Libro de historietas - Comic book

Libros de historietas en exhibición en un museo, que muestran cómo se habrían exhibido en una tienda de la estación de tren en la primera mitad del siglo XX.
Un formato de portada de cómic común muestra el número de edición, la fecha, el precio y el editor junto con una ilustración y una copia de la portada que puede incluir el título de una historia.

Un cómic , también llamado cómic , revista de cómics o (en el Reino Unido e Irlanda) simplemente cómic , es una publicación que consiste en el arte del cómic en forma de paneles secuenciales yuxtapuestos que representan escenas individuales. Los paneles suelen ir acompañados de prosa descriptiva y narrativa escrita, por lo general, diálogos contenidos en globos de palabras emblemáticos de la forma de arte del cómic. Aunque los cómics tienen algunos orígenes en el Japón del siglo XVIII , los cómics se popularizaron por primera vez en los Estados Unidos y el Reino Unido durante la década de 1930. El primer cómic moderno, Famous Funnies , se lanzó en los EE. UU. En 1933 y fue una reimpresión de las historietas de humor de los periódicos anteriores , que habían establecido muchos de los dispositivos de narración de historias utilizados en los cómics. El término cómic deriva de los cómics estadounidenses que alguna vez fueron una compilación de tiras cómicas de tono humorístico; sin embargo, esta práctica fue reemplazada por historias de todos los géneros, generalmente sin tono humorístico.

El mercado de cómics más grande es Japón. En 1995, el mercado del manga en Japón estaba valorado en ¥ 586.4 mil millones ( $ 6-7 mil millones ), con ventas anuales de 1.9  mil millones de libros de manga ( volúmenes de tankōbon y revistas de manga ) en Japón, equivalente a 15  números por persona. El mercado de cómics en los Estados Unidos y Canadá se valoró en $ 1.09 mil millones en 2016. A partir de 2017, el editor de cómics más grande de los Estados Unidos es el distribuidor de manga Viz Media , seguido de DC Comics y Marvel Comics . Las categorías de cómics más vendidas en los EE. UU. A partir de 2019 son ficción infantil juvenil con un 41%, manga con un 28% y cómics de superhéroes con un 10% del mercado. Otro mercado importante de los cómics es Francia , donde los cómics franco-belgas y el manga japonés representan cada uno el 40% del mercado, seguidos por los cómics estadounidenses con una cuota de mercado del 10%.

Estructura

Los cómics dependen de su organización y apariencia. Los autores se centran principalmente en el marco de la página, el tamaño, la orientación y las posiciones del panel. Estos aspectos característicos de los cómics son necesarios para transmitir el contenido y los mensajes del autor. Los elementos clave de los cómics incluyen paneles, globos (bocadillos), texto (líneas) y personajes. Los globos suelen ser contenedores espaciales convexos de información que están relacionados con un personaje que utiliza un elemento de cola . La cola tiene un origen, un camino, una punta y una dirección puntiaguda. Las tareas clave en la creación de cómics son escribir, dibujar y colorear. Hay muchas fórmulas tecnológicas que se utilizan para crear cómics, incluidas direcciones, ejes, datos y métricas. Siguiendo estos procedimientos clave de formato está la escritura, el dibujo y el color.

Cómics americanos

Los cómics como medio de impresión han existido en los Estados Unidos desde la impresión de Las aventuras del Sr. Obadiah Oldbuck en 1842 en tapa dura, lo que lo convierte en el primer prototipo de cómic estadounidense conocido. Las publicaciones periódicas de proto-cómics comenzaron a aparecer a principios del siglo XX, y el primer cómic de tamaño estándar fue Funnies on Parade. Funnies on Parades fue el primer libro que estableció el tamaño, la duración y el formato del cómic moderno. A continuación, se presentó Famous Funnies: A Carnival of Comics de 36 páginas de Dell Publishing como el primer cómic estadounidense de quiosco de periódicos; Goulart, por ejemplo, lo llama "la piedra angular de una de las ramas más lucrativas de la publicación de revistas". En 1905, GW Dillingham Company publicó 24 tiras selectas del dibujante Gustave Verbeek en un libro de antología titulado "Los increíbles altibajos de la pequeña Lady Lovekins y el viejo Muffaroo". La introducción de Jerry Siegel y Joe Shuster 's Superman en 1938 volvió cómics en una industria importante y marcó el comienzo de la Edad de Oro de los cómics . La Edad de Oro originó el arquetipo del superhéroe . Según el historiador Michael A. Amundson , los personajes atractivos de los cómics ayudaron a aliviar el miedo de los lectores jóvenes a la guerra nuclear y a neutralizar la ansiedad sobre las preguntas planteadas por la energía atómica.

