Arte pop -Pop art

Una imagen de una mujer sexy sonríe mientras un revólver apuntando a su cabeza dice "¡Pop!"
Eduardo Paolozzi , Yo era el juguete de un rico (1947). ¡ Parte de su litera! serie, esta es considerada la portadora inicial del "pop art" y la primera en mostrar la palabra "pop".
En el suelo hay una caja de aspecto sencillo con la etiqueta de Campbell.
Andy Warhol , Campbell's Tomato Juice Box , 1964. Pintura de polímero sintético y tinta de serigrafía sobre madera, 10 pulgadas × 19 pulgadas × 9½ pulgadas (25,4 × 48,3 × 24,1 cm), Museo de Arte Moderno , Nueva York

El arte pop es un movimiento artístico que surgió en el Reino Unido y los Estados Unidos a mediados y finales de la década de 1950 . El movimiento presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular y de masas , como publicidad , cómics y objetos mundanos producidos en masa. Uno de sus objetivos es utilizar imágenes de la cultura popular en el arte, enfatizando los elementos banales o kitsch de cualquier cultura, la mayoría de las veces mediante el uso de la ironía .. También se asocia con el uso por parte de los artistas de medios mecánicos de reproducción o técnicas de interpretación. En el arte pop, el material a veces se elimina visualmente de su contexto conocido, se aísla o se combina con material no relacionado.

Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento del arte pop estaban Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña , y Larry Rivers , Ray Johnson . Robert Rauschenberg y Jasper Johns entre otros en los Estados Unidos . El arte pop se interpreta ampliamente como una reacción a las ideas entonces dominantes del expresionismo abstracto , así como una expansión de esas ideas. Debido a su utilización de objetos e imágenes encontradas, es similar a Dada . El arte pop y el minimalismo se consideran movimientos artísticos que preceden al arte posmoderno , o son algunos de los primeros ejemplos del arte posmoderno.

El arte pop a menudo toma imágenes que actualmente se usan en publicidad. El etiquetado y los logotipos de los productos ocupan un lugar destacado en las imágenes elegidas por los artistas pop, que se ven en las etiquetas de las latas de sopa Campbell , de Andy Warhol . Incluso el etiquetado en el exterior de una caja de envío que contiene alimentos para la venta al por menor se ha utilizado como tema en el arte pop, como lo demuestra Campbell's Tomato Juice Box de Warhol , 1964 (en la foto).

Orígenes

Los orígenes del arte pop en América del Norte se desarrollaron de manera diferente a Gran Bretaña. En Estados Unidos, el arte pop fue una respuesta de los artistas; marcó un regreso a la composición de bordes duros y al arte representativo . Utilizaron la realidad impersonal y mundana, la ironía y la parodia para "desactivar" el simbolismo personal y la " soltura pictórica " ​​del expresionismo abstracto . En los Estados Unidos, algunas obras de arte de Larry Rivers , Alex Katz y Man Ray anticiparon el arte pop.

Por el contrario, los orígenes del arte pop en la Gran Bretaña de la posguerra , aunque empleaban la ironía y la parodia, eran más académicos. Gran Bretaña se centró en las imágenes dinámicas y paradójicas de la cultura pop estadounidense como dispositivos simbólicos poderosos y manipuladores que afectaban patrones completos de vida, al mismo tiempo que mejoraban la prosperidad de una sociedad. El arte pop temprano en Gran Bretaña fue una cuestión de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense cuando se ve desde lejos . Del mismo modo, el arte pop fue tanto una extensión como un repudio del dadaísmo . Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraron algunos de los mismos temas, el arte pop reemplazó los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento dadaísta con una afirmación independiente de los artefactos de la cultura de masas. Entre los artistas en Europa que se considera que producen obras que conducen al arte pop se encuentran: Pablo Picasso , Marcel Duchamp y Kurt Schwitters .

proto-pop

Aunque tanto el arte pop británico como el estadounidense comenzaron durante la década de 1950, Marcel Duchamp y otros en Europa como Francis Picabia y Man Ray son anteriores al movimiento; además, hubo algunos orígenes proto-pop estadounidenses anteriores que utilizaron objetos culturales "tal como se encuentran". Durante la década de 1920, los artistas estadounidenses Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles Demuth y Stuart Davis crearon pinturas que contenían imágenes de la cultura pop (objetos mundanos seleccionados de productos comerciales estadounidenses y diseño publicitario), casi "prefigurando" el movimiento del arte pop.

