Henry Moore - Henry Moore

Henry Moore
Henry Moore en el taller Allan Warren.jpg
Moore en 1975
Nació
Henry Spencer Moore

( 30 de julio de 1898 )30 de julio de 1898
Murió 31 de agosto de 1986 (31 de agosto de 1986)(88 años)
Much Hadham , Hertfordshire , Inglaterra
Educación Escuela de Arte de Leeds
Royal College of Art
Conocido por Escultura, dibujo, gráfica , textil
Trabajo notable
Cifras reclinadas, décadas de 1930 a 1980
Movimiento Escultura de bronce, Modernismo
Premios OM CH FBA

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 de julio de 1898 - 31 de agosto de 1986) fue un artista inglés. Es más conocido por sus monumentales esculturas de bronce semi- abstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Además de la escultura, Moore produjo muchos dibujos, incluida una serie que muestra a los londinenses que se refugiaron del Blitz durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otras obras gráficas en papel.

Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, típicamente representando a madre e hijo o figuras reclinadas. Las obras de Moore suelen sugerir el cuerpo femenino, aparte de una fase en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Sus formas generalmente están perforadas o contienen espacios huecos. Muchos intérpretes comparan la forma ondulada de sus figuras reclinadas con el paisaje y las colinas de su lugar de nacimiento en Yorkshire .

Moore se hizo conocido a través de su mármol tallado y esculturas abstractas de bronce fundido a gran escala, y fue fundamental en la introducción de una forma particular de modernismo en el Reino Unido. Su capacidad en la vida posterior para cumplir con comisiones a gran escala lo hizo excepcionalmente rico. A pesar de esto, vivió frugalmente; la mayor parte del dinero que ganó se destinó a financiar la Fundación Henry Moore , que continúa apoyando la educación y la promoción de las artes.

Vida

Vida temprana

Moore nació en Castleford , West Riding de Yorkshire , Inglaterra, hijo de Mary (de soltera Baker) y Raymond Spencer Moore. Su padre era irlandés y se convirtió en ayudante de boxes y luego subdirector de la mina de carbón Wheldale en Castleford. Fue un autodidacta interesado en la música y la literatura. Decidido a que sus hijos no trabajarían en las minas, vio la educación formal como la ruta hacia su avance. Henry era el séptimo de ocho hijos en una familia que a menudo luchaba contra la pobreza. Asistió a escuelas infantiles y primarias en Castleford, donde comenzó a modelar en arcilla y tallar en madera. Afirmó haber decidido convertirse en escultor cuando tenía once años después de enterarse de los logros de Miguel Ángel en una lectura de la escuela dominical.

En su segundo intento fue aceptado en Castleford Secondary School , a la que habían asistido varios de sus hermanos, donde su director pronto notó su talento e interés por la escultura medieval . Su profesora de arte, Alice Gostick, amplió sus conocimientos de arte y, con su apoyo, decidió hacer del arte su carrera; primero presentándose a los exámenes para una beca para la escuela de arte local. Las primeras tallas registradas de Moore, una placa para la Sociedad Scott en la Escuela Secundaria Castleford y un Cuadro de Honor que conmemora a los niños que fueron a luchar en la Primera Guerra Mundial desde la escuela, fueron ejecutados en esta época.

A pesar de su promesa inicial, los padres de Moore habían estado en contra de su formación como escultor, una vocación que consideraban trabajo manual con pocas perspectivas de carrera. Después de una breve introducción como alumno de profesor, Moore se convirtió en profesor de la escuela a la que había asistido. Al cumplir los dieciocho años, Moore se ofreció como voluntario para el servicio militar en la Primera Guerra Mundial . Era el hombre más joven del regimiento de rifles del servicio civil del Príncipe de Gales y resultó herido en 1917 en un ataque con gas , el 30 de noviembre en Bourlon Wood, durante la Batalla de Cambrai . Después de recuperarse en el hospital, vio el resto de la guerra como instructor de entrenamiento físico , y solo regresó a Francia cuando se firmó el Armisticio . Más tarde recordó, "para mí, la guerra transcurrió en una neblina romántica de intentar ser un héroe". Esta actitud cambió cuando reflexionó sobre la destructividad de la guerra y en 1940 escribió, en una carta a su amigo Arthur Sale, que "uno o dos años después [de la guerra], ver un uniforme caqui comenzó a significar todo lo que en la vida estaba mal, derrochador y anti-vida . Y todavía tengo ese sentimiento ".

