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De izquierda a derecha superior: un autorretrato de Vincent van Gogh ; una figura femenina por un ancestro chokwe artista; detalle del nacimiento de Venus de Sandro Botticelli ; Okinawa y un león Shisa .

Arte es una gama diversa de actividades humanas en la creación visual, auditiva o la realización de artefactos ( obras de arte ), que expresa del autor imaginativo , conceptual idea o habilidad técnica, destinada a ser apreciado por su belleza o poder emocional. En su forma más general, estas actividades incluyen la producción de obras de arte, la crítica de arte, el estudio de la historia del arte, así como la difusión estética del arte.

Las tres ramas clásicas de arte son la pintura , la escultura y la arquitectura . Música , teatro , cine , danza y otras artes escénicas , así como la literatura y otros medios como los medios interactivos , están incluidos en una definición más amplia de las artes . Hasta el siglo 17, el arte se refiere a cualquier habilidad o dominio y no se diferenció de la artesanía o las ciencias . En el uso moderno después de que el siglo 17, donde las consideraciones estéticas son de suma importancia, las bellas artes se separan y distinguen de los conocimientos adquiridos en general, tales como los decorativos o de artes aplicadas .

Aunque la definición de lo que constituye el arte es controvertida y ha cambiado con el tiempo, las descripciones generales mencionan una idea de la habilidad imaginativa o técnica derivada de la acción humana y la creación. La naturaleza de los conceptos de arte y otros relacionados, como la creatividad y la interpretación, se exploran en una rama de la filosofía conocida como la estética .

arte creativo y las bellas artes

Las obras de arte pueden contar historias o simplemente expresar una verdad estética o sentimiento. Panorama de una sección de Mil Li, de montañas y ríos , una pintura del siglo 12 por el artista dinastía Song Wang Ximeng .

En la perspectiva de la historia del arte, obras artísticas han existido por casi tan larga como la humanidad: desde principios de arte pre-histórico de arte contemporáneo ; Sin embargo, algunas teorías restringen el concepto de "obras artísticas" a las sociedades occidentales modernas. Un temprano sentido de la definición del arte está estrechamente relacionado con el mayor significado latino, que se podría traducir como "habilidad" o "artesanal", como asociado con palabras tales como "artesanal". Palabras inglesas derivadas de este significado incluyen artefacto , artificial , artificio , artes médicas , y las artes militares . Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología .

Del siglo 20 de la botella de Ruanda. Las obras artísticas pueden servir funciones prácticas, además de su valor decorativo.

Con el tiempo, los filósofos como Platón , Aristóteles , Sócrates y Kant , entre otros, cuestionaron el significado del arte. Varios diálogos de Platón abordar cuestiones sobre el arte: Sócrates dice que la poesía está inspirada en las musas , y no es racional. Habla con aprobación de esta, y otras formas de locura divina (la embriaguez, el erotismo, y el sueño) en el Fedro (265a-c), y sin embargo en la República quiere prohibir el gran arte poética de Homero, y la risa también. En Ion , Sócrates no da ningún indicio de la desaprobación de Homer que se expresa en la República . El diálogo Ion sugiere que Homer 's Ilíada funcionaba en el mundo griego antiguo como la Biblia lo hace hoy en día en el mundo cristiano moderno: como divinamente inspirado arte literario que puede proporcionar una guía moral, aunque sólo se puede interpretar correctamente.

En cuanto a la técnica literaria y las artes musicales, Aristóteles consideraba la poesía épica , tragedia, comedia, poesía ditirambo y la música para ser mimética del arte o imitativa, cada uno que varía en la imitación por medio, objeto y forma. Por ejemplo, la música imita con los medios de ritmo y armonía, mientras que la danza imita el ritmo con solos, y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. Comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de los hombres peores que la media; mientras que la tragedia imita los hombres ligeramente mejor que la media. Por último, las formas difieren en su forma de la narrativa o el carácter de imitación a través, a través del cambio o ningún cambio, ya través de teatro o ningún drama. Aristóteles creía que la imitación es natural para la humanidad y constituye una de las ventajas de la humanidad sobre los animales.

El segundo, y más reciente, el sentido de la palabra arte como una abreviatura de arte creativo o las bellas artes surgió a principios del siglo 17. Las bellas artes se refiere a una técnica utilizada para expresar la creatividad del artista, o para activar la sensibilidad estética de la audiencia, o para dibujar la audiencia hacia la consideración de más refinada o más fina obra de arte.

En este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de utilización de la capacidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) el la experiencia de audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas ( arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas que producen obras de arte ( el arte como objetos) que están obligados por una unidad de personal (el arte como actividad) y transmiten un mensaje, el estado de ánimo, o el simbolismo para el perceptor de interpretar (el arte como experiencia). El arte es algo que estimula pensamientos, emociones, creencias o ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte se pueden hacer de forma explícita a este efecto o interpretarse sobre la base de imágenes u objetos. Para algunos estudiosos, como Kant , las ciencias y las artes podían distinguirse mediante la adopción de la ciencia como la representación del dominio del conocimiento y las artes como que representa el dominio de la libertad de expresión artística.

A menudo, si la habilidad está siendo utilizado en una forma común o práctica, la gente considerará que una nave en lugar de arte. Del mismo modo, si la habilidad está siendo utilizado en una forma comercial o industrial, se puede considerar el arte comercial en lugar de obras de arte. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado . Algunos seguidores de arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas tiene más que ver con juicios de valor sobre el arte que cualquier diferencia de definición clara. Sin embargo, incluso obras de arte a menudo tiene objetivos más allá de la pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser para comunicar ideas, como en el arte por motivos políticos, espiritual o filosófico; para crear un sentido de belleza (véase la estética ); para explorar la naturaleza de la percepción; por placer; o para generar fuertes emociones . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.