Los historiadores generalmente dividen la línea de tiempo del cómic estadounidense en eras. La Edad de Oro de los cómics comenzó en la década de 1930, lo que generalmente se considera el comienzo del cómic como se lo conoce hoy. La Edad de Plata de los cómics en general se considera que la fecha de la primera reactivación exitosa de la forma de superhéroes entonces latente, con el debut del flash en el escaparate # 4 (octubre de 1956). La edad de plata duró hasta finales de 1960 o principios de 1970, tiempo durante el cual Marvel Comics revolucionado el medio con dichos naturalistas superhéroes como Stan Lee y Jack Kirby 's cuatro fantásticos y Lee y Steve Ditko ' s Hombre Araña . La demarcación entre la Edad de Plata y la siguiente era, la Edad de Bronce de los cómics , está menos definida, ya que la Edad del Bronce se extiende desde principios de la década de 1970 hasta mediados de la de 1980. La era moderna de los cómics se extiende desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.

Un evento notable en la historia del cómic estadounidense llegó con las críticas del psiquiatra Fredric Wertham al medio en su libro Seduction of the Innocent (1954), lo que llevó al Subcomité del Senado de Estados Unidos sobre Delincuencia Juvenil a investigar los cómics. Wertham afirmó que los cómics eran responsables de un aumento de la delincuencia juvenil, así como de la posible influencia en la sexualidad y la moral de un niño. En respuesta a la atención del gobierno y de los medios de comunicación, la industria del cómic de EE. UU. Creó la Comics Magazine Association of America. La CMAA inculcó la Autoridad del Código de Cómics en 1954 y ese año redactó el Código de Cómics de autocensura, que requería que todos los cómics pasaran por un proceso de aprobación. No fue hasta la década de 1970 que se pudieron publicar cómics sin pasar por la inspección de la CMAA. El Código se extinguió formalmente en noviembre de 2011.

Libros de historietas subterráneos

A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, surgió una oleada de creatividad en lo que se conoció como cómics clandestinos . Publicado y distribuido independientemente de la industria de los cómics establecida, la mayoría de esos cómics reflejaban la contracultura juvenil y la cultura de las drogas de la época. Underground comix "reflexionó y comentó sobre las divisiones y tensiones sociales de la sociedad estadounidense". Muchos tenían un estilo desinhibido, a menudo irreverente; sus francas descripciones de desnudez, sexo, blasfemias y política no tenían paralelo fuera de sus precursores, las pornográficas y aún más oscuras " Biblias de Tijuana ". Los cómics clandestinos casi nunca se vendieron en los quioscos, sino más bien en puntos de venta orientados a los jóvenes, como tiendas de artículos para la cabeza y tiendas de discos, así como por correo . Los cómics clandestinos alentaron a los creadores a publicar su trabajo de forma independiente para que tuvieran todos los derechos de propiedad sobre sus personajes.

Frank Stack 's las aventuras de Jesús , publicado bajo el nombre Foolbert Sturgeon, se ha acreditado como el primer cómic underground; mientras que R. Crumb y el equipo de dibujantes que trabajaron en Zap Comix popularizaron la forma.

Cómics alternativos

El auge de las tiendas especializadas en cómics a finales de la década de 1970 creó un mercado dedicado a los cómics " independientes" o " alternativos " en Estados Unidos. El primero de estos cómics incluyen la serie de antología de la estrella Alcance , publicado por el escritor de cómics Mike Friedrich 1974-1979, y Harvey Pekar 's American Splendor , que continuó la publicación esporádica en el siglo 21, y que Shari Springer Berman y Robert Pulcini adaptado en una Película de 2003 . Algunos cómics independientes continuaron con la tradición de los cómics clandestinos. Si bien su contenido en general permaneció menos explícito, otros se parecían a la producción de los principales editores en formato y género, pero fueron publicados por compañías más pequeñas propiedad de artistas o por artistas individuales. Algunos (notablemente RAW ) representaron intentos experimentales de acercar los cómics al estado de las bellas artes .

Durante la década de 1970, la cultura de la " pequeña prensa " creció y se diversificó. En la década de 1980, varias editoriales independientes, como Pacific , Eclipse , First , Comico y Fantagraphics , habían comenzado a lanzar una amplia gama de estilos y formatos, desde cómics de superhéroes en color, detectives y de ciencia ficción hasta cómics en blanco y negro. historias con formato de revista blancas de América Latina realismo mágico .

Varias editoriales pequeñas en la década de 1990 cambiaron el formato y la distribución de sus cómics para parecerse más a las publicaciones que no son cómics. La forma " minicomics ", una versión extremadamente informal de la autoedición , surgió en la década de 1980 y se hizo cada vez más popular entre los artistas en la década de 1990, a pesar de llegar a una audiencia aún más limitada que la pequeña prensa.