Reino Unido: el Grupo Independiente

Un collage de muchos estilos diferentes muestra a un hombre y una mujer casi desnudos en una casa.
El collage de Richard Hamilton ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas? (1956) es una de las primeras obras consideradas "pop art".

The Independent Group (IG), fundado en Londres en 1952, es considerado el precursor del movimiento del arte pop. Eran una reunión de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban los enfoques modernistas predominantes de la cultura, así como los puntos de vista tradicionales de las bellas artes. Sus discusiones grupales se centraron en las implicaciones de la cultura pop a partir de elementos como la publicidad masiva, las películas, el diseño de productos, las tiras cómicas, la ciencia ficción y la tecnología. En la primera reunión del Grupo Independiente en 1952, el miembro cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una conferencia utilizando una serie de collages titulada ¡Bunk! que había reunido durante su tiempo en París entre 1947 y 1949. Este material de "objetos encontrados" como publicidad, personajes de cómics, portadas de revistas y varios gráficos producidos en masa representaba principalmente la cultura popular estadounidense . Uno de los collages de esa presentación fue I was a Rich Man's Plaything (1947) de Paolozzi, que incluye el primer uso de la palabra "pop", que aparece en una nube de humo que emerge de un revólver. Tras la presentación seminal de Paolozzi en 1952, el IG se centró principalmente en las imágenes de la cultura popular estadounidense, en particular la publicidad masiva.

Según el hijo de John McHale , el término "pop art" fue acuñado por primera vez por su padre en 1954 en una conversación con Frank Cordell , aunque otras fuentes atribuyen su origen al crítico británico Lawrence Alloway . (Ambas versiones coinciden en que el término se usó en las discusiones del Grupo Independiente a mediados de 1955).

El "arte pop" como apodo se usó luego en las discusiones de los miembros de IG en la segunda sesión del IG en 1955, y el término específico "arte pop" apareció por primera vez en forma impresa publicada en el artículo "Pero hoy coleccionamos anuncios" de IG. miembros Alison y Peter Smithson en la revista Ark en 1956. Sin embargo, el término a menudo se acredita al curador y crítico de arte británico Lawrence Alloway por su ensayo de 1958 titulado The Arts and the Mass Media , aunque el lenguaje preciso que usa es "cultura popular de masas". ". "Además, lo que quise decir entonces no es lo que significa ahora. Usé el término, y también 'Cultura pop' para referirme a los productos de los medios de comunicación, no a las obras de arte que se inspiran en la cultura popular. En cualquier caso, en algún momento entre el invierno de 1954-1955 y 1957 la frase adquirió actualidad en la conversación..." Sin embargo, Alloway fue uno de los principales críticos en defender la inclusión de la imaginería de la cultura de masas en las bellas artes. Alloway aclaró estos términos en 1966, momento en el que el Pop Art ya había pasado de las escuelas de arte y las pequeñas galerías a una fuerza importante en el mundo del arte. Pero su éxito no había sido en Inglaterra. Prácticamente de forma simultánea e independiente, la ciudad de Nueva York se había convertido en el semillero del Pop Art.

En Londres, la exhibición anual de jóvenes talentos de la Royal Society of British Artists (RBA) en 1960 mostró por primera vez las influencias del pop estadounidense. En enero de 1961, los jóvenes contemporáneos de la RBA más famosos de todos pusieron en el mapa a David Hockney , el estadounidense RB Kitaj , el neozelandés Billy Apple , Allen Jones , Derek Boshier , Joe Tilson , Patrick Caulfield , Peter Phillips , Pauline Boty y Peter Blake . ; Apple diseñó los carteles y las invitaciones para las exposiciones Jóvenes Contemporáneos de 1961 y 1962. Hockney, Kitaj y Blake ganaron premios en la Exposición John-Moores en Liverpool en el mismo año. Apple y Hockney viajaron juntos a Nueva York durante las vacaciones de verano del Royal College de 1961, que es cuando Apple se puso en contacto por primera vez con Andy Warhol; ambos se mudaron más tarde a los Estados Unidos y Apple se involucró en la escena del arte pop de Nueva York.