Inicios como escultor

Fotografía en blanco y negro de una talla de piedra de una figura humana acostada con las rodillas dobladas y la cabeza girada
figura femenina tallada en piedra verde, acostada con las rodillas dobladas y la cabeza vuelta
Las figuras reclinadas de Moore, como la Mujer reclinada de 1930 (abajo), fueron influenciadas por figuras de Chac Mool , como esta (arriba) de Chichén Itzá .

Después de la guerra, Moore recibió una beca de ex-militar para continuar su educación y en 1919 se convirtió en estudiante en la Leeds School of Art (ahora Leeds Arts University ), que estableció un estudio de escultura especialmente para él. En la universidad, conoció a Barbara Hepworth , una compañera de estudios que también se convertiría en una reconocida escultora británica, y comenzó una amistad y una suave rivalidad profesional que duró muchos años. En Leeds, Moore también tuvo acceso a las obras modernistas de la colección de Sir Michael Sadler , el rector de la Universidad , lo que tuvo un efecto pronunciado en su desarrollo. En 1921, Moore ganó una beca para estudiar en el Royal College of Art de Londres, junto con Hepworth y otros contemporáneos de Yorkshire. Durante su estancia en Londres, Moore amplió sus conocimientos sobre el arte y la escultura primitivos , estudiando las colecciones etnográficas del Museo Británico .

Las esculturas de los estudiantes de Moore y Hepworth siguieron el estilo victoriano romántico estándar e incluyeron formas naturales, paisajes y modelado figurativo de animales. Moore más tarde se sintió incómodo con los ideales derivados de la tradición; Su posterior familiaridad con el primitivismo y la influencia de escultores como Constantin Brâncuși , Jacob Epstein , Henri Gaudier-Brzeska y Frank Dobson lo llevaron al método de la talla directa , en el que las imperfecciones en el material y las marcas dejadas por las herramientas se convirtieron en parte del acabado. escultura. Habiendo adoptado esta técnica, Moore estaba en conflicto con los tutores académicos que no apreciaban un enfoque tan moderno. Durante una serie de ejercicios por Derwent madera (el profesor de escultura en el Royal College), se pidió a Moore para reproducir una canica alivio de Domenico Rosselli 's La Virgen y el Niño modelando primero el relieve en yeso , y luego reproducirlo en mármol con el ayuda mecánica conocida como " máquina apuntadora ", una técnica llamada "apuntando". En cambio, talló el relieve directamente, incluso marcando la superficie para simular las marcas de pinchazos que habría dejado la máquina señaladora.

En 1924, Moore ganó una beca de viaje de seis meses que pasó en el norte de Italia estudiando las grandes obras de Miguel Ángel , Giotto di Bondone , Giovanni Pisano y varios otros viejos maestros . Durante este período también visitó París, aprovechó las clases de dibujo cronometrado en la Académie Colarossi y vio, en el Trocadero , un molde de yeso de una forma escultórica tolteca - maya , el Chac Mool , que había visto previamente en un libro. ilustraciones. La figura reclinada iba a tener un efecto profundo en el trabajo de Moore, convirtiéndose en el motivo principal de su escultura.

Hampstead

A su regreso a Londres, Moore asumió un puesto de profesor de siete años en el Royal College of Art. Tenía que trabajar dos días a la semana, lo que le permitía dedicar tiempo a su propio trabajo. Su primer encargo público, West Wind (1928–29), fue uno de los ocho relieves de los "cuatro vientos" en las paredes de la sede del metro de Londres en 55 Broadway . Los otros 'vientos' fueron esculpidos por escultores contemporáneos, incluido Eric Gill, con las piezas a nivel del suelo proporcionadas por Epstein . 1928 vio la primera exposición individual de Moore, celebrada en la Warren Gallery de Londres. El 19 de julio de 1929, Moore se casó con Irina Radetsky, una estudiante de pintura en el Royal College. Irina nació en Kiev en 1907. Su padre murió en la Revolución Rusa y su madre fue evacuada a París, donde se casó con un oficial del ejército británico. Irina fue llevada clandestinamente a París un año después y fue a la escuela allí hasta los 16 años, después de lo cual la enviaron a vivir con los parientes de su padrastro en Buckinghamshire .