La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los más difícil de alcanzar de los problemas tradicionales de la cultura humana". El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales para su propio bien, y como mimesis o representación . El arte como mímesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles . Leo Tolstoy identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicar de una persona a otra. Benedetto Croce y RG Collingwood avanzaron el idealista opinión de que el arte expresa emociones, y que la obra de arte, por lo tanto existe esencialmente en la mente del creador. La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant , y se desarrolló a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . Más recientemente, los pensadores influidos por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad se desarrolla por sí mismo un medio para la auto-expresión y la interpretación. George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto sobre el que una persona calificada o personas que actúen en nombre de la institución social comúnmente se conoce como "el mundo del arte " ha conferido "la condición de candidato a la apreciación ". Larry Shiner ha descrito obras de arte como "no una esencia o un destino, sino algo que hemos hecho. El arte como generalmente nos hemos entendido que es una invención europea apenas doscientos años."

El arte puede ser caracterizada en términos de la mimesis (su representación de la realidad), narrativa (narración), la expresión, la comunicación de la emoción, u otras cualidades. Durante el período romántico , el arte llegó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana para ser clasificado con la religión y la ciencia".

Historia

Venus de Willendorf , circa 24,000-22,000  BP

Las formas más antiguas documentadas de arte son las artes visuales , que incluyen la creación de imágenes u objetos en campos como la actual pintura, la escultura, el grabado , la fotografía y otros medios visuales. Esculturas, pinturas rupestres , pinturas rupestres y petroglifos del paleolítico superior que datan de hace unos 40.000 años se han encontrado, pero el significado exacto de esa técnica se disputa a menudo debido a que se sabe muy poco acerca de las culturas que los produjeron. Los objetos de arte más antiguas del mundo, una serie de pequeñas conchas de caracol, perforados cerca de 75.000 años-fueron descubiertos en una cueva de Sudáfrica. Recipientes que podrían haber sido utilizados para contener pinturas se han encontrado datan tan atrás como 100.000 años. Conchas grabadas por Homo erectus de hace 430.000 y 540.000 años fueron descubiertos en 2014.

Pintura rupestre de un caballo de la Lascaux cuevas, alrededor de 16.000 BP

Muchos grandes tradiciones en el arte tienen un fundamento en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: el antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, Grecia Antigua, Roma, así como Inca , Maya y Olmeca . Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su art. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar la musculatura, el equilibrio, la belleza y proporciones anatómicamente correctas.

En bizantino y el arte medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de los sujetos acerca de la cultura bíblica y religiosa, y se utiliza estilos que mostraron la mayor gloria de un mundo celestial, tales como el uso del oro en el fondo de las pinturas, o vidrio en mosaicos o ventanas, que también presentan cifras en formas idealizadas, modelado (plana). Sin embargo, una tradición realista clásica persistió en pequeñas obras bizantinas, y el realismo creció de manera constante en el arte de la Europa católica .

Arte renacentista tuvo un gran aumento de énfasis en la representación realista del mundo material, y el lugar de los humanos en él, se refleja en la corporalidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar recesión en tres dimensiones espacio de la imagen.

La firma estilizada de Sultan Mahmud II del Imperio Otomano fue escrito en caligrafía islámica . Se lee "Mahmud Khan, hijo de Abdul Hamid es siempre victorioso".
La Gran Mezquita de Kairouan en Túnez, también llamada la Mezquita de Uqba, es uno de los mejores ejemplos artísticos y arquitectónicos, más significativos y mejor conservados de los primeros grandes mezquitas. Fecha en su estado presente desde el siglo noveno, es el antepasado y el modelo de todas las mezquitas en las tierras islámicas occidentales.

En el este, el arte islámico rechazo 's de la iconografía llevó a énfasis en patrones geométricos , la caligrafía y la arquitectura . Más hacia el este, la religión dominó los estilos artísticos, y también las formas. La India y el Tíbet vieron énfasis en esculturas pintadas y danza, mientras que la pintura religiosa prestado muchas convenciones de la escultura y tendía a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. China registró el florecimiento de muchas formas de arte: tallado en jade, bronzework, cerámica (incluyendo el impresionante ejército de terracota del emperador Qin), la poesía, la caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno se llama tradicionalmente después de la dinastía reinante. Así, por ejemplo, de la dinastía Tang pinturas son monocromáticos y escaso, haciendo hincapié en paisajes idealizados, pero la dinastía Ming pinturas están ocupados y colorido, y se centran en contar historias a través de configuración y composición. Nombres Japón sus estilos después de dinastías imperiales también, y también vio una gran interacción entre los estilos de la caligrafía y la pintura. La impresión en madera llegó a ser importante en Japón después de que el siglo 17.

Pintura de la dinastía Song artista Ma Lin, alrededor del año 1250. 24,8 x 25,2 cm

El oeste época de la Ilustración en el siglo 18 vio representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo de relojería, así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo post-monárquica, como Blake interpretación 's de Newton como un geómetra divina, o David Las pinturas propagandísticos. Esto llevó a románticos rechazos de esto en favor de fotos de la parte emocional y la individualidad de los seres humanos, ejemplificados en las novelas de Goethe . Finales del siglo 19 y luego vio una serie de movimientos artísticos, como académica arte , simbolismo , el impresionismo y el fauvismo entre otros.

