Artística revolución - Artistic revolution


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A lo largo de la historia, formas de arte han pasado por cambios bruscos periódicas llamadas revoluciones artísticas . Movimientos han llegado a su fin para ser reemplazado por un nuevo movimiento marcadamente diferentes en formas sorprendentes. Ver también los movimientos culturales .

revolución artística y revoluciones políticas

El papel de las bellas artes ha sido la de expresar simultáneamente los valores de la cultura actual, mientras que también ofrece la crítica, el equilibrio o alternativas a cualquiera de dichos valores que ya no son útiles están demostrando. Así como los tiempos cambian, los cambios arte. Si los cambios son bruscos que se consideraron revoluciones. Los mejores artistas han precedido cambios de la sociedad, debido no a una premonición, pero debido a la perspicacia sensible es parte de su talento de ver.

Los artistas que tuvieron éxito suficiente para retratar las visiones que las generaciones futuras puedan vivir para ver, a menudo tenían que desplazarse a menudo un camino traicionero entre su propia capacidad de ver y ejecutar lo que los artistas menores no podía, al mismo tiempo atractivo para los clientes poderosos que pudieran financiar sus visiones. Por ejemplo, pinturas glorificaron aristocracia en el siglo 17, cuando se necesita el liderazgo de nacionalizar pequeñas agrupaciones políticas, pero más tarde se convirtió en el liderazgo como opresivo, satirización aumentaron y los sujetos estaban menos preocupados con los líderes y más con situaciones difíciles más comunes de la humanidad.

Ningún arte debe absolutamente tanto al poder estatal como lo hace la pintura francesa. Fue en la época de la monarquía absoluta en marcha por Louix XIV en el siglo 17 que los gustos de Poussin y Le Brun poner Francia en la vanguardia del arte europeo. Versalles encontró su espejo señorial en la poderosa idea del clasicismo - un estilo de pintura, que permanece en artistas posteriores como Ingres, cuya austeridad y grandeza expresar la autoridad de un mundo en el que Júpiter está muy en su trono.

Ejemplos de la técnica revolucionaria en conjunción con los movimientos culturales y políticos:

revolución artística de estilo

Aquí es un ejemplo de una revolución artística Piezas

Científico y Tecnológico

No todas las revoluciones artísticas eran políticos. A veces, la ciencia y las innovaciones tecnológicas han dado lugar a transformaciones imprevistas en las obras de los artistas. La revolución estilística conocida como el impresionismo , por los pintores deseosos de captar con mayor precisión los colores cambiantes de la luz y la sombra, es inseparable de descubrimientos e invenciones en la mitad del siglo 19 en la que nació el estilo.

Eugene Chevreul , un químico francés contratado como director de colorantes en una fábrica de tapices franceses, comenzó a investigar la naturaleza óptica del color con el fin de mejorar el color en las telas. Chevreul cuenta de que era el ojo, y no el tinte, que tuvo la mayor influencia en el color, ya partir de esto, él revolucionó la teoría del color agarrando lo que llegó a ser llamada la ley del contraste simultáneo: que los colores influyen mutuamente cuando se yuxtaponen, cada uno impone su propio color complementario en el otro. El pintor francés Eugène Delacroix, que había estado experimentando con lo que llamó tonos rotos, abrazó el libro de Chevreul, "La Ley de Contraste de Color (1839), con sus explicaciones de cómo los colores yuxtapuestos pueden aumentar o disminuir entre sí, y su exploración de todos los colores visibles del espectro. Inspirado en 1839 el tratado de Chevreul, Delacroix pasaron su entusiasmo a los jóvenes artistas que se inspiraron en él. era Chevreul que dirigió los impresionistas a entender que se deben aplicar pinceladas separadas de color puro a un lienzo y permitir que el ojo del espectador a combinarlos de forma óptica.