West Wind , 1928–29; El primer encargo público de Moore fue tallado en piedra de Portland y muestra la influencia de las figuras de Miguel Ángel para la Capilla de los Medici y la figura de Chac Mool .

Irina encontró seguridad en su matrimonio con Moore y pronto posó para él. Poco después de casarse, la pareja se mudó a un estudio en Hampstead en 11a Parkhill Road NW3, uniéndose a una pequeña colonia de artistas de vanguardia que estaban arraigando allí. Poco después, Hepworth y su segundo esposo Ben Nicholson se mudaron a un estudio a la vuelta de la esquina de Moore, mientras que Naum Gabo , Roland Penrose , Cecil Stephenson y el crítico de arte Herbert Read también vivían en el área (Read se refirió al área como "un nido de artistas amables "). El área también fue un punto de parada para muchos artistas, arquitectos y diseñadores refugiados de la Europa continental que se dirigían a América.

En 1932, después de seis años de docencia en el Royal College, Moore asumió el cargo de Jefe del Departamento de Escultura en la Escuela de Arte de Chelsea . Artísticamente, Moore, Hepworth y otros miembros de The Seven and Five Society desarrollarían un trabajo cada vez más abstracto, en parte influenciado por sus frecuentes viajes a París y su contacto con destacados artistas progresistas, en particular Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Arp y Alberto Giacometti . Moore coqueteó con el surrealismo , uniéndose a Paul Nash 's arte moderno movimiento ' Unidad Uno ', en 1933. En 1934, Moore visitó España; visitó la cueva de Altamira (que calificó como "Real Academia de Pintura Rupestre"), Madrid, Toledo y Pamplona.

En 1936, Moore se unió a un grupo de artistas surrealistas fundado por Roland Penrose , y ese mismo año fue tesorero honorario del comité organizador de la Exposición Surrealista Internacional de Londres . En 1937, Roland Penrose le compró a Moore un abstracto 'Madre e hijo' en piedra que exhibió en el jardín delantero de su casa en Hampstead. El trabajo resultó polémico con otros residentes y la prensa local realizó una campaña contra la pieza durante los dos años siguientes. En este momento, Moore pasó gradualmente de la talla directa a la fundición en bronce, modelando maquetas preliminares en arcilla o yeso en lugar de hacer dibujos preparatorios.

En 1938, Moore conoció a Kenneth Clark por primera vez. A partir de este momento, Clark se convirtió en un campeón poco probable pero influyente del trabajo de Moore y, a través de su posición como miembro del Consejo de las Artes de Gran Bretaña , consiguió exposiciones y encargos para el artista.

Segunda Guerra Mundial

Mujeres y niños en el metro (1940) (Art. IWM ART LD 759)
En el Coal Face. Un minero empujando una tina (1942) (Art. IWM ART LD 2240)

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, la Escuela de Arte de Chelsea fue evacuada a Northampton y Moore renunció a su puesto de profesor. Durante la guerra, Moore produjo poderosos dibujos de londinenses durmiendo en el metro de Londres mientras se refugiaban del Blitz . Kenneth Clark , presidente del Comité Asesor de Artistas de Guerra (WAAC), había intentado anteriormente contratar a Moore como artista de guerra asalariado a tiempo completo y ahora acordó comprar algunos de los dibujos del refugio y emitió contratos para obtener más ejemplos. Los dibujos de refugio adquiridos por WAAC se completaron entre el otoño de 1940 y la primavera de 1941 y se consideran entre los mejores productos del esquema WAAC. En agosto de 1941, WAAC encargó a Moore que dibujara a los mineros que trabajaban bajo tierra en el Wheldale Colliery en Yorkshire, donde su padre había trabajado a principios de siglo. Moore dibujó a la gente en los refugios esperando pasivamente que todo despejara mientras los mineros trabajaban agresivamente en las caras del carbón. Estos dibujos ayudaron a impulsar la reputación internacional de Moore, particularmente en Estados Unidos, donde se incluyeron ejemplos en la exhibición WAAC Britain at War , que recorrió América del Norte durante la guerra.