Los pequeños editores que lanzan títulos con regularidad incluyen Avatar Comics , Hyperwerks , Raytoons y Terminal Press , impulsados ​​por avances en la tecnología de impresión como la impresión digital bajo demanda .

Novelas gráficas

Los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades publicaron esta novela gráfica instructiva en 2018 para evitar que los jóvenes propaguen enfermedades infecciosas.

En 1964, Richard Kyle acuñó el término "novela gráfica". Los precursores de la forma existieron en la década de 1920, que vio un renacimiento de la tradición medieval del grabado en madera por el belga Frans Masereel , el estadounidense Lynd Ward y otros, incluido Stan Lee. En 1950, St. John Publications produjo la "novela ilustrada" orientada a adultos, del tamaño de un resumen , It Rhymes with Lust , un resumen de 128 páginas del escritor seudónimo "Drake Waller" ( Arnold Drake y Leslie Waller ), el dibujante Matt Baker y el entintador. Ray Osrin , promocionado como "una novela original de larga duración" en su portada. En 1971, el escritor y artista Gil Kane y sus colaboradores idearon la "novela de cómics" Blackmark . Will Eisner popularizó el término "novela gráfica" cuando lo utilizó en la portada de la edición de bolsillo de su obra Un contrato con Dios y otras historias de vivienda en 1978.

Cómics digitales

Tamaño de mercado

En 2017, el tamaño del mercado de cómics para América del Norte fue de poco más de $ 1 mil millones con ventas digitales planas, librerías con una disminución del 1 por ciento y tiendas de cómics con una disminución del 10 por ciento con respecto a 2016.

Recolección de cómics

La década de 1970 vio el advenimiento de las tiendas especializadas de cómics . Inicialmente, los editores comercializaban las historietas para los niños porque las historietas se percibían como entretenimiento para niños. Sin embargo, con el creciente reconocimiento de los cómics como una forma de arte y la creciente presencia de las convenciones de los cómics en la cultura pop , ahora son adoptados por muchos adultos.

Los coleccionistas de cómics suelen ser entusiastas de las historias de los cómics durante toda su vida y, por lo general, se centran en héroes particulares e intentan reunir toda la serie de un título. Los cómics se publican con un número secuencial. El primer número de una serie de cómics de larga duración suele ser el más raro y el más deseable para los coleccionistas. Sin embargo, la primera aparición de un personaje específico puede ser en un título preexistente. Por ejemplo, la primera aparición de Spider-Man fue en Amazing Fantasy # 15. Los nuevos personajes a menudo se presentaban de esta manera y no recibían sus propios títulos hasta que había una audiencia probada para el héroe. Como resultado, los cómics que presentan la primera aparición de un personaje importante a veces serán incluso más difíciles de encontrar que el primer número del título de un personaje.

Algunas historietas raras incluyen copias del inédito Motion Picture Funnies Weekly # 1 de 1939. Ocho copias, más una sin cubierta, aparecieron en el patrimonio de la editorial fallecida en 1974. La "Copia de pago" de este libro se vendió por $ 43,125 en una subasta del patrimonio de 2005 .

Los cómics estadounidenses más valiosos han combinado rareza y calidad con las primeras apariciones de personajes populares y perdurables. Cuatro cómics se vendieron por más de 1 millón de dólares en diciembre de 2010, incluidos dos ejemplos de Action Comics # 1, la primera aparición de Superman , ambos vendidos de forma privada a través del distribuidor en línea ComicConnect.com en 2010, y Detective Comics # 27, el primero aparición de Batman , vía subasta pública.

Actualizando el precio anterior obtenido para Action Comics # 1, la primera aparición de Superman , la venta más alta registrada para este libro es de $ 3.2 millones, por una copia de 9.0.

Los errores de imprenta, las impresiones promocionales de incentivos de los distribuidores de cómics y los problemas con una distribución extremadamente baja también suelen tener un valor de escasez. Los cómics modernos más raros incluyen la tirada de prensa original de The League of Extraordinary Gentlemen # 5, que el ejecutivo de DC Paul Levitz recordó y eliminó debido a la aparición de un anuncio de época victoriana de "Marvel Douche ", que el editor consideró ofensivo; sólo existen 100 copias, la mayoría de las cuales han sido calificadas por CGC . (Ver cómics retirados del mercado para ver cómics más despulpados, retirados del mercado y erróneos).

En 2000, una empresa llamada Comics Guaranty (CGC) comenzó a "planchar" cómics, encerrándolos en plástico grueso y dándoles una calificación numérica. Desde entonces, han surgido otras empresas de clasificación. Debido a que la condición es importante para el valor de las historietas raras, la idea de que una empresa que no compra ni vende historietas la califique parece una buena idea. Sin embargo, existe cierta controversia sobre si este servicio de clasificación vale la pena el alto costo, y si es un desarrollo positivo para los coleccionistas, o si principalmente atiende a los especuladores que desean obtener una ganancia rápida comerciando con cómics como se podría comerciar con acciones o arte fino. La calificación de cómics ha creado estándares de valoración que las guías de precios en línea como GoCollect y GPAnalysis han utilizado para informar sobre los valores de mercado en tiempo real.

