de la Vida de Cristo . En los manuscritos iluminados se aprecia más originalidad, ya que era necesario representar nuevas escenas. Los manuscritos más profusamente decorados de este período fueron biblias y salterios . La misma originalidad aplicada a los capiteles de columnas: a menudo tallados con escenas completas con varias figuras. El gran crucifijo de madera fue una innovación alemana al comienzo del período, al igual que las estatuas independientes de la Virgen entronizada. El alto relieve fue el modo escultórico dominante de la época.

Maestro de Pedret , La Virgen y el Niño en Majestad y Adoración de los Magos, fresco del ábside de Tredòs, Val d'Aran , Cataluña , España , c. 1100, ahora en The Cloisters en la ciudad de Nueva York .

Los colores eran muy llamativos y en su mayoría primarios. En el siglo XXI: estos colores solo se pueden ver en su brillo original en vidrieras y algunos manuscritos bien conservados. Las vidrieras se utilizaron ampliamente, aunque lamentablemente las supervivencias son pocas. En una invención de la época, los tímpanos de importantes portales de iglesias fueron tallados con esquemas monumentales, a menudo Cristo en Majestad o el Juicio Final , pero tratados con más libertad que las versiones pintadas, ya que no existían modelos bizantinos equivalentes.

Las composiciones por lo general tenían poca profundidad y debían ser flexibles para ser comprimidas en las formas de iniciales historiadas , capiteles de columnas y tímpanos de iglesias; la tensión entre un marco muy envolvente, del que a veces se escapa la composición, es un tema recurrente en el arte románico. Las figuras a menudo variaban de tamaño en relación con su importancia. Los fondos de paisajes, si se intentaban, estaban más cerca de las decoraciones abstractas que del realismo, como en los árboles de la "Hoja de Morgan". El retrato apenas existía.

Fondo

Durante este período, Europa se hizo cada vez más próspera, y el arte de la más alta calidad ya no se limitó, como en gran medida en los períodos carolingio y otoniano , a la corte real y a un pequeño círculo de monasterios. Los monasterios continuaron siendo de suma importancia, especialmente los de las nuevas órdenes expansionistas de la época, el cisterciense , cluniacense y cartujo , que se extendieron por Europa. Pero las iglesias de las ciudades, las que se encuentran en las rutas de peregrinaje y muchas iglesias en pueblos y aldeas pequeñas fueron decoradas de manera elaborada con un estándar muy alto; estas son a menudo las estructuras que han sobrevivido, cuando se reconstruyeron las catedrales y las iglesias de la ciudad. Ningún palacio real románico ha sobrevivido realmente.

El artista laico se estaba convirtiendo en una figura valiosa: parece que Nicolás de Verdún era conocido en todo el continente. La mayoría de los albañiles y orfebres eran ahora laicos, y los pintores laicos como el maestro Hugo parecen haber sido la mayoría, al menos de los que hacían el mejor trabajo, al final del período. La iconografía de su trabajo en la iglesia se llegó a ninguna duda, en consulta con los asesores de oficina.

Escultura

Metalistería, esmaltes y marfiles

Tríptico Stavelot , Mosan , Bélgica, c. 1156-1158. 48 × 66 cm con alas abiertas, Morgan Library , Nueva York

Los objetos preciosos en estos medios tenían un estatus muy alto en el período, probablemente mucho más que las pinturas: se conocen los nombres de más creadores de estos objetos que los de los pintores, iluminadores o arquitectos-albañiles contemporáneos. La orfebrería, incluida la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada. Han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para contener reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes en la Catedral de Colonia por Nicolás de Verdún y otros (c. 1180-1225). El Tríptico Stavelot y el Relicario de San Mauro son otros ejemplos del trabajo de esmalte de Mosan . Los relicarios grandes y los frontales del altar se construyeron alrededor de un marco de madera, pero los ataúdes más pequeños eran todos de metal y esmalte. Algunas piezas seculares, como estuches de espejos, joyas y cierres, han sobrevivido, pero sin duda estos no representan la cantidad de trabajos en metal fino que posee la nobleza.