Fueron ayudados en gran medida en este por las innovaciones en la propia pintura de aceite. Desde el Renacimiento, los pintores tenían que moler pigmentos, añadir el aceite y así crear sus propias pinturas; estas pinturas que requieren mucho tiempo también se secan rápidamente, haciendo estudio de pintura en una necesidad para grandes obras, y la limitación de los pintores para mezclar uno o dos colores a la vez y rellenar un área entera usando sólo ese color antes de que se secara a cabo. en 1841, un pintor estadounidense poco conocido llamado John G. Rand inventó una mejora sencilla sin la cual no podría haber ocurrido el movimiento impresionista: el tubo de estaño pequeño y flexible con tapa extraíble en el que se podrían almacenar pinturas de aceite. pinturas de aceite mantenido en estos tubos se quedaron húmeda y utilizable - y muy portátil. Por primera vez desde el Renacimiento, los pintores no estaban atrapados por el marco temporal de la rapidez con que se seca la pintura al óleo.

Pinturas en tubos pudieron cargar fácilmente y llevado a cabo en el mundo real, para observar directamente el juego de color y luz natural, en la sombra y movimiento, para pintar en el momento. La venta de la pintura al óleo en tubos también provocó la llegada de nuevos pigmentos deslumbrantes - amarillo de cromo, cadmio azul - inventado por los químicos industriales del siglo 19. Los tubos liberaron a los impresionistas para pintar de forma rápida, ya través de todo un lienzo, en lugar de delineado cuidadosamente las secciones de un solo color a la vez; en definitiva, para dibujar directamente en aceite - carreras a través del lienzo en todos los colores que tuviera a mano e inspirando así su nombre de "impresionistas" - puesto que tal rapidez, pincelada audaz y toques de colores separados hecho críticos contemporáneos piensan que sus pinturas eran meras impresiones , pinturas no acabado, que no tuviera las marcas de pincel visible en todo, sin soldadura bajo capas de barniz.

Pierre-Auguste Renoir dijo, “Sin colores en tubos, no habría Cézanne, sin Monet, Pissarro no, y sin Impresionismo”.

Por último, las técnicas cuidadosas de hiper-realista de Francés neoclasicismo se observaron tan rígido y sin vida, en comparación con la notable nueva visión del mundo como se ve a través de la nueva invención de la fotografía a mediados de la década de 1850. No era simplemente que el aumento de la capacidad de esta nueva invención, en particular por el inventor francés Daguerre, hizo el realismo de la imagen pintada redundante, ya que compitió deliberadamente en el diorama de París con pinturas históricas a gran escala. El tema neo-clásico, limitado por la tradición académica de las leyendas griegas y romanas, batallas históricas y relatos bíblicos, parecía opresivo estereotipada y limitada a artistas deseosos de explorar el mundo real frente a sus propios ojos revelado por la cámara - la vida diaria, agrupaciones sinceros de la gente común haciendo cosas simples, el mismo París, paisajes rurales y muy especialmente los juegos de luz capturada - no el lionizing imaginaria de los acontecimientos pasados ​​que no se ven. Las primeras fotografías influidas estilo impresionista por su uso de la asimetría, de cultivo y lo más obvio el desenfoque de movimiento, como inadvertidamente capturado en las velocidades muy lentas de la fotografía antigua.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir  - in their framing, use of color, light and shadow, subject matter  - put these innovations to work to create a new language of visual beauty and meaning.

revolución Falsificando: la CIA y Expresionismo abstracto

Su ruptura inicial con el realismo en una exploración de la luz, el color y la naturaleza de la pintura fue llevado a una conclusión definitiva por los expresionistas abstractos , que se separó de contenido reconocible de ningún tipo en las obras de forma pura, el color y pictoricidad que surgieron al final de la segunda guerra mundial. A primera vista de obras tan primitivos, ineptos - como en "mi hijo de cuatro años podría hacer que" las obras -estos fueron mal interpretadas y descuidados hasta determinado crítica y el apoyo por la subida de los periodistas y críticos de arte que defendió su trabajo en los años 1940 y los años 50 , que expresa el poder de este tipo de trabajo en términos estéticos los propios artistas rara vez se utilizan, o incluso entendidos. Jackson Pollock que fue pionero en la pintura de la salpicadura, prescindiendo de un cepillo de pintura por completo, pronto se convirtió en lionized como el hombre joven enojado en una gran dispersión en la revista Life.