También se recopilan las páginas de ilustraciones originales de los cómics, y estas son quizás las más raras de todos los artículos de colección de cómics, ya que solo hay una página única de ilustraciones para cada página que se imprimió y publicó. Estos fueron creados por un escritor, quien creó la historia; un dibujante a lápiz, que dispuso los paneles secuenciales en la página; un pintor de tintas, que repasaba el lápiz con pluma y tinta negra; un letterer, quien proporcionó el diálogo y la narración de la historia escribiendo a mano cada palabra; y finalmente un colorista, quien agregó color como último paso antes de que las páginas terminadas fueran a la impresora.

Cuando el impresor devuelve las páginas originales de la obra de arte, normalmente se las devuelve a los artistas, que a veces las venden en convenciones de cómics o en galerías y exposiciones de arte relacionadas con el arte de los cómics. Las páginas originales de las primeras apariciones de personajes tan legendarios como Superman, Batman, Wonder Woman y Spider-Man se consideran invaluables.

Historia de la raza en los cómics de EE. UU.

Muchas de las primeras iteraciones de personajes negros en los cómics "se convirtieron en variaciones de la 'imagen estereotipada única de Sambo'". Sambo estaba estrechamente relacionado con el estereotipo del mapache, pero tenía algunas diferencias sutiles. Ambos son una forma despectiva de retratar personajes negros. "El nombre en sí, una abreviatura de mapache, es deshumanizante. Al igual que con Sambo, el mapache fue retratado como un bufón perezoso, fácilmente asustado, crónicamente inactivo, inarticulado". Esta descripción "fue, por supuesto, otro intento de solidificar la inferioridad intelectual de la raza negra a través de la cultura popular". Sin embargo, en la década de 1940 hubo un cambio en la representación de los personajes negros. "Una mirada superficial ... podría dar la impresión de que las situaciones han mejorado para los afroamericanos en los cómics". En muchos cómics que se produjeron en este momento, hubo un gran impulso por la tolerancia entre razas. "Estos héroes con mentalidad de igualdad comenzaron a ponerse en acción justo cuando se les pedía a los afroamericanos que participaran en el esfuerzo de guerra".

Durante este tiempo, un programa dirigido por el gobierno, el Writers 'War Board, se involucró mucho en lo que se publicaría en los cómics. "La Junta de Escritores de Guerra usó historietas para dar forma a las percepciones populares de raza y etnia ..." No solo usaban las historietas como un medio para reclutar a todos los estadounidenses, sino que también las usaban como propaganda para ", [construir] un justificación del odio racial hacia los enemigos extranjeros de Estados Unidos ". La Junta de Escritores de Guerra creó libros de historietas que estaban destinados a "[promover] la armonía racial doméstica". Sin embargo, "estas narrativas a favor de la tolerancia lucharon por superar los tropos negativos populares y ampliamente entendidos utilizados durante décadas en la cultura de masas estadounidense ..." Sin embargo, no estaban logrando esta agenda en todos sus cómics.

En Captain Marvel Adventures, un personaje llamado Steamboat fue una fusión de algunos de los peores estereotipos de la época. El Writers 'War Board no pidió ningún cambio con este personaje. "La eliminación de Steamboat requirió los esfuerzos decididos de un grupo de jóvenes negros en la ciudad de Nueva York". Originalmente, su solicitud fue rechazada por personas que trabajaban en el cómic y dijeron: " Captain Marvel Adventures incluía muchos tipos de caricaturas 'por el bien del humor'". El grupo de jóvenes negros respondió con "esta no es la raza negra, pero sus millones y medio de lectores lo pensarán así". Posteriormente, Steamboat desapareció de los cómics todos juntos. Se creó un cómic sobre el escuadrón 99, también conocido como Tuskegee Airmen, una unidad de la fuerza aérea totalmente negra. En lugar de hacer el cómic sobre su historia, el cómic era sobre Hop Harrigan. Un piloto blanco que captura a un nazi, le muestra videos del escuadrón 99 derrotando a su hombre y luego le revela al nazi que sus hombres fueron derrotados por afroamericanos, lo que lo enfureció ya que los ve como una raza menos superior y no puede creer que superó a sus hombres "... [Los] aviadores de Tuskegee, y las imágenes de aviadores negros aparecen en sólo tres de los cincuenta y tres paneles ... [los] pilotos del escuadrón 99 no tienen diálogo e interactúan ni con Hop Harrigan ni con su Cautivo nazi ". Durante este tiempo, también utilizaron personajes negros en los cómics como un medio para invalidar a los grupos negros militantes que luchaban por la igualdad dentro de Estados Unidos. "Spider-Man 'dejó en claro que el poder negro militante no era el remedio para la injusticia racial'". "El Halcón criticó abiertamente el comportamiento de los negros diciendo 'tal vez sea importante para nosotros enfriar las cosas, para que podamos proteger los derechos por los que hemos estado luchando'". Esta pobre representación y desarrollo del carácter de los personajes negros puede atribuirse en parte al hecho de que, durante este tiempo, "rara vez se había permitido un artista o escritor negro en una importante compañía de cómics".