Después de que su casa de Hampstead fuera alcanzada por la metralla de una bomba en septiembre de 1940, Moore e Irina se mudaron de Londres para vivir en una granja llamada Hoglands en la aldea de Perry Green cerca de Much Hadham , Hertfordshire . Este se convertiría en el hogar y taller de Moore por el resto de su vida. A pesar de adquirir una riqueza significativa más adelante en la vida, Moore nunca sintió la necesidad de mudarse a un local más grande y, aparte de la adición de varias dependencias y estudios, la casa cambió poco a lo largo de los años. En 1943 recibió un encargo de la Iglesia de San Mateo, Northampton , para tallar una Virgen y un Niño; esta escultura fue la primera de una serie importante de esculturas de grupos familiares.

Años despues

Grupo familiar (1950) bronce, Barclay School , Stevenage , Hertfordshire . Primera comisión a gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial.
Shahbanu Farah en Henry Moore's Gallery, Teherán, mayo de 1971.

Después de la guerra y después de varios abortos espontáneos anteriores, Irina dio a luz a su hija, Mary Moore, en marzo de 1946. La niña recibió su nombre de la madre de Moore, que había muerto dos años antes. Tanto la pérdida de su madre como la llegada de un bebé centraron la mente de Moore en la familia, que expresó en su trabajo al producir muchas composiciones de "madre e hijo", aunque las figuras reclinadas e internas / externas también siguieron siendo populares. Ese mismo año, Moore hizo su primera visita a Estados Unidos cuando se inauguró una exposición retrospectiva de su trabajo en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.

Antes de la guerra, el educador Henry Morris se había acercado a Moore , quien estaba tratando de reformar la educación con su concepto de Village College . Morris había contratado a Walter Gropius como arquitecto de su segundo colegio universitario en Impington, cerca de Cambridge , y quería que Moore diseñara una gran escultura pública para el sitio. El Ayuntamiento, sin embargo, no pudo permitirse el diseño completo de Gropius y redujo el proyecto cuando Gropius emigró a Estados Unidos. Al carecer de fondos, Morris tuvo que cancelar la escultura de Moore, que no había progresado más allá de la etapa de maqueta. Moore pudo reutilizar el diseño en 1950 para un encargo similar fuera de una escuela secundaria para la nueva ciudad de Stevenage . Esta vez, el proyecto se completó y Family Group se convirtió en el primer bronce público a gran escala de Moore.

La pieza de la UNESCO se trasladó, en 1963, para permitir obras de construcción.

En la década de 1950, Moore comenzó a recibir comisiones cada vez más importantes. Expuso Figura reclinada: Festival en el Festival de Gran Bretaña en 1951, y en 1958 produjo una gran figura reclinada de mármol para el edificio de la UNESCO en París. Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente y comenzó a emplear un número cada vez mayor de asistentes para trabajar con él en Much Hadham, incluidos Anthony Caro y Richard Wentworth .

En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción en cadena nuclear controlada y autosuficiente, Moore's Nuclear Energy se dio a conocer en el sitio de lo que alguna vez fue gradas del campo de fútbol de la universidad, en la pista de raquetas debajo de la cual habían tenido lugar los experimentos. A menudo se piensa que esta pieza de 12 pies de altura en el medio de una gran plaza abierta representa una nube en forma de hongo coronada por un cráneo humano masivo, pero la interpretación de Moore fue muy diferente. Una vez le dijo a un amigo que esperaba que los espectadores "lo rodearan, mirando a través de los espacios abiertos, y que pudieran tener la sensación de estar en una catedral". En Chicago, Illinois , Moore también conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente Man Entra al Cosmos (1980), que recibió el encargo de reconocer el programa de exploración espacial .