De hecho, en un esfuerzo deliberado, secreto y éxito para separar las revoluciones artísticas de los políticos, los expresionistas abstractos como Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning y Mark Rothko, mientras aparentemente difíciles, artistas pioneras, eran de hecho apoyado en secreto durante veinte años por la CIA en una política de Guerra Fría comenzado en 1947 para demostrar que Estados Unidos podría fomentar una mayor libertad artística que el bloque soviético. "Se reconoció que el expresionismo abstracto era el tipo de arte que hizo el realismo socialista se vea aún más estilizada y rígida y limitada de lo que era", dijo el primer caso del trabajador de la CIA Donald Jameson, quien finalmente rompió el silencio sobre este programa en 1995. Irónicamente, se requiere el apoyo encubierto de la CIA para estas obras radicales debido a un intento de utilizar los fondos del gobierno para una gira europea de estas obras durante la administración Truman dio lugar a una protesta pública en la conservadora era McCarthy América, con Truman famoso comentando, "Si ese es el arte, soy un hotentote ". Así, el programa estaba oculta bajo la apariencia de bases fabricadas y el apoyo de los clientes ricos que fueron en realidad el uso de fondos de la CIA, no por su propia cuenta, para patrocinar exposiciones itinerantes de expresionistas abstractos americanos en todo el mundo, publican libros y artículos que alabar y para la compra y la exhibición expresionista abstracto trabaja en los principales museos estadounidenses y británicos. Thomas Braden, a cargo de estos programas culturales para la CIA. en los primeros años de la Guerra Fría, había sido anteriormente secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno, la principal institución de Estados Unidos para el arte del siglo 20 y los cargos de colusión entre los dos eco durante muchos años después de que se reveló este programa, aunque la mayor parte del artistas implicados tenían ni idea de que estaban siendo utilizados de esta manera y se pusieron furiosos cuando se enteraron.

Movimientos artísticos

Arte Antiguo y clásico

Fechas clave: 15000 aC / 400 AC-200CE / 350 CE-450CE
antiguas - Hay pocos ejemplos que quedan con el arte temprano menudo favoreciendo dibujo sobre el color. El trabajo se ha encontrado recientemente en tumbas egipcias, frescos, cerámica y metal.
Clásica - Relativo ao desde romana antigua o la arquitectura griega y el arte. Principalmente en cuestión con la geometría y la simetría en lugar de la expresión individual.
Bizantino - Un arte religioso que se caracteriza por grandes cúpulas, arcos de medio punto y los mosaicos del Imperio Romano de Oriente en el siglo cuarto.

Medieval y gótico

Fechas clave: 400CE
medieval - Un arte muy religiosa a partir del quinto siglo en Europa Occidental. Se caracterizó por las pinturas que ilustran iconográficos escenas de la Biblia.
Gótico - Este estilo se impuso entre el siglo 12 y el siglo 16 en Europa. Principalmente un movimiento arquitectónico, gótico se caracteriza por su ornamentación detallada más notablemente los arcos puntiagudos y elaborada bóveda costilla.
Desarrollado por primera vez en Francia, gótica fue pensado como una solución a las deficiencias de la arquitectura románica. Permitió catedrales ser construidas con paredes más delgadas y se hizo posible introducir vidrieras en lugar de decoración de mosaicos tradicionales. Algunos de los mejores ejemplos del estilo incluyen las catedrales de Chartres, Reims y Amiens. El término también se utiliza para describir la escultura y la pintura que demuestra un mayor grado de naturalismo.