Los personajes asiáticos se enfrentaron al mismo trato en los cómics que los personajes negros. Fueron deshumanizados y la narrativa que se difundió fue que eran "incompetentes y subhumanos". "Un número de 1944 de la Infantería de Marina de los Estados Unidos incluía una narración titulada" El olor de los hombres mono ... la historia muestra a los soldados japoneses como brutos simiescos cuyo olor corporal repugnante delata sus lugares ocultos ". Los caracteres chinos recibieron el mismo trato". Cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial, las percepciones negativas del chino eran una parte establecida de la cultura de masas ... "Sin embargo, preocupados de que los japoneses pudieran usar el material anti-chino de Estados Unidos como propaganda, comenzaron" a presentar una imagen más positiva de los aliados chinos de Estados Unidos. .. "Así como intentaron mostrar una mejor representación de los negros en los cómics, hicieron lo mismo con los asiáticos. Sin embargo," los personajes japoneses y filipinos [eran] visualmente indistinguibles. Ambos grupos tienen colmillos grotescos, ropa hecha jirones y piel de color amarillo brillante. "" Los editores ... representaron a los aliados asiáticos de Estados Unidos a través de imágenes despectivas y un lenguaje perfeccionado durante las décadas anteriores. "Los personajes asiáticos fueron previamente retratados como" demonios amarillos espantosos ". La Segunda Guerra Mundial, "[cada] superhéroe importante que valía su spandex se dedicó a la erradicación de los invasores asiáticos". Hubo "una carrera de relevos constante en la que una cultura asiática simplemente entregó la batuta del odio a otra sin cambios perceptibles en la forma en que que los personajes serían retratados ".

"La única descripción específica de un superhéroe hispano no terminó bien. En 1975, Marvel nos dio a Héctor Ayala, también conocido como El Tigre Blanco". "Aunque luchó durante varios años junto a héroes mucho más populares como Spider-Man y Daredevil, solo duró seis años antes de que las ventas de cómics con él empeoraran tanto que Marvel lo obligó a retirarse. El personaje hispano más famoso es Bane , un villano de Batman.

La representación de los nativos americanos en las historietas "se puede resumir en el estereotipo de noble salvaje", "un tema recurrente ... urgió a los indios americanos a abandonar su tradicional hostilidad hacia los Estados Unidos. Ellos fueron los que fueron pintados como intolerantes e irrespetuosos de las preocupaciones dominantes de la América blanca "

Cómics de Asia oriental

Manga japonesa

Manga (漫画) son libros de historietas o novelas gráficas originarios de Japón. La mayoría del manga se ajusta a un estilo desarrollado en Japón a finales del siglo XIX, aunque la forma de arte tiene una larga prehistoria en el arte japonés anterior . El término manga se usa en Japón para referirse tanto a los cómics como a los dibujos animados . Fuera de Japón, la palabra se usa típicamente para referirse a los cómics publicados originalmente en el país.

Dōjinshi

Dōjinshi (同人 誌, revista para fanáticos ) , cómics japoneses hechos por fanáticos , operan en un mercado mucho más grande en Japón que el mercado estadounidense de "cómics clandestinos"; la feria dōjinshi más grande, Comiket , atrae a 500.000 visitantes dos veces al año.

Manhwa coreano

El manhwa coreano ha ganado popularidad rápidamente fuera de Corea en los últimos tiempos como resultado de la Ola Coreana . La industria del manhwa ha sufrido dos colapsos y una estricta censura desde sus inicios como resultado de la ocupación japonesa de la península que frena el crecimiento de la industria, pero ahora ha comenzado a florecer gracias en parte a Internet y a las nuevas formas de leer el manhwa. ya sea en computadoras o teléfonos inteligentes. En el pasado, el manhwa se comercializaba como manga fuera del país para asegurarse de que se vendiera bien, pero ahora eso ya no es necesario ya que ahora más personas conocen mejor la industria y la cultura coreana.