La historia del arte del siglo XX es una narración de un sinfín de posibilidades y la búsqueda de nuevas normas, cada uno siendo demolido en sucesión por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo , expresionismo , fauvismo , cubismo , dadaísmo , surrealismo , etc., no se pueden mantener mucho más allá del momento de su invención. El aumento global de la interacción durante este tiempo vio una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. De este modo, grabados en madera japoneses (influidas por la delineación del renacimiento Occidental) tuvieron una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, esculturas africanas fueron tomadas por Picasso y en cierta medida por Matisse . Del mismo modo, en los siglos 19 y 20, Occidente ha tenido un enorme impacto en el arte oriental con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el Postmodernismo que ejercen una poderosa influencia.

Modernismo , la búsqueda idealista de la verdad, cedió en la segunda mitad del siglo 20 para la ejecución de su inaccesibilidad. Theodor W. Adorno , dijo en 1970: "En la actualidad se da por sentado que nada, que se refiere el arte puede darse por sentado nada más: ni en sí el arte, ni arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte de existir." El relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que llevó al período de arte contemporáneo y la crítica posmoderna , donde se ven las culturas del mundo y de la historia como formas cambiantes, que se pueden apreciar los arrancados de únicamente con el escepticismo y la ironía. Además, la separación de las culturas es cada vez más borrosa y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, más que de las regionales.

En El origen de la obra de arte , Martin Heidegger , filósofo alemán y un pensador seminal, describe la esencia del arte en cuanto a los conceptos de ser y de la verdad. Sostiene que el arte no es sólo una forma de expresar el elemento de verdad en una cultura, pero los medios para crear y proporcionar un trampolín desde el que "lo que es" puede ser revelado. Las obras de arte no son más que representaciones de cómo son las cosas, pero en realidad producen comprensión compartida de una comunidad. Cada vez que se añade una nueva obra a cualquier cultura, el significado de lo que es existir se cambia por sí.

Formas, géneros, medios y estilos

Napoleon I en su trono imperial por Ingres (French, 1806), óleo sobre lienzo

Las artes creativas a menudo se dividen en categorías más específicas, por lo general a lo largo de las categorías perceptualmente distinguibles, tales como los medios de comunicación , género, estilos , y la forma. Forma de arte se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Abarca los métodos adoptados por el artista y la física composición de la obra, aspectos principalmente no semánticos del trabajo (es decir, Figurae ), tales como el color , contorno , dimensión , medio , melodía , espacio , textura y valor . Formulario también puede incluir los principios de diseño visual , tales como arreglo, equilibrio , contraste , énfasis , armonía , proporción , la proximidad , y el ritmo.

En general, existen tres escuelas de filosofía sobre el arte, centrándose respectivamente en forma, contenido y contexto. Extreme formalismo es la vista que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, parte de la forma de arte). Filósofos casi universalmente rechazan esta visión y sostienen que las propiedades y estética del arte extienden más allá de los materiales, técnicas, y la forma. Por desgracia, hay poco consenso sobre la terminología de estas propiedades informales. Algunos autores se refieren a la materia y contenido - es decir, las denotaciones y connotaciones - mientras que otros prefieren términos como significado e importancia .

Intencionalismo extrema sostiene que la intención del autor juega un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las otras interpretaciones pueden ser descartados. Se define el tema como las personas o idea representada, y el contenido como la experiencia del artista de ese tema. Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su trono imperial es prestado en parte de la Estatua de Zeus en Olimpia . Como lo demuestra el título, el tema es Napoleón , y el contenido es Ingres representación 's de Napoleón como 'emperador-dios más allá del tiempo y del espacio'. Al igual que en el formalismo extremo, filósofos suelen rechazar intencionalismo extrema, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser desconocido y por lo tanto irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente poco saludable, filosóficamente irreal, y políticamente imprudente".

Por último, el desarrollo de la teoría del post-estructuralismo estudia el significado del arte en un contexto cultural, tales como las ideas, emociones y reacciones provocadas por una obra. El contexto cultural reduce a menudo a técnicas y las intenciones del artista, en la que procede al análisis de casos a lo largo de líneas similares al formalismo y intencionalismo. Sin embargo, en otros casos las condiciones históricas y materiales pueden predominar, como las convicciones religiosas y filosóficas, las estructuras socio-políticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte continúa creciendo y desarrollándose junto con el arte.

Habilidad y artesanía

Adam . Detalle de Miguel Ángel fresco 's en la Capilla Sixtina (1511)

El arte puede connotar un sentido de capacidad entrenado o dominio de un medio . El arte también puede referirse simplemente a la utilización desarrollada y eficiente de un lenguaje para transmitir el significado con inmediatez y o profundidad. El arte puede ser definida como un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones.

Hay un entendimiento que se alcanza con el material como resultado de su manejo, lo que facilita uno de los procesos del pensamiento. Una opinión común es que el epíteto de "arte", en particular en su sentido más elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa del artista, ya sea una demostración de la capacidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico, o una combinación de estos dos. Tradicionalmente habilidad de ejecución fue visto como una cualidad inseparable de arte y por lo tanto necesario para su éxito; por Leonardo da Vinci , el arte, ni más ni menos que sus otras actividades, fue una manifestación de habilidad. Rembrandt trabajo 's, ahora elogiado por sus virtudes efímeras, fue más admirado por sus contemporáneos por su virtuosismo. A la vuelta del siglo 20, las actuaciones hábiles de John Singer Sargent fueron admirados de forma alternativa y vistos con escepticismo por su fluidez manual, sin embargo, casi al mismo tiempo que el artista que se convertiría de la era más reconocido e iconoclasta peripatética, Pablo Picasso , fue completar una formación académica tradicional en el que destacó.