El candelero de Gloucester , principios del siglo XII.

El candelabro de bronce de Gloucester y la pila de bronce de 1108-1117 ahora en Lieja son magníficos ejemplos, muy diferentes en estilo, de fundición de metales. El primero es muy intrincado y enérgico, se basa en la pintura manuscrita, mientras que la fuente muestra el estilo Mosan en su forma más clásica y majestuosa. Las puertas de bronce, una columna triunfal y otros accesorios de la Catedral de Hildesheim , las Puertas Gniezno y las puertas de la Basílica de San Zeno en Verona son otras supervivencias sustanciales. El aquamanile , un recipiente para lavarse con agua, parece haber sido introducido en Europa en el siglo XI. Los artesanos solían dar a las piezas fantásticas formas zoomorfas ; los ejemplos supervivientes están en su mayoría en latón. Muchas impresiones de cera de sellos impresionantes sobreviven en cartas y documentos, aunque las monedas románicas generalmente no son de gran interés estético.

La Cruz de los Claustros es un crucifijo de marfil inusualmente grande , con tallas complejas que incluyen muchas figuras de profetas y otros, que se ha atribuido a uno de los relativamente pocos artistas cuyo nombre se conoce, el maestro Hugo , que también iluminó manuscritos. Como muchas piezas, originalmente estaba parcialmente coloreada. Las piezas de ajedrez de Lewis son ejemplos bien conservados de pequeños marfiles, de los cuales quedan muchas piezas o fragmentos de báculo , placas, cruces pectorales y objetos similares.

Escultura arquitectónica

El tímpano de la abadía de Vézelay , Borgoña , Francia , década de 1130, tiene muchos detalles decorativos en forma de espiral en las cortinas.

Con la caída del Imperio Romano Occidental, la tradición de tallar grandes obras en piedra y esculpir figuras en bronce se extinguió, como efectivamente sucedió (por razones religiosas) en el mundo bizantino (romano oriental). Es evidente que algunas esculturas de tamaño natural se hicieron en estuco o yeso, pero los ejemplos que se conservan son comprensiblemente raros. La gran obra escultórica más conocida que se conserva de la Europa proto-románica es el Crucifijo de madera de tamaño natural encargado por el arzobispo Gero de Colonia alrededor de 960-965, aparentemente el prototipo de lo que se convirtió en una forma popular. Posteriormente se colocaron sobre una viga debajo del arco del presbiterio , conocido en inglés como rood , del siglo XII acompañados de figuras de la Virgen María y Juan Evangelista a los lados. Durante los siglos XI y XII, la escultura figurativa revivió con fuerza y ​​los relieves arquitectónicos son un sello distintivo del período románico posterior.

Fuentes y estilo

La escultura figurativa se basó en otras dos fuentes en particular, la iluminación de manuscritos y la escultura a pequeña escala en marfil y metal. Los extensos frisos esculpidos en iglesias armenias y siríacas se han propuesto como otra posible influencia. Estas fuentes juntas produjeron un estilo distinto que puede ser reconocido en toda Europa, aunque los proyectos escultóricos más espectaculares se concentran en el suroeste de Francia, el norte de España e Italia .

Hombre y animales enfrentados, Catedral de Cahors

Las imágenes que se producían en trabajos en metal se grababan con frecuencia en relieve. La superficie resultante tenía dos planos principales y detalles que generalmente estaban incisos. Este tratamiento se adaptó al tallado en piedra y se ve particularmente en el tímpano sobre el portal, donde la imagen de Cristo en Majestad con los símbolos de los Cuatro Evangelistas se extrae directamente de las cubiertas doradas de los Libros de los Evangelios medievales . Este estilo de entrada se presenta en muchos lugares y continuó hasta el período gótico. Una rara supervivencia en Inglaterra es la de la "Puerta del Prior" en la Catedral de Ely . En el suroeste de Francia , muchos han sobrevivido, con ejemplos impresionantes en Saint-Pierre, Moissac , Souillac y La Madeleine, Vézelay , todas casas hijas de Cluny, con otras muchas esculturas que quedan en claustros y otros edificios. Cerca de allí, la Catedral de Autun tiene un Juicio Final de gran rareza ya que ha sido firmada de manera única por su creador, Giselbertus .

