Nuevo Hollywood - New Hollywood

Nuevo Hollywood
Años activos Mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1980
País Estados Unidos
Influencias
Influenciado

El nuevo Hollywood , también conocido como la nueva ola estadounidense o, a veces, llamado el renacimiento de Hollywood , se refiere a un movimiento en la historia del cine estadounidense desde mediados de los sesenta hasta principios de los ochenta, cuando una nueva generación de jóvenes cineastas adquirió prominencia en los Estados Unidos. Estados. Influyeron en los tipos de películas producidas, su producción y marketing, y la forma en que los principales estudios se acercaron a la realización de películas. En las películas de New Hollywood, el director de cine , más que el estudio, asumió un papel de autor clave . La definición de "Nuevo Hollywood" varía, dependiendo del autor, algunos lo definen como un movimiento y otros como un período. El lapso del período también es un tema de debate, así como su integridad, ya que algunos autores, como Thomas Schatz, sostienen que el Nuevo Hollywood se compone de varios movimientos diferentes. Las películas realizadas en este movimiento se caracterizan estilísticamente porque su narrativa a menudo se desvía fuertemente de las normas clásicas . Después de la desaparición del sistema de estudios y el auge de la televisión, el éxito comercial de las películas se redujo.

Las películas exitosas de la era temprana de New Hollywood incluyen Bonnie y Clyde , The Graduate , Night of the Living Dead , The Wild Bunch y Easy Rider , mientras que películas que fracasaron en la taquilla como Heaven's Gate y One from the Heart marcaron el final de la era.

Historia

Fondo

Tras el Caso Paramount (que puso fin a las reservas de bloques y la propiedad de cadenas de cines por parte de los estudios cinematográficos) y el advenimiento de la televisión (donde John Frankenheimer , Paddy Chayefsky y Sidney Lumet trabajaron en sus primeros años), los cuales debilitaron gravemente el sistema de estudio tradicional , Los estudios de Hollywood inicialmente utilizaron el espectáculo para mantener la rentabilidad. Technicolor desarrolló un uso mucho más generalizado, mientras que los procesos de pantalla ancha y las mejoras técnicas, como CinemaScope , sonido estéreo y otros, como 3-D , se inventaron para retener a la audiencia menguante y competir con la televisión. Sin embargo, por lo general no lograron aumentar las ganancias. En 1957, la revista Life llamó a la década de 1950 "la década horrible" de Hollywood.

La década de 1950 y principios de la de 1960 vio un Hollywood dominado por musicales, epopeyas históricas y otras películas que se beneficiaron de las pantallas más grandes, el encuadre más amplio y el sonido mejorado. Por lo tanto, ya en 1957, la era se denominó "Nuevo Hollywood". Sin embargo, la participación de la audiencia continuó disminuyendo y había alcanzado niveles alarmantemente bajos a mediados de la década de 1960. Varios fracasos costosos, ¡incluido Tora! ¡Tora! ¡Tora! y ¡Hola, Dolly! , y los intentos fallidos de replicar el éxito de The Sound of Music , presionaron mucho a los estudios.

Para cuando la generación del baby boom alcanzó la mayoría de edad en la década de 1960, " Old Hollywood " estaba perdiendo dinero rápidamente; los estudios no estaban seguros de cómo reaccionar ante los cambios demográficos de la audiencia. El cambio en el mercado durante el período pasó de una audiencia de mediana edad con educación secundaria a mediados de la década de 1960 a un grupo demográfico más joven, más rico y con educación universitaria: a mediados de la década de 1970, el 76% de todos los espectadores tenían menos de 30 años. , 64% de los cuales había ido a la universidad. Las películas europeas , tanto de autor como comerciales (especialmente la Commedia all'italiana , la New Wave francesa , el Spaghetti Western ) y el cine japonés estaban causando sensación en Estados Unidos: el enorme mercado de jóvenes descontentos parecía encontrar relevancia y significado artístico en películas como Michelangelo Antonioni 's Explosión , con su estructura narrativa oblicua y la desnudez femenina frontal completo.

La desesperación que sintieron los estudios durante este período de recesión económica, y después de las pérdidas de los costosos fracasos cinematográficos, llevó a la innovación y la toma de riesgos, lo que permitió un mayor control por parte de directores y productores más jóvenes. Por lo tanto, en un intento por capturar a esa audiencia que encontró una conexión con las "películas de arte" de Europa, los estudios contrataron a una gran cantidad de jóvenes cineastas (algunos de los cuales fueron asesorados por el "Rey de los B" Roger Corman, mientras que otros como el célebre director de fotografía Vilmos Zsigmond trabajó para directores de películas de serie B menos conocidos como Ray Dennis Steckler , conocido por la película de 1963 Las criaturas increíblemente extrañas que dejaron de vivir y se convirtieron en zombis mezclados ) y les permitió hacer sus películas con relativamente poco control de estudio. Esto, junto con la ruptura del Código de Producción en 1966 y el nuevo sistema de clasificación en 1968 (que refleja la creciente segmentación del mercado) prepararon el escenario para el Nuevo Hollywood.

