Revolución artística - Artistic revolution
A lo largo de la historia, las formas de arte han sufrido cambios abruptos periódicos llamados revoluciones artísticas . Los movimientos han llegado a su fin para ser reemplazados por un nuevo movimiento marcadamente diferente en formas sorprendentes. Ver también movimientos culturales .
Científico y tecnológico
No todas las revoluciones artísticas fueron políticas. A veces, la ciencia y las innovaciones tecnológicas han provocado transformaciones imprevistas en las obras de los artistas. La revolución estilística conocida como Impresionismo , por pintores deseosos de capturar con mayor precisión los colores cambiantes de la luz y la sombra, es inseparable de los descubrimientos e invenciones de mediados del siglo XIX en el que nació el estilo.
Eugene Chevreul , un químico francés contratado como director de tintes en una obra de tapices francesa, comenzó a investigar la naturaleza óptica del color para mejorar el color en las telas. Chevreul se dio cuenta de que era el ojo, y no el tinte, lo que tenía la mayor influencia en el color, y a partir de esto, revolucionó la teoría del color al comprender lo que se denominó la ley del contraste simultáneo: que los colores se influyen mutuamente cuando se yuxtaponen cada uno imponiendo su propio color complementario al otro. El pintor francés Eugène Delacroix, que había estado experimentando con lo que él llamaba tonos quebrados, abrazó el libro de Chevreul, "La ley del contraste del color (1839), con sus explicaciones de cómo los colores yuxtapuestos pueden realzarse o disminuirse entre sí, y su exploración de todos los Los colores visibles del espectro. Inspirado por el tratado de Chevreul de 1839, Delacroix transmitió su entusiasmo a los jóvenes artistas que se inspiraron en él. Fue Chevreul quien llevó a los impresionistas a comprender que debían aplicar pinceladas separadas de color puro a un lienzo y Permita que el ojo del espectador los combine ópticamente.
Fueron ayudados en gran medida por las innovaciones en la pintura al óleo. Desde el Renacimiento, los pintores tuvieron que moler pigmentos, agregar aceite y así crear sus propias pinturas; estas pinturas que consumen mucho tiempo también se secan rápidamente, lo que hace que la pintura de estudio sea una necesidad para obras grandes y limita a los pintores a mezclar uno o dos colores a la vez y rellenar un área completa usando solo ese color antes de que se seque. En 1841, un pintor estadounidense poco conocido llamado John G. Rand inventó una simple mejora sin la cual el movimiento impresionista no podría haber ocurrido: el pequeño tubo de estaño flexible con tapa removible en el que se podían almacenar pinturas al óleo. Las pinturas al óleo guardadas en tales tubos permanecieron húmedas y utilizables, y bastante portátiles. Por primera vez desde el Renacimiento, los pintores no quedaron atrapados por el período de tiempo de la rapidez con que se secaba la pintura al óleo.
Las pinturas en tubos se pueden cargar fácilmente y llevar al mundo real, para observar directamente el juego de colores y la luz natural, en la sombra y el movimiento, para pintar en el momento. La venta de la pintura al óleo en tubos también provocó la llegada de nuevos pigmentos deslumbrantes (amarillo cromo, azul de cadmio) inventados por químicos industriales del siglo XIX. Los tubos permitieron a los impresionistas pintar rápidamente y en todo un lienzo, en lugar de secciones de un solo color cuidadosamente delineadas a la vez; en resumen, dibujar directamente al óleo, corriendo por el lienzo en todos los colores que tenía a mano y, por lo tanto, inspirando su nombre de "impresionistas", ya que una pincelada tan rápida y audaz y toques de colores separados hicieron que los críticos contemporáneos pensaran que sus pinturas eran meras impresiones. , pinturas no terminadas, que no debían tener ninguna marca de pincel visible, sin costuras bajo capas de barniz.
Pierre-Auguste Renoir dijo: "Sin colores en los tubos, no habría Cézanne, Monet, Pissarro ni Impresionismo".