Una característica de las figuras en la iluminación de manuscritos es que a menudo ocupan espacios reducidos y se contorsionan para encajar. La costumbre de los artistas de hacer que la figura se adaptara al espacio disponible se prestó a una facilidad en el diseño de figuras para adornar postes y dinteles de puertas y otras superficies arquitectónicas similares. Las túnicas de las figuras pintadas se trataban comúnmente con un estilo plano y decorativo que se parecía poco al peso y caída de la tela real. Esta característica también se adaptó para la escultura. Entre los muchos ejemplos que existen, uno de los más bellos es la figura del profeta Jeremías del pilar del portal de la Abadía de Saint-Pierre , Moissac , Francia, de aproximadamente 1130.

Uno de los motivos más significativos del diseño románico, presente tanto en la escultura figurativa como en la no figurativa, es la espiral. Una de las fuentes puede ser mayúsculas jónicas . Las enredaderas enrolladas eran un motivo común tanto del diseño bizantino como romano, y se pueden ver en mosaico en las bóvedas de la iglesia de Santa Constanza , Roma, del siglo IV . Los manuscritos y las tallas arquitectónicas del siglo XII tienen motivos de enredaderas en volutas muy similares.

Este capitel de Cristo lavando los pies de sus Apóstoles tiene fuertes cualidades narrativas en la interacción de las figuras.

Otra fuente de la espiral son claramente los manuscritos iluminados de los siglos VII al IX, particularmente manuscritos irlandeses como el Libro del Evangelio de San Galo , difundido en Europa por la misión Hiberno-Escocesa . En estas iluminaciones, el uso de la espiral no tiene nada que ver con enredaderas u otras formas vegetales. El motivo es abstracto y matemático. Luego, el estilo fue recogido en el arte carolingio y se le dio un carácter más botánico. Es en una adaptación de esta forma que la espiral se produce en las cortinas tanto de esculturas como de vidrieras . De todos los ejemplos que se dan en los portales románicos, uno de los más destacados es el de la figura central de Cristo en La Madeleine, Vézelay .

Otra influencia del arte insular son los animales comprometidos y entrelazados, que a menudo se utilizan con un efecto soberbio en capiteles (como en Silos) y, a veces, en una columna misma (como en Moissac). Gran parte del tratamiento de los animales emparejados, enfrentados y entrelazados en la decoración románica tiene orígenes insulares similares, al igual que los animales cuyos cuerpos adoptan formas puramente decorativas. (A pesar de la adopción de las tradiciones hiberno-sajonas en estilos románicos en Inglaterra y en el continente, la influencia fue principalmente unidireccional. El arte irlandés durante este período permaneció aislado, desarrollando una amalgama única de estilos nativos irlandeses y vikingos que se extinguirían lentamente. y reemplazado por el estilo románico convencional a principios del siglo XIII después de la invasión anglo-normanda de Irlanda).

Judas Iscariote se ahorca, asistido por demonios, tema predilecto de los talladores. Catedral de Autun

Tema en cuestion

La mayor parte de la escultura románica tiene un tema pictórico y bíblico. Una gran variedad de temas se encuentran en mayúsculas e incluyen escenas de la Creación y la Caída del Hombre , episodios de la vida de Cristo y aquellas escenas del Antiguo Testamento que prefiguran su Muerte y Resurrección , como Jonás y la Ballena y Daniel en los leones. den . Muchos Natividad escenas ocurren, el tema de los tres reyes siendo muy popular. Los claustros de la abadía de Santo Domingo de Silos en el norte de España y Moissac son buenos ejemplos que se conservan completos, al igual que las esculturas en relieve de las numerosas fuentes Tournai que se encuentran en las iglesias del sur de Inglaterra, Francia y Bélgica.