Estados Unidos

Aunque el arte pop comenzó a principios de la década de 1950, en Estados Unidos se le dio su mayor impulso durante la década de 1960. El término "arte pop" se introdujo oficialmente en diciembre de 1962; la ocasión fue un "Simposio de Arte Pop" organizado por el Museo de Arte Moderno . En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos del arte moderno y funcionaba a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas estadounidenses tuvieron que buscar más profundamente estilos dramáticos que distanciaran el arte de los materiales comerciales ingeniosos y bien diseñados. Dado que los británicos veían las imágenes de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva un tanto distante, sus puntos de vista a menudo tenían matices románticos, sentimentales y humorísticos. Por el contrario, los artistas estadounidenses, bombardeados todos los días con la diversidad de imágenes producidas en masa, produjeron obras que en general fueron más audaces y agresivas.

Según el historiador, curador y crítico Henry Geldzahler , " los collages de Ray Johnson Elvis Presley No. 1 y James Dean se destacan como el movimiento Plymouth Rock of the Pop". La autora Lucy Lippard escribió que "Los [collages] de Elvis ... y Marilyn Monroe ... anunciaron el pop warholiano". Johnson trabajó como diseñador gráfico, conoció a Andy Warhol en 1956 y ambos diseñaron varias portadas de libros para New Directions y otras editoriales. Johnson comenzó a enviar folletos extravagantes que publicitaban sus servicios de diseño impresos mediante litografía offset. Más tarde se hizo conocido como el padre del arte postal como el fundador de su "Escuela de Correspondencia de Nueva York", trabajando en pequeño metiendo recortes y dibujos en sobres en lugar de trabajar más grandes como sus contemporáneos. Una nota sobre la imagen de portada en Art News de enero de 1958 señaló que "la primera exposición individual de [Jasper] Johns ... lo ubica con colegas tan conocidos como Rauschenberg, Twombly, Kaprow y Ray Johnson".

De hecho, otros dos artistas importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop estadounidense fueron los pintores Jasper Johns y Robert Rauschenberg . Rauschenberg, quien al igual que Ray Johnson asistió al Black Mountain College en Carolina del Norte después de la Segunda Guerra Mundial , fue influenciado por el trabajo anterior de Kurt Schwitters y otros artistas dadaístas , y su creencia de que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida" desafió la perspectiva modernista dominante. de su tiempo. Su uso de objetos confeccionados desechados (en sus Combines ) e imágenes de la cultura pop (en sus pinturas de serigrafía) conectaba sus obras con eventos de actualidad en la América cotidiana. Las pinturas serigrafiadas de 1962-1964 combinaron pinceladas expresivas con recortes de revistas serigrafiadas de Life , Newsweek y National Geographic . Las pinturas de Johns de banderas, dianas, números y mapas de los EE. UU., así como las representaciones tridimensionales de latas de cerveza, llamaron la atención sobre cuestiones de representación en el arte. El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 se conoce con frecuencia como Neo-Dada y es visualmente distinto del arte pop estadounidense prototípico que explotó a principios de la década de 1960.

Roy Lichtenstein tiene la misma importancia para el arte pop estadounidense. Su trabajo, y su uso de la parodia , probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro. Seleccionando la tira cómica pasada de moda como tema, Lichtenstein produce una composición precisa y de bordes duros que documenta y al mismo tiempo parodia de una manera suave. Lichtenstein usó óleo y pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal de DC Comics ' Secret Hearts #83. ( Niña ahogada forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno ). Su obra presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si fueran creados por reproducción fotográfica. Lichtenstein dijo, "[los expresionistas abstractos] pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de poner líneas es más o menos la misma; la mía simplemente no salgas con un aspecto caligráfico, como el de Pollock o el de Kline". El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes/contenido reconocibles en la mezcla.

Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un apego directo a la imagen común de la cultura popular estadounidense, pero también tratan el tema de manera impersonal ilustrando claramente la idealización de la producción en masa.

Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. De hecho, el crítico de arte Arthur Danto una vez llamó a Warhol "lo más parecido a un genio filosófico que ha producido la historia del arte". Warhol intentó llevar el pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida, y su trabajo a menudo muestra una falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

Primeras exposiciones en EE. UU.

El lienzo Cheddar Cheese de Campbell's Soup Cans de Andy Warhol , 1962.

Claes Oldenburg , Jim Dine y Tom Wesselmann tuvieron sus primeras exposiciones en la Judson Gallery en 1959 y 1960 y más tarde en 1960 hasta 1964 junto con James Rosenquist , George Segal y otros en la Green Gallery en 57th Street en Manhattan. En 1960, Martha Jackson mostró instalaciones y ensamblajes , New Media – New Forms contó con Hans Arp , Kurt Schwitters , Jasper Johns , Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg , Jim Dine y May Wilson . 1961 fue el año del espectáculo de primavera de Martha Jackson , Environments, Situations, Spaces . Andy Warhol realizó su primera exposición individual en Los Ángeles en julio de 1962 en la Galería Ferus de Irving Blum , donde mostró 32 pinturas de latas de sopa de Campell, una para cada sabor. Warhol vendió el conjunto de pinturas a Blum por 1.000 dólares; en 1996, cuando lo adquirió el Museo de Arte Moderno, el conjunto estaba valorado en 15 millones de dólares.

Donald Factor, hijo de Max Factor Jr. , coleccionista de arte y coeditor de la revista literaria de vanguardia Nomad , escribió un ensayo en el último número de la revista, Nomad/New York . El ensayo fue uno de los primeros sobre lo que se conocería como arte pop, aunque Factor no utilizó el término. El ensayo, "Cuatro artistas", se centró en Roy Lichtenstein, James Rosenquist , Jim Dine y Claes Oldenburg.

En la década de 1960, Oldenburg, que se asoció con el movimiento del arte pop, creó muchos acontecimientos , que eran producciones relacionadas con las artes escénicas de la época. El nombre que le dio a sus propias producciones fue "Ray Gun Theatre". El elenco de colegas en sus actuaciones incluyó: los artistas Lucas Samaras , Tom Wesselmann , Carolee Schneemann , Öyvind Fahlström y Richard Artschwager ; la distribuidora Annina Nosei; la crítica de arte Barbara Rose ; y el guionista Rudy Wurlitzer . Su primera esposa, Patty Mucha, quien cosió muchas de sus primeras esculturas blandas, fue una intérprete constante en sus acontecimientos. Este enfoque temerario, a menudo humorístico, del arte estaba en gran desacuerdo con la sensibilidad predominante de que, por su naturaleza, el arte se ocupaba de expresiones o ideas "profundas". En diciembre de 1961, alquiló una tienda en el Lower East Side de Manhattan para albergar The Store , una instalación de un mes que había presentado por primera vez en la Martha Jackson Gallery de Nueva York, repleta de esculturas en forma de bienes de consumo.