Por último, las cuidadosas e hiperrealistas técnicas del neoclasicismo francés se consideraron rígidas y sin vida en comparación con la notable nueva visión del mundo tal como se ve a través de la nueva invención de la fotografía a mediados de la década de 1850. No se trataba simplemente de que la creciente capacidad de este nuevo invento, en particular del inventor francés Daguerre, hiciera redundante el realismo de la imagen pintada, ya que compitió deliberadamente en el diorama de París con pinturas históricas a gran escala. El tema neoclásico, limitado por la tradición académica a leyendas griegas y romanas, batallas históricas e historias bíblicas, parecía opresivamente cliché y limitado a artistas ansiosos por explorar el mundo real frente a sus propios ojos revelados por la cámara: la vida cotidiana, cándidos grupos de gente común que hace cosas sencillas, el propio París, los paisajes rurales y, en particular, el juego de la luz capturada, no la exaltación imaginaria de sucesos pasados invisibles. Las primeras fotografías influyeron en el estilo impresionista por el uso de la asimetría, el recorte y, más obviamente, el desenfoque del movimiento, como se captura inadvertidamente en las velocidades muy lentas de la fotografía temprana.
Edgar Degas , Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , en su encuadre, uso del color, la luz y la sombra, el tema, pusieron en práctica estas innovaciones para crear un nuevo lenguaje de belleza visual y significado.
Fingir revolución: la CIA y el expresionismo abstracto
Su ruptura inicial con el realismo en una exploración de la luz, el color y la naturaleza de la pintura fue llevada a una conclusión final por los expresionistas abstractos que rompieron con el contenido reconocible de cualquier tipo en obras de forma pura, color y pintura que surgieron al final. de la segunda guerra mundial. Al principio consideradas como obras primitivas e ineptas, como en "mi hijo de cuatro años podría hacer eso", estas obras fueron mal entendidas y descuidadas hasta que fueron criticadas y respaldadas por el surgimiento de periodistas y críticos de arte que defendieron su trabajo en las décadas de 1940 y 1950. , expresando el poder de tal trabajo en términos estéticos que los propios artistas rara vez usaron, o incluso entendieron. Jackson Pollock, pionero de la pintura con salpicaduras, prescindiendo por completo de un pincel, pronto se convirtió en elogiado como el joven enojado en una gran difusión en la revista Life.
De hecho, en un esfuerzo deliberado, secreto y exitoso para separar las revoluciones artísticas de las políticas, expresionistas abstractos como Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning y Mark Rothko, aunque aparentemente difíciles, artistas pioneros, fueron apoyados en secreto durante veinte años por la CIA en una política de Guerra Fría iniciada en 1947 para demostrar que Estados Unidos podía fomentar más libertad artística que el bloque soviético. "Se reconoció que el expresionismo abstracto era el tipo de arte que hacía que el realismo socialista pareciera aún más estilizado, rígido y confinado de lo que era", dijo el ex asistente social de la CIA Donald Jameson, quien finalmente rompió el silencio sobre este programa en 1995. Irónicamente, El apoyo encubierto de la CIA para estas obras radicales fue necesario porque un intento de utilizar fondos del gobierno para una gira europea de estas obras durante la administración Truman provocó un alboroto público en los Estados Unidos conservadores de la era McCarthy, y Truman comentó: "Si eso es arte, Soy un hotentote ". Por lo tanto, el programa se ocultó bajo el disfraz de fundaciones fabricadas y el apoyo de patrocinadores adinerados que en realidad estaban usando fondos de la CIA, no los suyos, para patrocinar exposiciones itinerantes de expresionistas abstractos estadounidenses en todo el mundo, publicar libros y artículos elogiándolos y comprar y exhibe obras expresionistas abstractas en los principales museos estadounidenses y británicos. Thomas Braden, a cargo de estos programas culturales para la CIA. En los primeros años de la Guerra Fría, había sido secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno, la principal institución de arte del siglo XX en Estados Unidos, y las acusaciones de colusión entre los dos se hicieron eco durante muchos años después de que se revelara este programa, aunque la mayoría de los los artistas involucrados no tenían idea de que estaban siendo utilizados de esta manera y se enfurecieron cuando se enteraron.