Una característica de algunas iglesias románicas es el extenso esquema escultórico que cubre el área que rodea el portal o, en algunos casos, gran parte de la fachada. La catedral de Angulema en Francia tiene un esquema escultórico muy elaborado dentro de los amplios nichos creados por los arcos de la fachada. En la región española de Cataluña, un elaborado esquema pictórico en bajorrelieve rodea la puerta de la iglesia de Santa María en Ripoll .

Alrededor de la pared superior del presbiterio de la Abbaye d'Arthous, Landas , Francia, hay pequeñas figuras que representan la lujuria, la intemperancia y un mono de Berbería, símbolo de la depravación humana.

El propósito de los esquemas escultóricos era transmitir un mensaje de que el creyente cristiano debería reconocer las malas acciones, arrepentirse y ser redimido. El Juicio Final le recuerda al creyente que se arrepienta. El crucifijo tallado o pintado , que se muestra de manera prominente dentro de la iglesia, le recuerda al pecador la redención.

Ouroboros , solteros y en parejas en Kilpeck , Inglaterra

A menudo, la escultura es alarmante en cuanto a forma y temática. Estas obras se encuentran en capiteles, ménsulas y contrafuertes, o entrelazadas en el follaje de molduras de puertas. Representan formas que hoy no son fácilmente reconocibles. Los motivos comunes incluyen Sheela na Gig , temibles demonios , ouroboros o dragones que se tragan la cola y muchas otras criaturas míticas con un significado oscuro. Las espirales y los motivos emparejados originalmente tenían un significado especial en la tradición oral que ha sido perdida o rechazada por los estudiosos modernos.

Los siete pecados capitales, que incluyen la lujuria, la gula y la avaricia, también se representan con frecuencia. La aparición de muchas figuras con genitales de gran tamaño puede equipararse con el pecado carnal, al igual que las numerosas figuras mostradas con lenguas protuberantes, que son una característica de la entrada de la catedral de Lincoln . Arrancarse la barba era un símbolo de masturbación, y abrir la boca de par en par también era un signo de lascivia. Un tema común que se encuentra en las capitales de este período es un atizador de lengua o barbudo que es golpeado por su esposa o apresado por demonios. Los demonios peleando por el alma de un malhechor como un avaro es otro tema popular.

Pórtico da Gloria, Catedral de Santiago . Se ha conservado el colorido que alguna vez fue común a gran parte de la escultura románica.

Escultura románica tardía

Se suele considerar que la arquitectura gótica comienza con el diseño del coro de la Abadía de Saint-Denis , al norte de París, por el abad Suger , consagrado en 1144. El comienzo de la escultura gótica suele fecharse un poco más tarde, con la talla del figuras alrededor del Portal Real de la Catedral de Chartres , Francia, 1150-1155. El estilo de la escultura se extendió rápidamente desde Chartres, superando la nueva arquitectura gótica. De hecho, muchas iglesias del período románico tardío son posteriores al edificio de Saint-Denis. El estilo escultórico basado más en la observación y el naturalismo que en el diseño formalizado se desarrolló rápidamente. Se cree que una de las razones del rápido desarrollo de la forma naturalista fue la creciente conciencia de los restos clásicos en los lugares donde eran más numerosos y una imitación deliberada de su estilo. La consecuencia es que hay portales que son de forma románica y, sin embargo, muestran un naturalismo asociado con la escultura del gótico temprano.

Uno de ellos es el Pórtico da Gloria que data de 1180, en Santiago de Compostela . Este portal es interno y está particularmente bien conservado, incluso conservando el color en las figuras e indicando el aspecto llamativo de gran parte de la decoración arquitectónica que ahora se percibe como monocromática. Alrededor del portal hay figuras que se integran con las columnas que hacen las molduras de las puertas. Son tridimensionales, pero ligeramente aplanados. Están muy individualizados, no solo en apariencia sino también en expresión y se parecen mucho a los que se encuentran alrededor del pórtico norte de la Abadía de St. Denis, que data de 1170. Debajo del tímpano hay una hilera de figuras talladas de manera realista que interpretan una variedad de instrumentos musicales diferentes y fácilmente identificables.

Cuadro

Los tres magos del Salterio de St. Albans , inglés, siglo XII.