Inaugurada en 1962, el marchante de arte neoyorquino de Willem de Kooning , la Sidney Janis Gallery, organizó la innovadora Exposición Internacional de los Nuevos Realistas , una encuesta sobre el Nuevo Realismo estadounidense, francés, suizo e italiano nuevo en la escena y Arte pop británico. Los cincuenta y cuatro artistas mostrados incluyeron a Richard Lindner , Wayne Thiebaud , Roy Lichtenstein (y su pintura Blam ), Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist , Jim Dine, Robert Indiana , Tom Wesselmann , George Segal , Peter Phillips, Peter Blake ( The Love Wall de 1961), Öyvind Fahlström , Yves Klein , Arman , Daniel Spoerri , Christo y Mimmo Rotella . El espectáculo fue visto por los europeos Martial Raysse , Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely en Nueva York, quienes quedaron atónitos por el tamaño y el aspecto de la obra de arte estadounidense. También se mostraron Marisol , Mario Schifano , Enrico Baj y Öyvind Fahlström . Janis perdió algunos de sus artistas expresionistas abstractos cuando Mark Rothko , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb y Philip Guston abandonaron la galería, pero ganó Dine, Oldenburg, Segal y Wesselmann. En una velada de la noche de apertura organizada por el coleccionista Burton Tremaine, Willem de Kooning apareció y fue rechazado por Tremaine, quien irónicamente poseía varias obras de De Kooning. Rosenquist recordó: "en ese momento pensé, definitivamente algo en el mundo del arte ha cambiado". Rechazar a un artista abstracto respetado demostró que, ya en 1962, el movimiento del arte pop había comenzado a dominar la cultura artística en Nueva York.

Un poco antes, en la costa oeste , Roy Lichtenstein, Jim Dine y Andy Warhol de la ciudad de Nueva York; Phillip Hefferton y Robert Dowd de Detroit; Edward Ruscha y Joe Goode de la ciudad de Oklahoma; y Wayne Thiebaud de California fueron incluidos en la muestra New Painting of Common Objects . Esta primera exposición de museo de arte pop en Estados Unidos fue comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena . El arte pop estaba listo para cambiar el mundo del arte. Nueva York siguió a Pasadena en 1963, cuando el Museo Guggenheim exhibió Six Painters and the Object , comisariada por Lawrence Alloway . Los artistas fueron Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist y Andy Warhol. Otra de las primeras exhibiciones fundamentales fue The American Supermarket , organizada por la Galería Bianchini en 1964. La exhibición se presentó como el entorno típico de un pequeño supermercado, excepto que todo lo que contenía (los productos, los productos enlatados, la carne, los carteles en las paredes, etc.) estaba creado por destacados artistas pop de la época, incluidos Apple, Warhol, Lichtenstein, Wesselmann, Oldenburg y Johns. Este proyecto fue recreado en 2002 como parte de Shopping : A Century of Art and Consumer Culture de la Tate Gallery .

En 1962, los artistas pop comenzaron a exponer en galerías comerciales de Nueva York y Los Ángeles; para algunos, fue su primer espectáculo comercial de un solo hombre. La Galería Ferus presentó a Andy Warhol en Los Ángeles (y Ed Ruscha en 1963). En Nueva York, la Green Gallery mostró a Rosenquist, Segal, Oldenburg y Wesselmann. The Stable Gallery mostró a R. Indiana y Warhol (en su primera exposición en Nueva York). La Galería Leo Castelli presentó Rauschenberg, Johns y Lichtenstein. Martha Jackson mostró a Jim Dine y Allen Stone mostró a Wayne Thiebaud. En 1966, después del cierre de la Galería Verde y la Galería Ferus, la Galería Leo Castelli representó a Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein y Ruscha. La Galería Sidney Janis representó a Oldenburg, Segal, Dine, Wesselmann y Marisol, mientras que Allen Stone siguió representando a Thiebaud y Martha Jackson siguió representando a Robert Indiana.

En 1968, la Exposición São Paulo 9 - Environment USA: 1957–1967 presentó el "Quién es quién" del arte pop. Considerada como un resumen de la fase clásica del período del arte pop estadounidense, la exposición fue comisariada por William Seitz. Los artistas fueron Edward Hopper , James Gill , Robert Indiana , Jasper Johns , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg , Andy Warhol y Tom Wesselmann .

Francia

Nouveau réalisme hace referencia a un movimiento artístico fundado en 1960 por el crítico de arte Pierre Restany y el artista Yves Klein durante la primera exposición colectiva en la galería Apollinaire de Milán. Pierre Restany escribió el manifiesto original del grupo, titulado "Declaración constitutiva del nuevo realismo", en abril de 1960, proclamando "Nouveau Réalisme: nuevas formas de percibir lo real". Esta declaración conjunta fue firmada el 27 de octubre de 1960, en el taller de Yves Klein, por nueve personas: Yves Klein, Arman , Martial Raysse , Pierre Restany, Daniel Spoerri , Jean Tinguely y los ultraletristas , Francois Dufrêne , Raymond Hains , Jacques de la Villegle ; en 1961 se unieron a ellos César , Mimmo Rotella , luego Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps . El artista Christo mostró con el grupo. Se disolvió en 1970.