Bonnie y Clyde

Una película que definió a la nueva generación de Hollywood fue Bonnie y Clyde (1967).

Producida y protagonizada por Warren Beatty y dirigida por Arthur Penn , su combinación de violencia gráfica y humor, así como su tema de glamorosa juventud descontenta, fue un éxito entre el público. La película ganó premios de la Academia a la mejor actriz de reparto ( Estelle Parsons ) y a la mejor fotografía .

Cuando Jack L. Warner , entonces director ejecutivo de Warner Bros. , vio por primera vez una versión preliminar de Bonnie y Clyde en el verano de 1967, la odió. Los ejecutivos de distribución de Warner Brothers estuvieron de acuerdo, dando a la película un estreno discreto y un lanzamiento limitado. Su estrategia pareció justificada cuando Bosley Crowther , crítico de cine de clase media de The New York Times , le dio a la película una crítica mordaz. "Es una pieza barata de comedia de payasadas", escribió, "que trata las horribles depredaciones de esa sórdida y estúpida pareja como si estuvieran tan llenas de diversión y juerga como los recortes de la era del jazz en Thoroughly Modern Millie ... "Otros avisos, incluidos los de las revistas Time y Newsweek , fueron igualmente despectivos.

Su descripción de la violencia y la ambigüedad con respecto a los valores morales, y su sorprendente final, dividió a los críticos. Tras una de las críticas negativas, la revista Time recibió cartas de los fanáticos de la película y, según el periodista Peter Biskind , el impacto de la crítica Pauline Kael en su crítica positiva de la película (octubre de 1967, New Yorker ) llevó a otros críticos a seguirla. dirigir y reevaluar la película (en particular, Newsweek y Time ). Kael llamó la atención sobre la inocencia de los personajes de la película y el mérito artístico del contraste de eso con la violencia en la película: "En cierto sentido, es la ausencia de sadismo - es la violencia sin sadismo - lo que arroja la audiencia desequilibrada en Bonnie y Clyde . La brutalidad que surge de esta inocencia es mucho más impactante que las brutalidades calculadas de asesinos mezquinos ". Kael también notó la reacción del público ante el clímax violento de la película y el potencial de empatizar con la pandilla de criminales en términos de su ingenuidad e inocencia, lo que refleja un cambio en las expectativas del cine estadounidense.

El artículo de portada de la revista Time en diciembre de 1967, celebró la película y la innovación en el cine estadounidense New Wave. Este influyente artículo de Stefan Kanfer afirmaba que Bonnie y Clyde representaban un "Nuevo Cine" a través de sus líneas de género borrosas y su desprecio por los aspectos honrados de la trama y la motivación, y que "Tanto en la concepción como en la ejecución, Bonnie y Clyde es una imagen decisiva, del tipo que señala un nuevo estilo, una nueva tendencia ". Biskind afirma que esta revisión y cambio de rumbo por parte de algunos críticos permitió que la película fuera reeditada, demostrando así su éxito comercial y reflejando el movimiento hacia el Nuevo Hollywood. El impacto de esta película es importante para comprender el resto de la New Wave estadounidense, así como las condiciones que fueron necesarias para ello.

Estos éxitos iniciales allanaron el camino para que el estudio cediera el control casi completo a estos jóvenes cineastas innovadores. A mediados de la década de 1970, películas originales sorprendentes e idiosincrásicas como Paper Moon , Dog Day Afternoon , Chinatown y Taxi Driver, entre otras, gozaron de un enorme éxito comercial y de crítica. Estos éxitos de los miembros del New Hollywood llevaron a cada uno de ellos a hacer demandas cada vez más extravagantes, tanto en el estudio como eventualmente en el público.

Caracteristicas

Esta nueva generación de cineastas de Hollywood era lo más importante, desde el punto de vista de los estudios, joven, por lo tanto, capaz de llegar al público joven que estaban perdiendo. Este grupo de jóvenes filmmakers- actores , escritores y directores -dubbed el "Nuevo Hollywood" por la prensa, brevemente cambió el negocio de la productora sistema de Hollywood impulsada del pasado.