Iluminación manuscrita

Varias escuelas regionales convergieron en el manuscrito iluminado del románico temprano : la "escuela del Canal" de Inglaterra y el norte de Francia estuvo fuertemente influenciada por el arte anglosajón tardío , mientras que en el sur de Francia el estilo dependía más de la influencia ibérica, y en Alemania y el Países Bajos , los estilos otonianos continuaron desarrollándose y también, junto con los estilos bizantinos, influyeron en Italia. En el siglo XII había habido influencias recíprocas entre todos estos, aunque, naturalmente, se mantuvo el carácter distintivo regional.

Los focos típicos de la iluminación románica eran la Biblia, donde cada libro podía ir precedido de una gran inicial historiada , y el Salterio , donde las iniciales principales se iluminaban de forma similar. En ambos casos, los ejemplos más lujosos pueden tener ciclos de escenas en páginas completamente iluminadas, a veces con varias escenas por página, en compartimentos. Las Biblias en particular a menudo tenían un, y podían estar encuadernadas en más de un volumen. Los ejemplos incluyen el Albans Salterio St. , Hunterian Salterio , Winchester Biblia (la "Hoja Morgan" se muestra más arriba), Fécamp Biblia , Stavelot Biblia y Parc Abbey Biblia . Al final del período, los talleres comerciales laicos de artistas y escribas se estaban volviendo importantes, y la iluminación, y los libros en general, se volvieron más accesibles tanto para laicos como para el clero.

pintura mural

Vida de San Eldrado, abad. Fresco del siglo XI en la abadía de Novalesa

Las grandes superficies de las paredes y las bóvedas lisas y curvas del período románico se prestaron a la decoración mural. Desafortunadamente, muchas de estas primeras pinturas murales han sido destruidas por la humedad o las paredes han sido repintadas y pintadas. En Inglaterra, Francia y los Países Bajos, tales imágenes fueron sistemáticamente destruidas o blanqueadas en episodios de iconoclasia de la Reforma . En Dinamarca , Suecia y otros lugares se han restaurado muchos desde entonces. En Cataluña (España) se llevó a cabo una campaña para salvar este tipo de murales a principios del siglo XX (a partir de 1907) retirándolos y trasladándolos a custodia en Barcelona , dando como resultado la espectacular colección en el Museo Nacional de Arte de Cataluña . En otros países han sufrido la guerra, el abandono y el cambio de moda.

Un esquema clásico para la decoración completamente pintada de una iglesia, derivado de ejemplos anteriores a menudo en mosaico , tenía como punto focal en la semicúpula del ábside, Cristo en Majestad o Cristo Redentor entronizado dentro de una mandorla y enmarcado por el cuatro bestias aladas, símbolos de los Cuatro Evangelistas , en comparación directa con ejemplos de las cubiertas doradas o las iluminaciones de los Evangelios de la época. Si la Virgen María fuera la dedicada de la iglesia, podría reemplazar a Cristo aquí. En los muros del ábside de abajo habría santos y apóstoles, quizás incluyendo escenas narrativas, por ejemplo, del santo al que estaba dedicada la iglesia. En el arco del santuario había figuras de apóstoles, profetas o los veinticuatro " ancianos del Apocalipsis ", mirando hacia un busto de Cristo, o su símbolo el Cordero, en la parte superior del arco. El muro norte de la nave contendría escenas narrativas del Antiguo Testamento y el muro sur del Nuevo Testamento. En la pared trasera del oeste habría un Juicio Final , con un Cristo entronizado y juzgador en la parte superior.

Talla de la abadía de Maria Laach , en Eifel , Renania .