Webtoons

Los webtoons se han vuelto populares en Corea del Sur como una nueva forma de leer cómics. Gracias en parte a las diferentes reglas de censura, el color y los efectos visuales únicos, y la optimización para facilitar la lectura en teléfonos inteligentes y computadoras. Más manhwa han hecho el cambio de los manhwa impresos tradicionales a los webtoons en línea gracias a un mejor pago y más libertad que los manhwa impresos tradicionales. El formato de webtoon también se ha expandido a otros países fuera de Corea como China, Japón, el sudeste asiático y países occidentales. Los principales distribuidores de webtoon incluyen Lezhin , Naver y Kakao .

Manhua chino

Truyện tranh vietnamita

Cómics europeos

Cómics franco-belgas

René Goscinny (1926-1977), escritor de la serie de cómics Astérix .

Francia y Bélgica tienen una larga tradición en los cómics y los cómics, llamados BD (una abreviatura de bande dessinées ) en francés y tiras en holandés . Los cómics belgas escritos originalmente en holandés muestran la influencia de los cómics francófonos "franco-belgas", pero tienen su propio estilo distintivo.

El nombre bande dessinée deriva de la descripción original de la forma de arte como tiras dibujadas (la frase se traduce literalmente como "la tira dibujada"), análoga a la secuencia de imágenes en una tira de película. Como en su equivalente en inglés, la palabra "bande" se puede aplicar tanto a películas como a cómics. Es significativo que el término en francés no contenga ninguna indicación del tema, a diferencia de los términos estadounidenses "comics" y "funnies", que implican una forma de arte que no debe tomarse en serio. La distinción del cómic como arte le neuvième (literalmente, "el noveno arte") prevalece en la erudición francesa sobre la forma, al igual que el concepto de crítica y erudición del cómic en sí mismo. En relación con el tamaño respectivo de sus poblaciones, los innumerables autores de Francia y Bélgica publican un gran volumen de cómics. En América del Norte, los cómics franco-belgas más serios a menudo se consideran equivalentes a las novelas gráficas, pero ya sean largos o cortos, encuadernados o en formato de revista, en Europa no hay necesidad de un término más sofisticado, como el nombre del arte. no implica en sí mismo algo frívolo.

En Francia, los autores controlan la publicación de la mayoría de los cómics. El autor trabaja dentro de un marco de tiempo autoestablecido, y es común que los lectores esperen seis meses o hasta dos años entre entregas. La mayoría de los libros aparecen por primera vez impresos como un libro de tapa dura, por lo general con 48, 56 o 64 páginas.

Cómics británicos

Sobre hasta la edición del 27 de diciembre de 1884 de Half Holiday de Ally Sloper . Ally Sloper es considerado el primer personaje recurrente en los cómics.

Aunque Half Holiday (1884) de Ally Sloper estaba dirigida a un mercado de adultos, los editores se dirigieron rápidamente a un grupo demográfico más joven, lo que ha llevado a que la mayoría de las publicaciones sean para niños y ha creado una asociación en la mente del público de los cómics como algo juvenil. The Guardian se refiere a Ally Sloper como "uno de los primeros personajes de dibujos animados icónicos del mundo", y "tan famoso en la Gran Bretaña victoriana como Dennis the Menace lo sería un siglo después". Los cómics británicos de principios del siglo XX generalmente evolucionaron a partir de penny espantosos ilustrados de la era victoriana (con Sweeney Todd , Dick Turpin y Varney the Vampire ). Publicado por primera vez en la década de 1830, Penny Dreadfuls fue "la primera muestra británica de cultura popular producida en masa para los jóvenes".

Estatua de Minnie the Minx , un personaje de The Beano , en Dundee, Escocia. Lanzado en 1938, The Beano es conocido por su humor anárquico, con Dennis the Menace apareciendo en la portada.

Los dos cómics británicos más populares, The Beano y The Dandy , fueron publicados por primera vez por DC Thomson en la década de 1930. En 1950, la circulación semanal de ambos alcanzó los dos millones. Al explicar la enorme popularidad de los cómics en el Reino Unido durante este período, Anita O'Brien, directora curadora del Cartoon Museum de Londres, afirma: "Cuando los cómics como Beano y Dandy se inventaron en la década de 1930, y realmente hasta las décadas de 1950 y 1960. - estos cómics eran casi el único entretenimiento disponible para los niños ". Dennis the Menace se creó en la década de 1950, cuando las ventas de The Beano se dispararon. Aparece en la portada de The Beano , y la BBC se refiere a él como el "niño travieso definitivo del mundo del cómic".