Detalle de Leonardo da Vinci 's Mona Lisa , que muestra la técnica de pintura de sfumato

Una crítica contemporánea común de algunos arte moderno se produce a lo largo de las líneas de oponerse a la aparente falta de habilidad o capacidad requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, Marcel Duchamp 's ' fuente ' es uno de los primeros ejemplos de piezas en el que el artista usados encontrados objetos ( 'listo-hecho') y ejercido ningún conjunto tradicionalmente reconocido de habilidades. Tracey Emin 's My Bed , o Damien Hirst ' s La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo siga este ejemplo y también manipular los medios de comunicación. Emin dormía (y ocupado en otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. Hirst le ocurrió el diseño conceptual de la obra, pero ha dejado la mayor parte de la eventual creación de muchas obras a los artesanos que trabajan. La celebridad de Hirst se basa por completo en su capacidad de producir conceptos impactantes. La producción real en muchas obras conceptuales y contemporáneas de arte es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que siguen a sobresalir en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de práctica en obras de arte.

Propósito

Una alfombra Navajo hizo alrededor del año 1880
Mozárabe Beato miniatura . España, a finales de siglo 10

El arte ha tenido un gran número de diferentes funciones a lo largo de su historia, lo que hace difícil su propósito de abstraer o cuantificar a ningún concepto único. Esto no implica que el propósito del arte es "vaga", pero que ha tenido muchas razones diferentes, únicos para los que se está creando. Algunas de estas funciones de Arte están dentro de la siguiente esquema. Los diferentes efectos de la técnica pueden ser agrupados de acuerdo a los que son no-motivado, y los que están motivados (Lévi-Strauss).

Las funciones no motivados

Los fines no motivados de arte son aquellos que son parte integral de ser humano, trascender el individuo, o no cumplir un propósito externo específico. En este sentido, el arte, la creatividad, es algo que los seres humanos deben hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte), y es, por tanto, más allá de la utilidad.

  1. Instinto humano básico para la armonía, el equilibrio, el ritmo . Arte a este nivel no es una acción o un objeto, sino una apreciación interna de equilibrio y armonía (belleza), y por lo tanto un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.

    Imitación, entonces, es uno instinto de nuestra naturaleza. A continuación, existe el instinto de la 'armonía' y el ritmo, metros siendo manifiestamente secciones de ritmo. Las personas que, por lo tanto, a partir de este don natural desarrollado por grados sus aptitudes especiales, hasta que sus improvisaciones groseros dieron a luz a la Poesía. - Aristóteles

  2. La experiencia de lo misterioso. El arte proporciona una manera de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia a menudo puede venir sin motivación, tal como se aprecia el arte, la música o la poesía.

    Lo más bello que podemos experimentar es el misterio. Es la fuente de todo arte y ciencia verdaderos. - Albert Einstein

  3. La expresión de la imaginación. El arte proporciona un medio para expresar la imaginación en formas no gramaticales que no están vinculados a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de palabras, que vienen en secuencias y cada uno de los cuales tienen un significado definido, el arte proporciona una gama de formas, símbolos e ideas con significados que son maleables.

    águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como lógica (estética) los atributos de un objeto, el concepto de lo sublime y la majestad de la creación, sino más bien algo más, algo que da a la imaginación un incentivo para difundir su vuelo sobre una anfitrión entero de representaciones afines que provocan más pensamiento que no deja lugar a la expresión de un concepto determinado por palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea racional anterior como un sustituto de la presentación lógica, pero con el funcionamiento correcto, sin embargo, de animar la mente mediante la apertura hacia fuera para él una perspectiva en un campo de representaciones afines que se extienden más allá de su alcance. - Immanuel Kant

  4. Funciones rituales y simbólicos. En muchas culturas, el arte se utiliza en rituales, actuaciones y bailes como decoración o símbolo. Mientras que estos a menudo no tienen ningún propósito específico utilitario (motivado), los antropólogos saben que a menudo sirven a un propósito a nivel de significado dentro de una cultura particular. Este significado no es proporcionada por un solo individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio y de una relación cosmológica dentro de la cultura.

    La mayoría de los estudiosos que se ocupan de pinturas de la roca u objetos recuperados de contextos prehistóricos que no se pueden explicar en términos utilitarios y por lo tanto se clasifican como decorativo, ritual o simbólica, son conscientes de la trampa que plantea el término 'arte'. - Silva Tomášková

funciones motivados

fines motivados de arte se refieren a las acciones intencionales y conscientes por parte de los artistas o creador. Estos pueden ser para provocar un cambio político, al comentar un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo específico, para hacer frente a la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, a (con artes comerciales) vender un producto, o simplemente como una forma de comunicación.

  1. Comunicación. Arte, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen una intención o meta dirigida hacia otra persona, esto es un propósito motivado. Artes ilustrativos, como ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no necesita ser científico. Emociones, estados de animo y sentimientos también son comunicados a través del arte.