Contemporáneo del Pop Art estadounidense —muchas veces concebido como su transposición en Francia— el nuevo realismo fue junto con Fluxus y otros grupos una de las numerosas tendencias de la vanguardia en los años sesenta. El grupo inicialmente eligió Niza , en la Riviera francesa, como su base de operaciones ya que tanto Klein como Arman se originaron allí; Por lo tanto, los historiadores suelen considerar retrospectivamente al nuevo realismo como uno de los primeros representantes del movimiento École de Nice  [ fr ] . A pesar de la diversidad de su lenguaje plástico, percibieron una base común para su trabajo; siendo este un método de apropiación directa de la realidad, equivalente, en los términos usados ​​por Restany; a un "reciclaje poético de la realidad urbana, industrial y publicitaria".

España

En España, el estudio del arte pop se asocia a la “nueva figuración”, que surgió de las raíces de la crisis del informalismo . Se podría decir que Eduardo Arroyo se encuadra dentro de la corriente pop art, por su interés por el medio ambiente, su crítica a nuestra cultura mediática que incorpora íconos tanto de la comunicación masiva como de la historia de la pintura, y su desprecio por casi todo lo artístico establecido. estilos. Sin embargo, el artista español que más auténticamente podría considerarse parte del arte "pop" es Alfredo Alcaín, por el uso que hace de imágenes populares y espacios vacíos en sus composiciones.

También en la categoría de arte pop español se encuentra el " Equipo Crónica " , que existió en Valencia entre 1964 y 1981, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes. Su movimiento se puede caracterizar como "pop" por su uso de cómics e imágenes publicitarias y su simplificación de imágenes y composiciones fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar surgió de la subcultura madrileña de "La Movida" de la década de 1970 haciendo películas pop art en super 8 de bajo presupuesto , y posteriormente los medios de comunicación lo llamaron el Andy Warhol de España en ese momento. En el libro Almodovar on Almodovar , se le cita diciendo que la película de la década de 1950 "Funny Face" fue una inspiración central para su trabajo. Una característica del pop en las películas de Almodóvar es que siempre produce un comercial falso para insertarlo en una escena.

Nueva Zelanda

Pisupo lua afe de Michel Tuffery (Corned beef 2000) (1994)

En Nueva Zelanda, el arte pop ha florecido predominantemente desde la década de 1990 y, a menudo, está relacionado con Kiwiana . Kiwiana es una representación idealizada, centrada en el pop, de los íconos Kiwi clásicos , como pasteles de carne , kiwi , tractores , jandals , supermercados Four Square ; el campness inherente de esto a menudo se subvierte para significar mensajes culturales. Dick Frizzell es un famoso artista pop de Nueva Zelanda, conocido por usar símbolos antiguos de Kiwiana en formas que parodian la cultura moderna. Por ejemplo, Frizzell disfruta imitando el trabajo de artistas extranjeros, dando a sus obras una vista o influencia única de Nueva Zelanda. Esto se hace para mostrar el impacto históricamente moderado de Nueva Zelanda en el mundo; El arte ingenuo está conectado con el arte pop de Aotearoan de esta manera.

Esto también se puede hacer de una manera abrasiva e inexpresiva, como con la famosa obra de Michel Tuffrey Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) . De ascendencia samoana , Tuffery construyó la obra, que representa un toro, a partir de latas de comida procesada conocidas como pisupo . Es una obra única de arte pop occidental porque Tuffrey incluye temas de neocolonialismo y racismo contra las culturas no occidentales (significado por las latas de comida de las que está hecha la obra, que representan la dependencia económica traída a los samoanos por el oeste). El innegable punto de vista indígena hace que se destaque frente a obras de arte pop no indígenas más comunes.