En 1954, los cómics de Tiger presentaron Roy of the Rovers , la popular tira basada en el fútbol que relata la vida de Roy Race y el equipo en el que jugaba, Melchester Rovers . Los escritores, comentaristas y fanáticos de fútbol suelen utilizar la frase "material real de Roy of the Rovers" en los medios de comunicación al describir demostraciones de gran habilidad o resultados sorprendentes que van en contra de las probabilidades, en referencia a las historias dramáticas que fueron de la tira. marca comercial. También florecieron otros cómics como Eagle , Valiant , Warrior , Viz y 2000 AD . Algunos cómics, como Judge Dredd y otros títulos de 2000 AD , se han publicado en forma de tabloide . También han aparecido en el Reino Unido cómics clandestinos y títulos de "pequeña prensa" , en particular Oz y Escape Magazine .

El contenido de Action , otro título dirigido a los niños y lanzado a mediados de la década de 1970, se convirtió en tema de discusión en la Cámara de los Comunes . Aunque en una escala menor que investigaciones similares en los EE. UU., Tales preocupaciones llevaron a una moderación del contenido publicado en los cómics británicos. Tal moderación nunca llegó a formalizarse hasta el punto de promulgar un código, ni duró mucho. El Reino Unido también ha establecido un mercado saludable en la reimpresión y reenvasado de material, en particular material originario de EE. UU. La falta de suministros confiables de cómics estadounidenses dio lugar a una variedad de reimpresiones en blanco y negro, incluidos los cómics de monstruos de Marvel de la década de 1950, el Capitán Marvel de Fawcett y otros personajes como Sheena , Mandrake the Magician y The Phantom . Varias empresas de reimpresión se involucraron en el reempaquetado de material estadounidense para el mercado británico, en particular el importador y distribuidor Thorpe & Porter . Marvel Comics estableció una oficina en el Reino Unido en 1972. DC Comics y Dark Horse Comics también abrieron oficinas en la década de 1990. El reenvasado de material europeo se ha producido con menos frecuencia, aunque las series de Las aventuras de Tintin y Asterix se han traducido y reenvasado con éxito en libros de tapa blanda. El número de cómics europeos disponibles en el Reino Unido ha aumentado en las últimas dos décadas. La compañía británica Cinebook , fundada en 2005, ha lanzado versiones traducidas al inglés de muchas series europeas.

En la década de 1980, un resurgimiento de escritores y artistas británicos ganó prominencia en los cómics convencionales, que se denominó la " invasión británica " en la historia del cómic. Estos escritores y artistas trajeron consigo sus propios temas maduros y filosofía como la anarquía, la controversia y la política común en los medios británicos. Estos elementos allanarían el camino para los cómics maduros y "más oscuros y vanguardistas" y darían un impulso a la era moderna de los cómics . Los escritores incluyeron a Alan Moore , famoso por su V de Vendetta , From Hell , Watchmen , Marvelman y The League of Extraordinary Gentlemen ; Neil Gaiman con The Sandman mythos y Books of Magic ; Warren Ellis , creador de Transmetropolitan y Planetary ; y otros como Mark Millar , creador de Wanted y Kick-Ass . La serie de cómics John Constantine, Hellblazer , que se desarrolla en gran parte en Gran Bretaña y protagonizada por el mago John Constantine , allanó el camino para escritores británicos como Jamie Delano .

En Navidad, los editores vuelven a empaquetar y encargan material para revistas anuales de historietas , impresas y encuadernadas como libros de tapa dura tamaño A4 ; "Rupert" proporciona un ejemplo famoso de la revista británica de historietas. DC Thomson también vuelve a empaquetar las tiras de The Broons y Oor Wullie en libros de tapa blanda tamaño A4 para la temporada navideña.

El 19 de marzo de 2012, el servicio postal británico, Royal Mail , lanzó una serie de sellos que representan personajes y series de cómics británicos. La colección contó con The Beano , The Dandy , Eagle , The Topper , Roy of the Rovers , Bunty , Buster , Valiant , Twinkle y 2000 AD .

Historietas españolas

Se ha dicho que el siglo 13 Cantigas de Santa María podría ser considerado como el primer español "cómico", a pesar de los cómics (también conocido en España como historietas o tebeos ) hicieron su debut en torno a 1857. La revista TBO fue influyente en la popularización de la medio. Tras la Guerra Civil española , el franquismo impuso una estricta censura en todos los medios: se prohibieron los cómics de superhéroes y como resultado, los héroes del cómic se basaron en la ficción histórica (en 1944 fue creado el héroe medieval El Guerrero del Antifaz por Manuel Gago y otro popular héroe medieval, Capitán Trueno , fue creado en 1956 por Víctor Mora y Miguel Ambrosio Zaragoza ). Dos editoriales, Editorial Bruguera y Editorial Valenciana , dominaron el mercado del cómic español durante su época dorada (1950-1970). Los cómicos más populares mostraron un estilo reconocible de humor slapstick (influenciado por autores franco-belgas como Franquin ): Escobar 's Carpanta y Zipi y Zape , Vázquez ' s Las hermanas Gilda y Anacleto , Ibáñez 's Mortadelo y Filemón y 13. Rue del Percebe o Jan 's Superlópez . Tras el final del franquismo , aumentó el interés por el cómic para adultos con revistas como Totem , El Jueves , 1984 y El Víbora , y obras como Paracuellos de Carlos Giménez .