Todd Berliner ha escrito sobre las prácticas narrativas inusuales de la época. La década de 1970, dice Berliner, marca la transformación formal más significativa de Hollywood desde la conversión al cine sonoro y es el período definitorio que separa los modos de narración de la era de los estudios y el Hollywood contemporáneo. Las nuevas películas de Hollywood se desvían de las normas narrativas clásicas más que las películas de Hollywood de cualquier otra época o movimiento. Sus recursos narrativos y estilísticos amenazan con descarrilar una narración que de otro modo sería sencilla. Berliner sostiene que cinco principios rigen las estrategias narrativas características de las películas de Hollywood de la década de 1970:

  • Las películas de los setenta muestran una tendencia perversa a integrar, en formas narrativas incidentales, información de la historia y dispositivos estilísticos contraproducentes para los propósitos narrativos evidentes y esenciales de las películas.
  • Los cineastas de Hollywood de la década de 1970 a menudo sitúan sus prácticas cinematográficas entre las del Hollywood clásico y las del cine artístico europeo y asiático.
  • Las películas de los setenta provocan respuestas de los espectadores más inciertas e incómodas que las del cine más típico de Hollywood.
  • Las narrativas de los setenta ponen un énfasis poco común en la irresolución, particularmente en el momento del clímax o en los epílogos, cuando las películas de Hollywood más convencionales se ocupan de atar cabos sueltos.
  • El cine de los setenta obstaculiza la linealidad narrativa y el impulso y reduce su potencial para generar suspenso y emoción.

Thomas Schatz señala otra diferencia con la Edad de Oro de Hollywood, que se ocupa de la relación de los personajes y la trama. Argumenta que la trama en las películas clásicas de Hollywood (y algunas de las primeras películas de New Hollywood como El Padrino ) "tendía a emerger de manera más orgánica en función de los impulsos, deseos, motivaciones y metas de los personajes centrales". Sin embargo, a partir de mediados de la década de 1970, señala una tendencia en la que "los personajes se convirtieron en funciones de la trama".

Durante el apogeo del sistema de estudios, las películas se hicieron casi exclusivamente en el set de estudios aislados. El contenido de las películas estaba limitado por el Código de producción cinematográfica y, aunque los cineastas de la edad de oro encontraron lagunas en sus reglas, se evitó efectivamente la discusión de más contenido tabú a través del cine. El cambio hacia un "nuevo realismo" fue posible cuando se introdujo el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association of America y el rodaje en exteriores se hizo más viable. La ciudad de Nueva York era un lugar favorito para este nuevo grupo de cineastas debido a su 'atmósfera áspera'.

Debido a los avances en la tecnología cinematográfica (por ejemplo, la cámara Panavision Panaflex , introducida en 1972), los realizadores de New Hollywood pudieron filmar películas de 35 mm en exteriores con relativa facilidad. Dado que el rodaje de locaciones era más barato (no es necesario construir decorados), los cineastas de New Hollywood desarrollaron rápidamente el gusto por el rodaje de locaciones, lo que resultó en un enfoque más naturalista de la realización de películas, especialmente en comparación con el enfoque mayormente estilizado de los musicales clásicos de Hollywood y los espectáculos hechos para competir con ellos. televisión durante la década de 1950 y principios de la de 1960. Los documentales de DA Pennebaker , Maysles Brothers y Frederick Wiseman, entre otros, también influyeron en los cineastas de esta época.

Sin embargo, en la edición de New Hollywood, los cineastas se adhirieron al realismo de manera más liberal que la mayoría de sus predecesores clásicos de Hollywood, a menudo utilizando la edición con fines artísticos en lugar de solo para la continuidad, una práctica inspirada en películas de arte europeas y directores clásicos de Hollywood como DW Griffith y Alfred Hitchcock. . Películas con la edición poco ortodoxo incluidos Easy Rider ' uso s de cortes de salto (influenciado por los trabajos de experimentación collage realizador Bruce Conner ) para presagiar el clímax de la película, así como los usos más sutiles, como los de reflejar el sentimiento de frustración en Bonnie y Clyde , la subjetividad del protagonista de The Graduate y el paso del tiempo en el famoso partido cortado de 2001: A Space Odyssey . También influyeron las obras de los cineastas experimentales Arthur Lipsett , Bruce Baillie y Kenneth Anger con sus combinaciones de música e imágenes, y cada una de ellas fue citada por George Lucas y Martin Scorsese como influencias.

El final del código de producción permitió que las películas de New Hollywood presentaran temas políticos antisistema, el uso de la música rock y la libertad sexual considerada "contracultural" por los estudios. El movimiento juvenil de la década de 1960 convirtió a antihéroes como Bonnie y Clyde y Cool Hand Luke en ídolos de la cultura pop, y la revista Life llamó a los personajes de Easy Rider "parte del mito fundamental central de la contracultura de finales de la década de 1960". Easy Rider también afectó la forma en que los estudios buscaban llegar al mercado juvenil. El éxito de Midnight Cowboy , a pesar de su calificación X, fue evidencia del interés en temas controvertidos en ese momento y también mostró la debilidad del sistema de calificación y la segmentación de la audiencia.