Uno de los esquemas más intactos que existen es el de Saint-Savin-sur-Gartempe en Francia. La larga bóveda de cañón de la nave proporciona una excelente superficie para el fresco y está decorada con escenas del Antiguo Testamento , que muestran la Creación , la Caída del Hombre y otras historias, incluida una viva representación del Arca de Noé con un temible mascarón de proa y numerosas ventanas. a través del cual se puede ver a Noé y su familia en el piso superior, pájaros en el piso medio, mientras que en el piso inferior están las parejas de animales. Otra escena muestra con gran vigor el hundimiento del ejército del faraón en el Mar Rojo . El esquema se extiende a otras partes de la iglesia, con el martirio de los santos locales mostrado en la cripta y el Apocalipsis en el nártex y Cristo en Majestad . La gama de colores empleados se limita a azul verdoso claro, amarillo ocre, marrón rojizo y negro. Existen pinturas similares en Serbia , España , Alemania , Italia y en otras partes de Francia .

Las pinturas ahora dispersas de Arlanza en la provincia de Burgos , España , aunque de un monasterio, son de temática secular, mostrando enormes y vigorosas bestias míticas sobre un friso en blanco y negro con otras criaturas. Dan una idea poco común de lo que habrían contenido los palacios románicos decorados.

Vidrieras, el Profeta Daniel de la Catedral de Augsburgo , finales del siglo XI.

Otras artes visuales

Bordado

El bordado románico es más conocido por el tapiz de Bayeux , pero han sobrevivido muchas piezas más estrechamente trabajadas del Opus Anglicanum ("obra inglesa", considerada la mejor en Occidente) y otros estilos, principalmente como vestimentas de iglesia .

Vitral

Los fragmentos más antiguos conocidos de vidrieras pictóricas medievales parecen datar del siglo X. Las primeras figuras intactas son cinco ventanas de profeta en Augsburgo, que datan de finales del siglo XI. Las figuras, aunque rígidas y formalizadas, demuestran una considerable competencia en el diseño, tanto pictóricamente como en el uso funcional del vidrio, lo que indica que su creador estaba bien acostumbrado al medio. En las catedrales de Le Mans , Canterbury y Chartres, y Saint-Denis , han sobrevivido varios paneles del siglo XII. En Canterbury, estos incluyen una figura de Adam excavando y otra de su hijo Seth de una serie de Ancestros de Cristo . Adam representa una representación muy naturalista y viva, mientras que en la figura de Seth, las túnicas se han utilizado con un gran efecto decorativo, similar al mejor tallado en piedra de la época. Los artesanos del vidrio tardaron más que los arquitectos en cambiar su estilo, y gran parte del vidrio de al menos la primera parte del siglo XIII puede considerarse esencialmente románico. Especialmente bellas son las grandes figuras de 1200 de la catedral de Estrasburgo (algunas ahora trasladadas al museo) y de aproximadamente 1220 de la iglesia de San Kunibert en Colonia .

La mayor parte de las magníficas vidrieras de Francia, incluidas las famosas vidrieras de Chartres, datan del siglo XIII. Muchas menos ventanas grandes permanecen intactas desde el siglo XII. Una de ellas es la Crucifixión de Poitiers, una notable composición que se eleva a través de tres etapas, la más baja con un cuatrifolio que representa el Martirio de San Pedro, la etapa central más grande dominada por la crucifixión y la etapa superior que muestra la Ascensión de Cristo en una mandorla. La figura del Cristo crucificado ya muestra la curva gótica. George Seddon describe la ventana como de "belleza inolvidable". Muchos fragmentos desprendidos se encuentran en museos, y una ventana de la iglesia Twycross en Inglaterra está formada por importantes paneles franceses rescatados de la Revolución Francesa . El vidrio era caro y bastante flexible (en el sentido de que podía agregarse o reorganizarse) y parece haber sido reutilizado a menudo cuando las iglesias fueron reconstruidas en estilo gótico: el vidrio inglés más antiguo datable, un panel en York Minster de un árbol de Isaí probablemente de antes de 1154, ha sido reciclado de esta manera.

Ver también

Notas

Referencias

  • Legner, Anton (ed.). Ornamenta Ecclesiae, Kunst und Künstler der Romanik. Catálogo de una exposición en el Museo Schnütgen, Colonia, 1985. 3 vols.
  • Conrad Rudolph, ed., Un compañero del arte medieval: románico y gótico en el norte de Europa , 2ª ed. (2016)

enlaces externos