Uno de los primeros y famosos artistas pop de Nueva Zelanda es Billy Apple , uno de los pocos miembros no británicos de la Royal Society of British Artists . Destacado entre los gustos de David Hockney , el estadounidense RB Kitaj y Peter Blake en la exposición Young Contemporaries de RBA de enero de 1961 , Apple se convirtió rápidamente en un artista internacional icónico de la década de 1960. Esto fue antes de que concibiera su apodo de 'Billy Apple', y su trabajo se mostró bajo su nombre de nacimiento Barrie Bates. Trató de distinguirse tanto por su apariencia como por su nombre, por lo que se decoloró el cabello y las cejas con Lady Clairol Instant Creme Whip. Más tarde, Apple se asoció con el movimiento de arte conceptual de la década de 1970 .

Japón

En Japón, el arte pop evolucionó a partir de la prominente escena de vanguardia de la nación. El uso de imágenes del mundo moderno, copiadas de revistas en las pinturas de estilo fotomontaje producidas por Harue Koga a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, presagiaron elementos del arte pop. El movimiento japonés Gutai condujo a una exposición Gutai de 1958 en la galería de Martha Jackson en Nueva York que precedió dos años a su famosa muestra New Forms New Media que puso al arte pop en el mapa. El trabajo de Yayoi Kusama contribuyó al desarrollo del arte pop e influyó en muchos otros artistas, incluido Andy Warhol. A mediados de la década de 1960, el diseñador gráfico Tadanori Yokoo se convirtió en uno de los artistas pop más exitosos y en un símbolo internacional del arte pop japonés. Es bien conocido por sus anuncios y la creación de obras de arte para íconos de la cultura pop, como encargos de The Beatles , Marilyn Monroe y Elizabeth Taylor , entre otros. Otro artista pop destacado en ese momento era Keiichi Tanaami . Los personajes icónicos del manga y el anime japoneses también se han convertido en símbolos del arte pop, como Speed ​​Racer y Astro Boy . El manga y el anime japoneses también influyeron en artistas pop posteriores como Takashi Murakami y su movimiento superplano .

Italia

En Italia, para 1964, el arte pop era conocido y tomaba diferentes formas, como la "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas pop como Mario Schifano , Franco Angeli , Giosetta Fioroni , Tano Festa , Claudio Cintoli , y algunos obras de Piero Manzoni , Lucio Del Pezzo , Mimmo Rotella y Valerio Adami .

El arte pop italiano se originó en la cultura de la década de 1950: las obras de los artistas Enrico Baj y Mimmo Rotella , para ser precisos, se consideran con razón los precursores de esta escena. De hecho, fue alrededor de 1958-1959 cuando Baj y Rotella abandonaron sus carreras anteriores (que podrían definirse genéricamente como pertenecientes a un género no figurativo , a pesar de ser completamente post-dadaísta), para catapultarse a un nuevo mundo de imágenes, y los reflejos sobre ellos, que brotaban a su alrededor. Los carteles rasgados de Rotella mostraban un gusto cada vez más figurativo, a menudo haciendo referencia explícita y deliberada a los grandes iconos de la época. Las composiciones de Baj estaban impregnadas de kitsch contemporáneo , lo que resultó ser una "mina de oro" de imágenes y el estímulo para toda una generación de artistas.

La novedad procedía del nuevo panorama visual, tanto dentro de "muros domésticos" como al aire libre. Los coches, las señales de tráfico, la televisión, todo el "nuevo mundo", todo puede pertenecer al mundo del arte, que en sí mismo es nuevo. En este sentido, el arte pop italiano sigue el mismo camino ideológico que el de la escena internacional. Lo único que cambia es la iconografía y, en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica hacia ella. Incluso en este caso, los prototipos se remontan a los trabajos de Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sin embargo, este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas, entre los que se encuentran Gianni Ruffi , Roberto Barni , Silvio Pasotti , Umberto Bignardi y Claudio Cintoli , que asumen la realidad como un juguete, como una gran reserva de imágenes de la que extraer material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con un espíritu renovado de "déjame divertirme" a lo Aldo Palazzeschi .