Renacimiento

Fechas clave: siglo 14
Este movimiento comenzó en Italia en el siglo 14 y el término, que literalmente significa el renacimiento, describe el resurgimiento del interés por los logros artísticos del mundo clásico. Inicialmente en un renacimiento literario renacentista se determinó a alejarse de la religión dominada Edad Media y orientar su atención sobre la situación del hombre individual en la sociedad. Era un momento en que la expresión individual y experiencia del mundo se convirtieron en dos de los temas principales del arte renacentista. El movimiento debía mucho a la creciente sofisticación de la sociedad, que se caracteriza por la estabilidad política, el crecimiento económico y el cosmopolitismo. Educación floreció en este momento, con las bibliotecas y academias que permiten una investigación más a fondo para llevarse a cabo en la cultura del mundo antiguo. Además, las artes se beneficiaron del patrocinio de grupos tan influyentes como la familia Medici de Florencia, la familia Sforza de Milán y los Papas Julio II y León X. Las obras de Petrarca muestran por primera vez el nuevo interés en los valores intelectuales del mundo clásico a principios del siglo 14 y el romance de esta era como redescubierto en la época del Renacimiento puede ser vista expresado por Boccaccio. Leonardo da Vinci fue el hombre arquetípico del Renacimiento que representa los valores humanistas de la época en su arte, la ciencia y la escritura. Miguel Ángel y Rafael fueron también figuras vitales en este movimiento, la producción de obras consideradas durante siglos como que incorpora la noción clásica de la perfección. Arquitectos renacentistas incluyen Alberti, Brunelleschi y Bramante. Muchos de estos artistas vinieron de Florencia y se mantuvo en un centro importante para el renacimiento en el siglo 16 con el tiempo a ser superado por Roma y Venecia. Algunas de las ideas del renacimiento italiano se extendió a otras partes de Europa, por ejemplo, para el artista alemán Alberto Durero del 'renacimiento del Norte'. Pero por el siglo 16 Manierismo había superado el Renacimiento y fue este estilo que se agotó en Europa.
Artistas representativos:
Leonardo da Vinci, Botticelli, Brunelleschi, Rafael de Urbino, Tiziano, Miguel Ángel Buonarroti, y Donatello Bardi.

Manierismo

Fechas clave: 1520-1600
artistas del Renacimiento temprano y el Alto Renacimiento desarrollaron sus estilos característicos de la observación de la naturaleza y la formulación de una ciencia pictórica. Cuando Manierismo maduró después de 1520 (El año Rafael murió), todos los problemas de representación se habían resuelto. Un cuerpo de conocimiento estaba allí para aprender. En lugar de la naturaleza como su maestro, artistas manieristas tomaron el arte. Mientras que los artistas renacentistas buscaban la naturaleza para encontrar su estilo, los manieristas miraron por primera vez para un estilo y encontró una manera. En las pinturas manieristas, las composiciones pueden tener ningún punto focal, el espacio puede ser ambiguo, las cifras se pueden caracterizar por una flexión atlético y torsión con distorsiones, exageraciones, un alargamiento elástico de las extremidades, extraño postura por un lado, la postura agraciado en la otra parte , y una representación de las cabezas tan uniformemente pequeño y oval. La composición está atascado por los colores que chocan, lo cual es a diferencia de lo que hemos visto en los colores equilibrados, naturales y dramáticos del alto renacimiento. Obra manierista busca la inestabilidad e inquietud. También hay una afición por las alegorías que tienen connotaciones lascivas.
Artistas representativos:
Andrea del Sarto, Pontormo Jacopo da, Correggio

Barroco

Fechas clave: siglo 17
Arte barroco surgió en Europa alrededor de 1600, como una reacción contra el estilo manierista intrincado y fórmulas que dominó el Renacimiento tardío. Arte barroco es menos complejo, más realista y que afecta a más emocionalmente que el Manierismo.
Este movimiento se sintió alentado por la Iglesia Católica, el patrón más importante de las artes en ese momento, como un retorno a la tradición y la espiritualidad.
Uno de los grandes periodos de la historia del arte, Arte barroco fue desarrollado por Caravaggio, Annibale Carracci, y Gian Lorenzo Bernini, entre otros. Esta fue también la edad de Rubens, Rembrandt, Velázquez y Vermeer.
En el siglo 18, Arte barroco fue sustituido por el estilo más elegante y elaborada rococó.
Artistas representativos:
Caravaggio, Annibale Carracci, Gian Lorenzo Bernini, Rubens, Rembrandt, Poussin Nicolás