Interpretaciones sobre la definición del movimiento

Para Peter Biskind, la nueva ola fue presagiada por Bonnie y Clyde y comenzó en serio con Easy Rider . El libro de Biskind Easy Riders, Raging Bulls sostiene que el movimiento New Hollywood marcó un cambio significativo hacia obras innovadoras y producidas de forma independiente por una nueva ola de directores, pero que este cambio comenzó a revertirse cuando el éxito comercial de Tiburón y Star Wars llevó a la comprensión por parte de los estudios de la importancia de los éxitos de taquilla, la publicidad y el control de la producción.

Escribiendo en 1968, la crítica Pauline Kael argumentó que la importancia de The Graduate radicaba en su significado social en relación con una nueva audiencia joven y el papel de los medios de comunicación, más que en cualquier aspecto artístico. Kael argumentó que los estudiantes universitarios que se identificaban con The Graduate no eran muy diferentes de las audiencias que se identificaban con los personajes de los dramas de la década anterior.

John Belton señala el cambio demográfico hacia un público aún más joven y conservador a mediados de la década de 1970 (50% entre 12 y 20 años) y el cambio hacia temas menos políticamente subversivos en el cine convencional, como hizo Thomas Schatz, quien vio a mediados y finales de la década de 1970 como el declive del movimiento del cine de arte como una fuerza significativa de la industria con su apogeo en 1974-75 con Nashville y Chinatown .

Geoff King ve el período como un movimiento interino en el cine estadounidense donde una conjunción de fuerzas llevó a una medida de libertad en la realización cinematográfica, mientras que Todd Berliner dice que el cine de los setenta se resiste a la eficiencia y la armonía que normalmente caracterizan al cine clásico de Hollywood y pone a prueba los límites del cine clásico de Hollywood. modelo.

Según el autor y crítico de cine Charles Taylor ( Apertura miércoles en un teatro o autocine cerca de usted ), afirmó que "la década de 1970 sigue siendo el tercer - y, hasta la fecha, el último - gran período en las películas estadounidenses".

Crítica

El New Hollywood no estuvo exento de críticas, ya que en un artículo de Los Angeles Times , el crítico de cine Manohla Dargis lo describió como la "edad feliz" del cine de la década que "fue menos una revolución que un negocio como siempre, con un bombo rebelde". También señaló en su artículo del NY Times que sus entusiastas insistían en que esto fue "cuando las películas estadounidenses crecieron (o al menos protagonizaron actrices mal vestidas); cuando los directores hicieron lo que querían (o al menos se transformaron en marcas); cuando la creatividad imperaba ( o al menos corrió gloriosamente loco, aunque a menudo con el dinero del estudio) ".

Esta era del cine estadounidense también fue criticada por su excesiva decadencia y contratiempos en el set.

Incluso Spielberg, quien codirigió / coprodujo Twilight Zone: The Movie en 1983 con John Landis , estaba tan disgustado por el manejo de este último del mortal accidente de helicóptero que resultó en la muerte del actor Vic Morrow y los niños actores Myca Dinh Le y Renee Shin-Yi Chen, puso fin a su amistad y pidió públicamente el fin de esta era. Cuando la prensa se le acercó sobre el accidente, dijo: "No vale la pena morir por ninguna película. Creo que la gente está defendiendo mucho más ahora, que nunca antes, a los productores y directores que piden demasiado. Si algo no es seguro, es el derecho y la responsabilidad de cada actor o miembro del equipo de gritar: "¡Corten!"

Legado

Las películas de Steven Spielberg , Brian De Palma , Martin Scorsese y Francis Ford Coppola influyeron tanto en las películas de género Poliziotteschi en Italia como una década más tarde en el movimiento Cinéma du look en Francia.

El cine excéntrico estadounidense se ha enmarcado como influenciado por esta época. Ambas tradiciones tienen temas y narrativas similares del existencialismo y la necesidad de interacción humana. The New Hollywood se centra en los elementos más oscuros de la humanidad y la sociedad dentro del contexto del Sueño Americano a mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1980. con temas que reflejaban problemas socioculturales y se centraban en el potencial sin sentido de perseguir el Sueño Americano como generación tras generación motivada para poseerlo. En comparación, American Eccentric Cinema no tiene un contexto distinto, sus películas muestran personajes que son muy individuales y sus preocupaciones son muy distintivas de sus propias personalidades.

El detrás de cámaras de algunas de las películas de esta época ( El exorcista , Twilight Zone: The Movie y The Omen ) también fueron temas de la serie documental Cursed Films .

Lista de figuras importantes y notables seleccionadas del movimiento

Actores

Directores

Otros

Lista de películas importantes y notables seleccionadas

La siguiente es una lista cronológica de películas notables que generalmente se consideran producciones de "New Hollywood".

Ver también

Referencias

Bibliografía

enlaces externos