    [El arte es un conjunto de artefactos] o imágenes con significados simbólicos como un medio de comunicación. - Steve Mithen

  2. El arte como entretenimiento . El arte puede tratar de provocar una emoción o estado de ánimo en particular, con el fin de relajarse o entretener al espectador. Esto es a menudo la función de las industrias de arte de películas y videojuegos.
  3. El vanguardista. Arte para el cambio político. Una de las funciones que definen el arte de principios del siglo XX ha sido el uso de imágenes visuales para lograr un cambio político. Los movimientos artísticos que tuvieron este meta- dadaísmo , el surrealismo , el constructivismo ruso y el expresionismo abstracto , entre otros, se conocen colectivamente como las vanguardista artes.

    Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, de Santo Tomás de Aquino a Anatole France, parece claro a mí ser hostil a cualquier avance intelectual o moral. Yo detesto, porque se compone de la mediocridad, el odio, y la presunción aburrido. Es esta actitud la que hoy da a luz a estos libros ridículos, estas obras insultantes. Se alimenta constantemente y deriva su fuerza de los periódicos y entorpece tanto la ciencia y el arte halagando asiduamente el más bajo de los gustos; la claridad que raya la estupidez, la vida de un perro. - André Breton (surrealismo)

  4. El arte como una "zona libre" , alejado de la acción de la censura social. A diferencia de los vanguardistas movimientos, que quería borrar las diferencias culturales con el fin de producir nuevos valores universales, el arte contemporáneo ha mejorado su tolerancia hacia las diferencias culturales, así como sus funciones críticas y liberadoras (investigación social, activismo, la subversión, deconstrucción ... ), convirtiéndose en un lugar más abierto para la investigación y la experimentación.
  5. Arte en la investigación social, la subversión y / o la anarquía. Mientras que es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede tratar de cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente para criticar algún aspecto de la sociedad.
    Spray de pintura de graffiti en una pared en Roma
    El arte del graffiti y otros tipos de arte de la calle son los gráficos e imágenes que son aerosol pintado o estampado en las paredes visibles públicamente, edificios, autobuses, trenes y puentes, por lo general sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también pueden ser ilegales cuando se rompen las leyes (en este caso el vandalismo).
  6. Arte en causas sociales. El arte puede ser utilizado para aumentar la conciencia para una gran variedad de causas. Una serie de actividades de arte se dirige a dar a conocer el autismo , el cáncer, la trata de personas , y una variedad de otros temas, como la conservación de los océanos, los derechos humanos en Darfur , asesinados y desaparecidos mujeres aborígenes, abuso de ancianos, y la contaminación. Trashion , usando la basura para hacer moda, practicado por artistas como Marina DeBris es un ejemplo de utilizar el arte para crear conciencia sobre la contaminación.
  7. Arte con fines psicológicos y curativas. El arte también es utilizado por los terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos como terapia de arte . La Serie de dibujo de diagnóstico , por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino más bien un proceso de curación, a través de actos creativos, que se busca. La pieza resultante de obra también puede ofrecer una idea de las dificultades experimentadas por el sujeto y puede sugerir enfoques adecuados para ser utilizados en formas más convencionales de terapia psiquiátrica.
  8. Arte para la propaganda o la comercialización. El arte se utiliza a menudo como una forma de propaganda, y por lo tanto se puede utilizar para influir sutilmente concepciones populares o estado de ánimo. De manera similar, el arte que trata de vender un producto, también influye en el estado de ánimo y la emoción. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una respuesta emocional o psicológica particular, hacia una idea o un objeto en particular.
  9. El arte como un indicador de la aptitud. Se ha argumentado que la capacidad del cerebro humano supera con creces lo que se necesitaba para sobrevivir en el ambiente ancestral. Una psicología evolutiva explicación para esto es que el cerebro y los rasgos humanos asociados (tales como la capacidad artística y la creatividad) son el equivalente humano del pavo real de la cola 's. El propósito de la cola extravagante del pavo real macho ha argumentado que ser para atraer a las hembras (véase también fuera de control fisheriano y principio del handicap ). De acuerdo con esta teoría ejecución superior del arte era evolutiva importante porque atrajo compañeros.

Las funciones del arte descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchos de ellos pueden solaparse. Por ejemplo, el arte con el propósito de entretenimiento también puede tratar de vender un producto, es decir, el juego de la película o vídeo.

Acceso público

Versalles: Louis Le Vau abrió el patio interior para crear la entrada expansiva patio de honor , más tarde copiado por toda Europa.

Desde la antigüedad, la mayor parte del arte más fino ha representado una pantalla deliberada de riqueza o poder, a menudo logrado mediante el uso de escala masiva y materiales caros. Gran parte del arte ha sido encargado por gobernantes políticos o establecimientos religiosos, con las versiones más modestas solo está disponible para los más ricos de la sociedad.

Sin embargo, ha habido muchos períodos en los que se disponía de arte de muy alta calidad, en términos de propiedad, a través de una gran parte de la sociedad, sobre todo en medios económicos como la cerámica, que persiste en el suelo, y los medios de comunicación perecederos tales como textiles y madera . En muchas culturas diferentes, las cerámicas de los pueblos indígenas de las Américas se encuentran en una gama tan amplia de tumbas que claramente no estaban restringidos a una élite social , aunque otras formas de arte pueden haber sido. Métodos reproductivos, tales como moldes hechos de producción en serie más fácil, y se utilizaron para traer de alta calidad cerámica romana y griega figurillas Tanagra a un mercado muy amplio. Sellos cilíndricos eran tanto artística y práctica, y muy ampliamente utilizado por lo que puede ser llamado sin apretar la clase media en el Próximo Oriente Antiguo . Una vez que las monedas fueron ampliamente utilizados, éstos también se convirtieron en una forma de arte que alcanzó la gama más amplia de la sociedad.