Moore en su estudio en Inglaterra (1975), de Allan Warren

Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron de manera similar; Se llevaron a cabo varias retrospectivas importantes en todo el mundo, en particular una exposición muy destacada en el verano de 1972 en los terrenos del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . Siguiendo el documental pionero 'Henry Moore', producido por John Read en 1951, apareció en muchas películas. En 1964, por ejemplo, Moore apareció en el documental "5 British Sculptors (Work and Talk)" del cineasta estadounidense Warren Forma . A finales de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año con su obra. El número de comisiones siguió aumentando; completó Knife Edge Two Piece en 1962 para College Green cerca de las Casas del Parlamento en Londres. Según Moore, "Cuando me ofrecieron el sitio cerca de la Cámara de los Lores  ... Me gustó tanto el lugar que no me molesté en ir a ver un sitio alternativo en Hyde Park: una escultura solitaria se puede perder en un Parque grande. El sitio de la Cámara de los Lores es bastante diferente. Está al lado de un camino por donde camina la gente y tiene algunos asientos donde sentarse y contemplarlo ".

A medida que su riqueza crecía, Moore comenzó a preocuparse por su legado. Con la ayuda de su hija Mary, fundó Henry Moore Trust en 1972, con el fin de proteger su patrimonio de los derechos de sucesión . En 1977, estaba pagando cerca de un millón de libras al año en impuestos sobre la renta ; para mitigar su carga fiscal, estableció la Fundación Henry Moore como una organización benéfica registrada con Irina y Mary como fideicomisarios. La Fundación se estableció para fomentar la apreciación pública de las artes visuales y especialmente las obras de Moore. Ahora administra su casa y finca en Perry Green , con una galería, un parque de esculturas y estudios.

En 1979, Henry Moore se hizo conocido inesperadamente en Alemania cuando su escultura Large Two Forms se instaló en la explanada de la Cancillería alemana en Bonn, que era la capital de Alemania Occidental antes de la reunificación alemana en octubre de 1990.

Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su casa de Perry Green. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de la iglesia de Santo Tomás.

La colección de Henry Moore de la Galería de Arte de Ontario es la colección pública más grande de sus obras en el mundo.

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Estilo

La mujer reclinada drapeada de bronce de Moore 1957-58 ("Die Liegende") en Stuttgart , típica de sus primeras figuras reclinadas

La forma de la firma de Moore es una figura reclinada. La exploración de Moore de esta forma, bajo la influencia de la figura maya-tolteca que había visto en el Louvre, lo llevaría a una abstracción cada vez mayor a medida que dirigía sus pensamientos hacia la experimentación con los elementos del diseño. Las figuras reclinadas anteriores de Moore se ocupan principalmente de la masa, mientras que las posteriores contrastan los elementos sólidos de la escultura con el espacio, no solo alrededor de ellos, sino generalmente a través de ellos mientras perforaba las formas con aberturas.

Las figuras anteriores se perforan de una manera convencional, en la que las extremidades dobladas se separan y se unen al cuerpo. Las figuras posteriores, más abstractas, a menudo son penetradas por espacios directamente a través del cuerpo, por lo que Moore explora y alterna formas cóncavas y convexas. Estos piercings más extremos se desarrollaron en paralelo con las esculturas de Barbara Hepworth . Hepworth se perforó el torso por primera vez después de leer mal una reseña de uno de los primeros programas de Henry Moore. La figura reclinada de yeso : Festival (1951) en la Tate , es característica de las esculturas posteriores de Moore: una figura femenina abstracta intercalada con vacíos. Como ocurre con gran parte del trabajo de la posguerra, hay varios moldes de bronce de esta escultura. Cuando la sobrina de Moore preguntó por qué sus esculturas tenían títulos tan simples, respondió:

Todo arte debe tener un cierto misterio y debe exigir al espectador. Dar un título demasiado explícito a una escultura o un dibujo quita parte de ese misterio para que el espectador pase al siguiente objeto, sin esforzarse por ponderar el significado de lo que acaba de ver. Todo el mundo piensa que se ve, pero en realidad no es así, ya sabes.

El trabajo inicial de Moore se centra en el tallado directo , en el que la forma de la escultura evoluciona a medida que el artista corta repetidamente el bloque. En la década de 1930, la transición de Moore al modernismo fue paralela a la de Barbara Hepworth; los dos intercambiaron nuevas ideas entre ellos y con otros artistas que vivían en Hampstead. Moore hizo muchos bocetos y dibujos preparatorios para cada escultura. La mayoría de estos cuadernos de bocetos han sobrevivido y brindan información sobre el desarrollo de Moore. Le dio gran importancia al dibujo; en la vejez, cuando tuvo artritis, continuó dibujando.