Los artistas españoles han trabajado tradicionalmente en otros mercados obteniendo un gran éxito, ya sea en el estadounidense (p. Ej., Los ganadores del Premio Eisner Sergio Aragonés , Salvador Larroca , Gabriel Hernández Walta , Marcos Martín o David Aja ), el británico (p. Ej., Carlos Ezquerra , co-creador del juez Dredd ) o el franco-belga (por ejemplo, el ganador de Fauve d'Or Julio Ribera o los autores de Blacksad Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido ).

Cómics italianos

Hugo Pratt (1927-1995), autor de la serie de cómics Corto Maltese .

En Italia , los cómics (conocidos en italiano como fumetti ) hicieron su debut como tiras de humor a finales del siglo XIX y luego evolucionaron hacia historias de aventuras. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, artistas como Hugo Pratt y Guido Crepax expusieron los cómics italianos a una audiencia internacional. Los cómics populares como Diabolik o la línea Bonelli , a saber, Tex Willer o Dylan Dog, siguen siendo los más vendidos.

Los cómics convencionales generalmente se publican mensualmente, en un formato de resumen en blanco y negro , con aproximadamente 100 a 132 páginas. También son habituales las colecciones de material clásico de los personajes más famosos, normalmente de más de 200 páginas. Los cómics de autor se publican en formato BD francés, siendo un ejemplo Corto Maltese de Pratt .

Los dibujantes italianos muestran la influencia de los cómics de otros países, incluidos Francia, Bélgica, España y Argentina . Italia también es famosa por ser uno de los principales productores de historietas de Walt Disney fuera de Estados Unidos; El alter ego de superhéroe de Donald Duck , Paperinik , conocido en inglés como Superduck, fue creado en Italia.

Cómics en otros países

Distribución

La distribución ha sido históricamente un problema para la industria del cómic, ya que muchos minoristas principales se niegan a tener grandes existencias de los cómics más interesantes y populares. El teléfono inteligente y la tableta se han convertido en un medio ideal para la distribución en línea.

Distribución digital

El 13 de noviembre de 2007, Marvel Comics lanzó Marvel Digital Comics Unlimited , un servicio de suscripción que permite a los lectores leer muchos cómics de la historia de Marvel en línea. El servicio también incluye la publicación periódica de nuevos cómics que no están disponibles en otros lugares. Con el lanzamiento de Avenging Spider-Man # 1, Marvel también se convirtió en el primer editor en proporcionar copias digitales gratuitas como parte de la copia impresa del cómic.

Con la creciente popularidad de los teléfonos inteligentes y las tabletas, muchas editoriales importantes han comenzado a lanzar títulos en formato digital. La plataforma más popular es comiXology . Algunas plataformas, como Graphicly , se han cerrado.

Colecciones de cómics en bibliotecas

Muchas bibliotecas tienen colecciones extensas de cómics en forma de novelas gráficas. Esta es una forma conveniente para que muchos en el público se familiaricen con el medio.

Records Mundiales Guinness

En 2015, el artista de manga japonés Eiichiro Oda fue galardonado con el título de Guinness World Records por tener la "mayoría de copias publicadas para la misma serie de cómics por un solo autor". Su serie de manga One Piece , que él escribe e ilustra, se ha publicado por entregas en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump desde diciembre de 1997, y en 2015, se habían publicado 77 volúmenes recopilados . Guinness World Records informó en su anuncio que los volúmenes recopilados de la serie habían vendido un total de 320,866,000 unidades. One Piece también tiene el título de Guinness World Records por "La mayoría de las copias publicadas para la misma serie de manga".

El 5 de agosto de 2018, se otorgó el título Guinness World Records por el "cómic más grande jamás publicado" al cómic brasileño Turma da Mônica - O Maior Gibi do Mundo! , publicado por Panini Comics Brasil y Mauricio de Sousa Produções . El cómic mide 69,9 cm por 99,8 cm (2 pies 3,51 pulgadas por 3 pies 3,29 pulgadas). El cómic de 18 páginas tuvo una tirada de 120 copias.

Con la publicación en julio de 2021 del volumen 201 recopilado de su serie de manga Golgo 13 , el artista de manga japonés Takao Saito recibió el título de Guinness World Records por "La mayoría de los volúmenes publicados para una sola serie de manga". Golgo 13 se ha serializado continuamente en la revista japonesa Big Comic desde octubre de 1968, lo que también lo convierte en el manga más antiguo aún en publicación.

Ver también

Referencias

Otras lecturas

enlaces externos