El astronauta caído de Paul Van Hoeydonck

Bélgica

En Bélgica , el arte pop estuvo representado en cierta medida por Paul Van Hoeydonck, cuya escultura Fallen Astronaut fue dejada en la Luna durante una de las misiones Apolo , así como por otros notables artistas pop. Artistas reconocidos internacionalmente como Marcel Broodthaers ( "vous êtes doll?" ), Evelyne Axell y Panamarenko son deudores del movimiento del arte pop; la gran influencia de Broodthaers fue George Segal . Otro artista muy conocido, Roger Raveel , montó una jaula de pájaros con un verdadero paloma viva en una de sus pinturas A finales de los años 60 y principios de los 70, las referencias al arte pop desaparecieron del trabajo de algunos de estos artistas cuando comenzaron a adoptar una actitud más crítica hacia Estados Unidos debido a la guerra de Vietnam cada vez más espantosa. Sin embargo, Panamarenko ha conservado la ironía inherente al movimiento del arte pop hasta el día de hoy. Evelyne Axell de Namur fue una artista pop prolífica en el período 1964-1972. Axell fue una de las primeras artistas pop femeninas, tuvo sido asesorada por Magritte y su pintura más conocida es Helado .

Países Bajos

Si bien no hubo un movimiento formal de arte pop en los Países Bajos , hubo un grupo de artistas que pasaron un tiempo en Nueva York durante los primeros años del arte pop y se inspiraron en el movimiento internacional de arte pop. Los representantes del arte pop holandés incluyen a Daan van Golden , Gustave Asselbergs , Jacques Frenken , Jan Cremer , Wim T. Schippers y Woody van Amen . Se opusieron a la mentalidad de la pequeña burguesía holandesa creando obras humorísticas con un trasfondo serio. Ejemplos de esta naturaleza incluyen Sex O'Clock, de Woody van Amen, y Crucifix/Target , de Jacques Frenken.

Rusia

Rusia llegó un poco tarde para convertirse en parte del movimiento del arte pop, y algunas de las obras de arte que se asemejan al arte pop solo aparecieron a principios de la década de 1970, cuando Rusia era un país comunista y las declaraciones artísticas audaces eran monitoreadas de cerca. La propia versión rusa del arte pop tenía una temática soviética y se la conocía como Sots Art . Después de 1991, el Partido Comunista perdió su poder y con él llegó la libertad de expresión. El arte pop en Rusia tomó otra forma, personificada por Dmitri Vrubel con su pintura titulada Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal en 1990. Se podría argumentar que los carteles soviéticos hechos en la década de 1950 para promover la riqueza de la nación eran en sí mismo una forma de arte pop.

Artistas notables

Ver también

Referencias

Otras lecturas

  • Bloch, Mark. El tren de Brooklyn. "Gutai: 1953-1959" , junio de 2018.
  • Diggory, Terence (2013) Enciclopedia de los poetas de la escuela de Nueva York (Biblioteca de literatura estadounidense de hechos en archivo). ISBN  978-1-4381-4066-7
  • Francis, Mark y Foster, Hal (2010) Pop . Londres y Nueva York: Phaidon.
  • Haskell, Bárbara (1984) ¡BLAM! La explosión del pop, el minimalismo y la interpretación 1958-1964 . Nueva York: WW Norton & Company, Inc. en asociación con el Museo Whitney de Arte Americano.
  • Lifshitz, Mikhail, La crisis de la fealdad: del cubismo al arte pop . Traducido y con una introducción de David Riff. Leiden: BRILL, 2018 (publicado originalmente en ruso por Iskusstvo, 1968).
  • Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, con contribuciones de Lawrence Alloway, Nancy Marmer, Nicolas Calas, Frederick A. Praeger, Nueva York.
  • Selz, Peter (moderador); Ashton, Doré ; Geldzahler, Henry ; Kramer, Hilton ; Kunitz, Stanley y Steinberg, Leo (abril de 1963) "Un simposio sobre arte pop" Arts Magazine , págs. 36–45. Transcripción del simposio realizado en el Museo de Arte Moderno el 13 de diciembre de 1962.

enlaces externos