Wall Relief No. 1 , (1955), Bouwcentrum, Rotterdam

Después de la Segunda Guerra Mundial, los bronces de Moore adquirieron una escala mayor, lo que resultó especialmente adecuado para encargos de arte público. Por motivos prácticos, abandonó en gran medida el tallado directo y contrató a varios asistentes para que le ayudaran a producir las formas más grandes basadas en maquetas. A fines de la década de 1940, produjo esculturas cada vez más mediante el modelado, elaborando la forma en arcilla o yeso antes de fundir la obra final en bronce utilizando la técnica de la cera perdida. Estas maquetas a menudo comenzaron como pequeñas formas moldeadas por las manos de Moore, un proceso que le da a su trabajo un sentimiento orgánico. Son del cuerpo. En su casa de Much Hadham, Moore creó una colección de objetos naturales; cráneos, madera flotante, guijarros, rocas y conchas, que utilizaría para inspirar formas orgánicas. Para sus obras más grandes, generalmente producía un modelo de trabajo a media escala antes de escalar para el moldeado final y la fundición en una fundición de bronce . Moore a menudo refinaba la forma final de yeso completo y agregaba marcas en la superficie antes de la fundición.

Moore produjo al menos tres ejemplos significativos de escultura arquitectónica durante su carrera. En 1928, a pesar de sus propias "reservas extremas", aceptó su primer encargo público para West Wind para el London Underground Building en 55 Broadway en Londres, uniéndose a la compañía de Jacob Epstein y Eric Gill . En 1953, completó una pantalla de hormigón de cuatro partes para el edificio Time-Life en New Bond Street, Londres, y en 1955 Moore se dedicó a su primer y único trabajo en ladrillo tallado, "Wall Relief" en el Bouwcentrum en Rotterdam. El relieve de ladrillo fue esculpido con 16.000 ladrillos por dos albañiles holandeses bajo la supervisión de Moore.

Gran figura reclinada (1984, basado en un modelo más pequeño de 1938), Museo Fitzwilliam, Cambridge

Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial , el Holocausto y la era de la bomba atómica inculcaron en la escultura de mediados de la década de 1940 la sensación de que el arte debería volver a sus orígenes preculturales y prerracionales. En la literatura de la época, escritores como Jean-Paul Sartre defendían una filosofía reductiva similar. En un discurso introductorio en la ciudad de Nueva York para una exposición de uno de los mejores escultores modernistas , Alberto Giacometti , Sartre habló de "El comienzo y el fin de la historia". El sentido de Moore de que Inglaterra salía invicto del asedio lo llevó a centrarse en piezas caracterizadas por la resistencia y la continuidad.

Legado

Escultura abstracta de acero oxidado
Dream City de Anthony Caro, (1996), acero oxidado, en el Yorkshire Sculpture Park .

La mayoría de los escultores que emergieron durante el apogeo de la fama de Moore, y después de su muerte, se vieron proyectados a su sombra. A fines de la década de 1940, Moore era una celebridad mundial; era la voz de la escultura británica y del modernismo británico en general. La siguiente generación fue constantemente comparada con él y reaccionó desafiando su legado, sus credenciales de "establecimiento" y su posición. En la Bienal de Venecia de 1952 , ocho nuevos escultores británicos produjeron sus obras Geometry of Fear como un contraste directo con los ideales detrás de la idea de Resistencia, Continuidad de Moore ; su gran figura de bronce de pie doble estaba fuera del pabellón británico y contrastaba fuertemente con las obras más ásperas y angulares del interior.

Sin embargo, Moore tuvo una influencia directa en varias generaciones de escultores de reputación tanto británica como internacional. Entre los artistas que han reconocido la importancia de Moore para su trabajo se encuentran Sir Anthony Caro , Phillip King e Isaac Witkin , los tres asistentes de Moore. Otros artistas cuyo trabajo fue influenciado por él incluyen a Helaine Blumenfeld , Drago Marin Cherina , Lynn Chadwick , Eduardo Paolozzi , Bernard Meadows , Reg Butler , William Turnbull , Robert Adams , Kenneth Armitage y Geoffrey Clarke.