Otra innovación importante se produjo en el siglo 15 en Europa, cuando el grabado se inició con pequeños grabados en madera , en su mayoría religiosos, que a menudo eran muy pequeñas y coloreadas a mano, y asequible incluso para los campesinos que les pegan a las paredes de sus casas. Libros impresos eran inicialmente muy caro, pero cayeron de manera constante en el precio hasta que en el siglo 19, incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. Estampas populares de muchos tipos diferentes han decorado los hogares y otros lugares durante siglos.

Edificios públicos y monumentos , seculares y religiosos, por su naturaleza, suelen ir dirigidas a toda la sociedad, y los visitantes ya que los espectadores, y la exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Templos egipcios son típicos en la que los más grande y más lujosa decoración fue colocado en las partes que podrían ser vistos por el público en general, en lugar de las zonas visto solamente por los sacerdotes. Muchas áreas de palacios reales, los castillos y las casas de la élite social a menudo eran generalmente accesible, y gran parte de las colecciones de arte de estas personas se les podía ver, ya sea por cualquier persona, o por aquellos capaces de pagar un precio muy bajo, o aquellos con la ropa correcta, independientemente de quiénes eran, como en el palacio de Versalles , donde los accesorios adicionales apropiadas (plata hebillas de zapatos y una espada) podrían ser contratados de tiendas fuera.

Se hicieron arreglos especiales para que el público pueda ver muchas colecciones reales o privadas colocados en galerías, como con la Colección Orleans en su mayoría construida en un ala del Palais Royal en París, que se pudo visitar la mayor parte del siglo 18. En Italia, el turismo arte de la Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del Renacimiento, y los gobiernos y ciudades hizo esfuerzos para que sus obras clave accesible. La británica Royal Collection permanece distinto, pero las grandes donaciones, como la vieja Biblioteca Real se hizo de la misma para el Museo Británico , establecida en 1753. El Uffizi en Florencia abrió por completo como una galería en 1765, aunque esta función había estado tomando poco a poco el edificio el relevo de las oficinas de los funcionarios públicos originales durante mucho tiempo antes. El edificio que hoy ocupa el Prado en Madrid fue construida antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de las piezas de la colección de arte real, y galerías reales similares abiertos al público existido en Viena , Munich y otras capitales. La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como un museo público durante gran parte de la antigua colección real francesa sin duda marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, la transferencia de la propiedad a un estado republicano, pero era una continuación de las tendencias ya está bien establecido.

La mayoría de los museos públicos modernos y programas de educación artística de los niños en las escuelas se pueden remontar a este impulso de tener el arte al alcance de todos. Museos en los Estados Unidos tienden a ser regalos de los muy ricos a las masas. ( El Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston , un ejecutivo del ferrocarril, cuya colección de arte personal sembrado el museo.) Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el 21 siglo se mantiene como un marcador de la riqueza y el estatus social.

Actuación de Joseph Beuys , 1978: Todo el mundo un artista - En el camino a la forma libertaria del organismo social

Ha habido intentos de artistas para crear arte que no puede ser comprado por los ricos como un objeto de estado. Una de las motivaciones originales principales de gran parte del arte de los años 1960 y 1970 fue la creación de arte que no podría ser comprado y vendido. Es "necesario presentar algo más que meros objetos", dijo la post guerra importante artista alemán Joseph Beuys. Este período de tiempo vio el surgimiento de tales cosas como el arte del performance , el videoarte y el arte conceptual . La idea era que si la obra fue una actuación que no dejan nada, o era simplemente una idea, no podía ser comprado y vendido. "Preceptos democráticos en torno a la idea de que una obra de arte es un producto impulsado la innovación estética, que germinó a mediados de la década de 1960 y fue cosechado a lo largo de la década de 1970. Artistas ampliamente identificados bajo el título de El arte conceptual ... sustitución de desempeño y las actividades editoriales para su acoplamiento tanto con el preocupaciones materialistas de forma pintado o escultural materiales y ... [tener] esforzado para socavar el objeto de arte objeto qua ".

En las décadas que siguieron, estas ideas se han perdido tanto como el mercado del arte ha aprendido a vender los DVD de edición limitada de obras de vídeo, invitaciones a piezas de arte actuación exclusiva, y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crean obras que sólo puedan ser entendidos por la élite que han sido educados en cuanto a porqué una idea o un vídeo o una pieza de basura aparente pueden ser considerados arte. El marcador del estado se convierte en la comprensión de la obra en lugar de necesariamente ser dueño de ella, y la obra sigue siendo una actividad de clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD en la década de 2000, los artistas, y el sistema de galerías que deriva sus ganancias de la venta de obras de arte, ganado un medio importante para controlar la venta de obras de arte de vídeo y un ordenador en ediciones limitadas a los coleccionistas."

controversias

Théodore Géricault 's balsa de la medusa , alrededor del año 1820

El arte ha sido durante mucho tiempo controvertido, es decir, del agrado de algunos espectadores, para una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias pre-modernos están débilmente registran, o pierden por completo a una visión moderna. Iconoclastia es la destrucción del arte que se disgustaba por una variedad de razones, incluidas las religiosas. Aniconismo es una aversión general de cualquiera de todas las imágenes figurativas, o los a menudo sólo religiosas, y ha sido un hilo en muchas religiones principales. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico , donde las representaciones de Mahoma siguen siendo particularmente controvertido. Mucho arte ha sido aversión puramente porque representa o representaba gobernantes impopulares, fiestas u otros grupos de otra manera. Convenciones artísticas han sido a menudo conservadora y tomado muy en serio por los críticos de arte , aunque a menudo mucho menos por un público más amplio. El iconográfico contenido del arte podría causar controversia, al igual que con fines de representaciones medievales del nuevo motivo del desmayo de la Virgen en las escenas de la crucifixión de Jesús . El juicio final de Miguel Ángel fue controvertido por varias razones, incluidas las infracciones de decoro a través de la desnudez y el Apolo pose de Cristo -como.