Rococó

Fechas clave: siglo 18
A lo largo del siglo 18 en Francia, una nueva clase media rica e influyente comenzaba a subir, a pesar de que la realeza y la nobleza continuaron siendo mecenas de las artes. A la muerte de Luis XIV y el abandono de Versalles, la alta sociedad de París se convirtieron en los proveedores de estilo. Este estilo, que se utiliza principalmente en la decoración de interiores, llegó a ser llamado rococó. El término rococó se deriva de la palabra francesa "rocalla", lo que significa guijarros y se refiere a las piedras y conchas usadas para decorar los interiores de cuevas. Por lo tanto, las formas de concha se convirtió en el motivo principal en rococó. Las mujeres de la sociedad compitieron por los mejores y más elaboradas decoraciones para sus casas. De ahí que el estilo rococó fue altamente dominado por el gusto femenino y la influencia.
François Boucher fue el pintor del siglo 18 y grabador cuyas obras son consideradas como la expresión perfecta de estilo francés en el período rococó. Entrenado por su padre, que era un diseñador de encaje, Boucher ganó fama con sus pinturas mitológicas y paisajes sensuales y alegres. Ejecutó obras importantes tanto para la reina de Francia y Mme. de Pompadour, amante de Luis XV, que fue considerada como la mujer más poderosa de Francia en ese momento. Boucher era Mme. artista preferido de Pompadour y fue comisionado por ella para numerosas pinturas y decoraciones. Boucher también se convirtió en el diseñador principal de la fábrica real de porcelana y el director de la fábrica de tapices gobelinos. El Vulcan Presentación de Venus con armas para Eneas es una plantilla para un tapiz realizado por esta fábrica.
Caracterizado por cuestiones elegantes y refinados aún lúdicas tema, estilo de Boucher se convirtió en el epítome de la corte de Luis XV. Su estilo consistía en colores delicados y suaves formas pintadas dentro de un tema frívolo. Sus obras suelen utilizar diseños deliciosos y decorativos para ilustrar historias graciosas con los pastores de la Arcadia, diosas y amorcillos jugando contra un cielo rosa y azul. Estas obras reflejan la decadencia juguetona, artificial y ornamentado de la aristocracia francesa de la época.
El rococó se considera a veces una fase final del período barroco.
Artistas representativos:
François Boucher, William Hogarth, Giovanni Battista Tiepolo, Angelica Kauffman, Giovanni Antonio Canaletto, Velázquez Vermeer

Neo-clásica

Fechas clave: 1750-1880
Un estilo de arte francés del siglo XIX y el movimiento que se originó como una reacción al Barroco. Se buscó revivir los ideales del arte griego y romano antiguo. Artistas neoclásicos utilizan las formas clásicas de expresar sus ideas sobre el valor, el sacrificio y el amor del país. David y Canova son ejemplos de neoclasicistas.
Artistas representativos:
Jacques-Louis David, Sir Henry Raeburn, Sir Joshua Reynolds, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Thomas Gainsborough, Antonio Canova, Arnold Boc

Romanticismo

Fechas clave: 1800-1880
Romanticismo era básicamente una reacción contra el neoclasicismo, es un estilo muy sentida que es individualista, hermoso, exótico, y emocionalmente forjado.
Aunque el Romanticismo y el Neoclasicismo se oponen filosóficamente, que eran los estilos europeos dominantes para las generaciones, y muchos artistas se vieron afectados en mayor o menor grado por ambos. Los artistas pueden trabajar en ambos estilos en diferentes momentos o incluso mezclar los estilos, crear una obra intelectualmente románticos usando un estilo visual neoclásico, por ejemplo.
Los grandes artistas estrechamente asociados con el Romanticismo incluyen JMW Turner, Caspar David Friedrich, John Constable y William Blake.
En los Estados Unidos, líder del movimiento romántico fue la Escuela del Río Hudson de la pintura de paisaje dramático.
Sucesores obvias de Romanticismo incluyen el movimiento prerrafaelista y los simbolistas. Pero Impresionismo, ya través de ella casi todo el arte del siglo 20, está también firmemente enraizada en la tradición romántica.
Artistas representativos:
George Stubbs, William Blake, John Martin, Francisco Goya, Sir Thomas Lawrence, John Constable, Eugene Delacroix, sir Edwin Landseer, Caspar David Friedrich, J. Turner

referencias