La Fundación Henry Moore ayuda a preservar su legado apoyando a los escultores y creando exposiciones, su objetivo es desarrollar el aprecio por las artes visuales. La Fundación fue establecida por Henry y su familia en 1977 en Inglaterra, y sigue funcionando.

Controversia

En diciembre de 2005, la figura reclinada de dos toneladas (1969-1970), asegurada por £ 3 millones, fue levantada con una grúa desde los terrenos de la Fundación Henry Moore hasta un camión y no ha sido recuperada. Dos hombres fueron encarcelados durante un año en 2012 por robar una escultura llamada Reloj de sol (1965) y el pedestal de bronce de otra obra, también de la finca de la fundación. En octubre de 2013 Standing Figure (1950), una de las cuatro piezas de Moore en Glenkiln Sculpture Park , con un valor estimado de £ 3 millones, fue robada.

En 2012, el consejo del distrito londinense de Tower Hamlets anunció sus planes de vender otra versión de Draped Seated Woman 1957–58 , una escultura de bronce de 1,6 toneladas. Moore, un conocido socialista, había vendido la escultura a una fracción de su valor de mercado al antiguo Consejo del Condado de Londres en el entendimiento de que se exhibiría en un espacio público y podría enriquecer las vidas de quienes viven en un área socialmente desfavorecida. . Apodado Old Flo , se instaló en la finca del ayuntamiento de Stifford en 1962, pero fue objeto de actos de vandalismo y se trasladó al Yorkshire Sculpture Park en 1997. El ayuntamiento de Tower Hamlets más tarde consideró trasladar a Draped Seated Woman a un terreno privado en Canary Wharf, pero decidió "explorar opciones "para una venta. En respuesta al anuncio, se publicó una carta abierta en The Guardian , firmada por Mary Moore, la hija del artista, por Sir Nicholas Serota , director de la Tate Gallery , por el cineasta Danny Boyle , y por artistas como Jeremy Deller . La carta decía que la venta "va en contra del espíritu de la venta original de Henry Moore" de la obra.

Interés popular

En la actualidad, la Fundación Henry Moore administra la antigua casa del artista en Perry Green en Hertfordshire como destino de visitantes, con 70 acres de terrenos para esculturas, así como su casa y estudios restaurados. También dirige el Instituto Henry Moore en Leeds, que organiza exposiciones y actividades de investigación en escultura internacional. Algunos percibieron que el interés popular en el trabajo de Moore había disminuido durante un tiempo en el Reino Unido, pero ha sido revivido en los últimos tiempos por exposiciones que incluyen en Kew Gardens en 2007, Tate Britain en 2010 y Hatfield House en 2011. La fundación que él dotó continúa desempeñar un papel fundamental en la promoción del arte contemporáneo en el Reino Unido y en el extranjero a través de su programa de becas y exposiciones.

Colecciones

Fotografía de una gran escultura abstracta de bronce, frente a un edificio de vidrio y hormigón.
Three Way Piece No. 2 (The Archer), (1964–65) se exhibe frente al Ayuntamiento de Toronto en Nathan Phillips Square desde 1966.

Inglaterra

La colección más grande del mundo de la obra de Moore está abierta al público y se encuentra en la casa y los terrenos de la finca de 60 acres, que fue el hogar de Moore durante 40 años, en Perry Green en Hertfordshire. El sitio y la colección ahora son propiedad de la Fundación Henry Moore .

En diciembre de 2005, unos ladrones entraron en un patio de la Fundación Henry Moore y robaron un molde de la Figura reclinada 1969-70 de Moore (LH 608), una escultura de bronce de 3,6 metros de largo y 2,1 toneladas. Imágenes de circuito cerrado de televisión mostraron que usaron una grúa para bajar la pieza a un camión de plataforma robado. La Fundación ofreció una recompensa sustancial por la información que condujera a su recuperación. En mayo de 2009, después de una investigación exhaustiva, los funcionarios británicos dijeron que creen que el trabajo, una vez valorado en £ 3 millones, probablemente se vendió como chatarra , por alrededor de £ 5,000. En julio de 2012, el reloj de sol de bronce de 22 pulgadas (56 cm) de 1965 , valorado en 500.000 libras esterlinas, fue robado de la Fundación Moore. Más tarde, ese mismo año, tras la publicidad de los detalles del robo en el programa de televisión BBC Crimewatch , se recuperó la obra y los ladrones fueron condenados a doce meses de custodia.