El contenido de gran parte del arte formal a través de la historia fue dictada por el patrón o comisionado en lugar de sólo el artista, pero con la llegada del Romanticismo , y los cambios económicos en la producción de arte, la visión de los artistas, se convirtió en el factor determinante habitual del contenido de su arte, el aumento de la incidencia de controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Fuertes incentivos para la originalidad percibida y la publicidad también anima a los artistas a los tribunales controversia. Théodore Géricault 's balsa de la medusa (c. 1820), fue en parte un comentario político en un evento reciente. Édouard Manet 's Le desayuno sobre la hierba (1863), se consideró escandalosa no debido a la desnuda mujer, sino porque ella está sentado al lado de los hombres completamente vestido con la ropa de las veces, en lugar de en los trajes del mundo antiguo. John Singer Sargent 's Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), causó una controversia sobre el color rosa rojizo utilizado para colorear lóbulo de la oreja de la mujer, considerada demasiado sugerente y supuestamente arruinar la reputación del modelo de alta sociedad. El abandono progresivo del naturalismo y la representación de las representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos 19 y 20 condujo a una controversia rodadura que dura más de un siglo. En el siglo XX, Pablo Picasso 's Guernica (1937) utiliza el arresto cubistas técnicas y Stark aceites monocromáticas , para representar las consecuencias desgarradoras de un bombardeo contemporánea de una ciudad vasca pequeña, antigua. Leon Golub 's Interrogación III (1981), representa un detenido desnudo femenino, con capucha atado a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeado por dos verdugos vestidos de todos los días. Andrés Serrano 's Piss Christ (1989) es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa a Cristo el sacrificio y el sufrimiento definitivo s, sumergido en un vaso de orina del propio artista. El alboroto resultante condujo a los comentarios en el Senado de Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes.

Teoría

Antes de modernismo, la estética en el arte occidental está muy preocupada con el logro de un equilibrio adecuado entre los diferentes aspectos de realismo o la fidelidad a la naturaleza y el ideales ; ideas en cuanto a lo que el equilibrio adecuado se han desplazado hacia delante y hacia atrás a través de los siglos. Esta preocupación es en gran medida ausente en otras tradiciones del arte. El teórico de la estética John Ruskin , quien defendió lo que vio como el naturalismo de J. M. W. Turner , vio el papel del arte como comunicación por artificio de una verdad esencial que sólo se podía encontrar en la naturaleza.

La definición y evaluación de arte se ha vuelto especialmente problemático desde el siglo 20. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: la realista , por lo que la calidad estética es un valor independiente absoluta de cualquier vista humana; la Objectivist , con lo que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana general; y la relativista posición , por lo que no es un valor absoluto, sino que depende de, y varía con, la experiencia humana de diferentes seres humanos.

La llegada del Modernismo

Composición II en rojo, azul, y amarillo (1930) de Piet Mondrian (holandés, 1872-1944)

La llegada de la modernidad a finales del siglo XIX plomo a una ruptura radical en la concepción de la función del arte, y luego otra vez a finales del siglo XX con el advenimiento de la posmodernidad . Clement Greenberg 's 1960 el artículo 'La pintura modernista' define el arte moderno como 'el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la propia disciplina'. Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento expresionista abstracto y lo utilizó como una forma de entender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):

, Arte naturalista realista había disimulado el medio, usando el arte de ocultar el arte; modernismo utiliza el arte para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de la pintura-la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento fueron tratados por los factores negativos ANTIGUOS que podrían ser reconocidos sólo de forma implícita o indirectamente. Bajo Modernismo estas mismas limitaciones llegaron a ser considerados como factores positivos, y se reconocieron abiertamente.

Después de Greenberg, varios teóricos del arte importantes surgieron, como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin y Griselda Pollock entre otros. Aunque sólo se diseñó originalmente como una forma de entender un conjunto específico de los artistas, la definición de arte moderno de Greenberg es importante para muchas de las ideas de arte dentro de los distintos movimientos artísticos del siglo 20 y principios del siglo 21.

Artistas pop como Andy Warhol se convirtió en tanto digno de mención e influyente a través del trabajo y, posiblemente incluyendo la crítica de la cultura popular, así como el mundo del arte . Los artistas de los años 1980, 1990 y 2000, ampliaron esta técnica de auto-crítica más allá de las bellas artes a toda la creación de imágenes culturales, incluyendo imágenes de moda, cómics, carteles y la pornografía.