Moore presentó 36 esculturas, así como dibujos, maquetas y otras obras a la Tate Gallery en 1978.

Toronto

El Centro de Escultura Henry Moore en la Galería de Arte de Ontario , Toronto, abrió sus puertas en 1974. Comprende la colección pública más grande del mundo de la obra de Moore, la mayor parte donada por él entre 1971 y 1974. La pieza número 2 de tres vías de Moore (The Archer ) también se exhibe en Nathan Phillips Square en el Ayuntamiento de Toronto desde 1966.

Reconocimiento

Busto heroico, Henry Moore de Alexander Stoddart 1992

En 1948, Moore ganó el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia . Rechazó un título de caballero en 1951 porque sintió que el otorgamiento conduciría a una percepción de él como una figura del establecimiento y que "tal título podría tender a separarme de otros artistas cuyo trabajo tiene objetivos similares al mío". Sin embargo, fue galardonado con el Compañero de Honor en 1955, la Orden al Mérito en 1963 y el Premio Erasmus en 1968.

Fue administrador de la National Gallery y la Tate Gallery . Su propuesta de que un ala de este último se dedicara a sus esculturas despertó hostilidad entre algunos artistas. En 1975, se convirtió en el primer presidente de la Turner Society, que se había fundado para hacer campaña a favor de un museo separado en el que pudiera reunirse todo el Turner Bequest, un objetivo derrotado por la National Gallery y la Tate Gallery.

Concedida a la ciudad de Londres por Moore y la Sociedad de Arte Contemporáneo en 1967, Knife Edge Two Piece 1962–65 se exhibe en Abingdon Street Gardens , frente a las Casas del Parlamento , donde su aparición regular en el fondo de los informes de noticias televisados ​​de Westminster hace es la pieza más destacada de Moore en Gran Bretaña. La propiedad de Knife Edge Two Piece 1962–65 fue disputada hasta su adquisición en 2011 por Parliamentary Art Collection.

Mercado del arte

Al final de su carrera, Moore era el artista vivo más exitoso del mundo en una subasta. En 1982, cuatro años antes de su muerte, Sotheby's en Nueva York vendió una figura reclinada de 6 pies (1945), por $ 1.2 millones al coleccionista Wendell Cherry. Aunque en 1990 se estableció un primer récord de 4,1 millones de dólares, el mercado de Moore se desplomó durante la recesión que siguió. En 2012, su bronce de dos metros y medio, Reclining Figure: Festival (1951) se vendió por un récord de £ 19,1 millones en Christie's , convirtiéndolo en el segundo artista británico más caro del siglo XX después de Francis Bacon .

Galería

Referencias

Trabajos citados

Otras lecturas

  • Darracott, J. (1975). Dibujos de guerra de Henry Moore .
  • Feldman, Anita (2009). Henry Moore Textiles . Surrey: Lund Humphries. ISBN 978-1-84822-052-2.
  • Feldman, Anita (2013). Henry Moore: Large Late Forms . Londres: Gagosian.
  • Feldman, Anita (2014). Body & Void: Ecos de Moore en el arte contemporáneo . Perry Green: La Fundación Henry Moore. ISBN 978-0-906909-32-4.
  • Feldman, Anita; Pinet, Hélène; Moore, Mary; Blanchetière, François (2013). Moore Rodin . Perry Green: La Fundación Henry Moore. ISBN 978-0-906909-31-7.
  • Feldman, Anita; Woodward, Malcolm (2011). Henry Moore Yesos . Londres: Real Academia de las Artes. ISBN 978-1-907533-11-2.
  • Hedgecoe, John (1998). Una visión monumental: la escultura de Henry Moore . Collins y Brown. ISBN 1-55670-683-9.
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  • Sylvester, David (1968). Henry Moore . Londres: Consejo de las Artes de Gran Bretaña.
  • Henry Moore: en la galería de imágenes de Dulwich . Scala. 2004. ISBN 1-85759-352-9.

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