Duchamp propuso una vez que el arte es cualquier actividad de cualquier todo tipo-. Sin embargo, la forma en que sólo ciertas actividades se clasifican hoy como el arte es una construcción social. Hay evidencia de que puede haber un elemento de verdad en esto. La invención del arte: Una historia cultural es un libro de historia que examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, bellas artes. Shiner encuentra evidencia de que el sistema más antiguo de las artes antes de nuestro sistema moderno (bellas artes) celebró técnica como cualquier actividad humana experto es decir, la sociedad griega antigua no poseía el arte plazo, pero techne . Techne puede entenderse ni como arte o artesanía, la razón es que las distinciones de arte y artesanía son productos históricos que vienen más adelante en la historia humana. Techne incluye pintura, escultura y música, sino también; cocinar, la medicina, equitación , geometría , carpintería , profecía , y la agricultura, etc.

Nueva Crítica y la "falacia intencional"

Después de Duchamp durante la primera mitad del siglo XX, un cambio significativo a la teoría estética general, tuvo lugar la que intentó aplicar la teoría estética entre las diversas formas de arte, incluyendo las artes literarias y las artes visuales, el uno al otro. Esto dio lugar a la aparición de la nueva crítica de la escuela y debate en torno a la falacia intencional . Se trataba de la cuestión de si las intenciones estéticas de la artista en la creación de la obra de arte, cualquiera que sea su forma específica, debe asociarse con la crítica y la evaluación del producto final de la obra de arte, o, si la obra de arte deben ser evaluados por sus propios méritos, independientemente de las intenciones del artista.

En 1946, William K. Wimsatt y Monroe Beardsley publicado un nuevo ensayo clásico y controvertido crítico titulado " El Intencional Falacia ", en la que se discutieron fuertemente en contra de la relevancia de una intención del autor , o "significado deseado" en el análisis de una obra literaria . Para Wimsatt y Beardsley, las palabras de la página eran lo único que importaba; importación de significados desde fuera del texto se considera irrelevante, y potencialmente distracción.

En otro ensayo, " La falacia afectiva ", que sirvió como una especie de ensayo hermana de "La falacia intencional" Wimsatt y Beardsley también descartaron reacción personal / emocional del lector a una obra literaria como un medio válido para el análisis de un texto. Esta falacia más tarde sería repudiado por los teóricos de la respuesta del lector escuela de la teoría literaria. Irónicamente, uno de los principales teóricos de esta escuela, Stanley Fish , fue a su vez entrenados por nuevos críticos. Peces critica Wimsatt y Beardsley en su ensayo "Literatura en el lector" (1970).

Según el resumen de Gaut y Livingston en su ensayo "La creación del arte": "estructuralistas y post-estructuralistas teóricos y críticos fueron muy crítico con muchos aspectos de la nueva crítica, comenzando con el énfasis en la apreciación estética y la llamada autonomía del arte , pero reiteraron el ataque a la asunción de las críticas biográficos que las actividades y la experiencia del artista fueron un tema crítico privilegiada ". Estos autores sostienen que:. "Anti-intencionalistas, como formalistas, sostienen que las intenciones intervienen en la realización del arte son irrelevantes o periférico a interpretar correctamente el arte Así detalles del acto de crear una obra, aunque posiblemente de interés en sí mismos, no tienen relación con la correcta interpretación de la obra ".

Gaut y Livingston definen los intencionalistas a diferencia de los formalistas afirmando que: "intencionalistas, a diferencia de los formalistas, sostienen que la referencia a las intenciones es esencial en la fijación de la interpretación correcta de las obras." Citan Richard Wollheim como afirmando que, "La tarea de la crítica es la reconstrucción del proceso creativo, donde el proceso creativo debe a su vez ser pensado como algo no sin llegar a, pero termina en la propia obra de arte."

"Giro lingüístico" y su debate

El final del siglo 20 fomentó un amplio debate conocido como el giro controversia lingüística, o el "debate ojo inocente", y generalmente referido como el structuralism- postestructuralismo debate en la filosofía del arte. Este debate discutió el encuentro de la obra de arte como determinada por el grado relativo en que el encuentro conceptual con la obra de arte domina sobre el encuentro perceptual con la obra de arte.

Decisiva para la vuelta debate lingüística en la historia del arte y las humanidades eran las obras de otra tradición, a saber, el estructuralismo de Saussure y el movimiento subsiguiente del postestructuralismo . En 1981, el artista Mark Tansey creado una obra de arte titulada "The Innocent Eye" como una crítica del clima de desacuerdo en la filosofía del arte durante las últimas décadas del siglo 20. Teóricos influyentes incluyen Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault y Jacques Derrida . El poder del lenguaje, más específicamente de ciertos tropos retóricos, en la historia del arte y discurso histórico fue explorada por Hayden White . El hecho de que el lenguaje es no un medio transparente del pensamiento había sido subrayada por una forma muy diferente de la filosofía del lenguaje que se originó en las obras de Johann Georg Hamann y Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich y Nelson Goodman en su libro lenguajes del arte: Una aproximación a una teoría de los símbolos llegaron a sostener que el encuentro conceptual con la obra de arte predominaba en exclusiva sobre el encuentro de percepción visual y con la obra de arte durante los años 1960 y 1970. Él fue cuestionada sobre la base de la investigación realizada por el psicólogo ganadora del premio Nobel Roger Sperry , que sostuvo que el encuentro visual humano no se limita a los conceptos representados en el lenguaje solos (el giro lingüístico) y que otras formas de representaciones psicológicas de la obra de arte eran igualmente defendible y demostrable. Punto de vista de Sperry finalmente prevaleció a finales del siglo 20 con filósofos estéticos como Nick Zangwill defender firmemente un retorno a moderada formalismo estético entre otras alternativas.

disputas de clasificación

El original de la fuente por Marcel Duchamp , 1917, fotografiado por Alfred Stieglitz en el 291 después de la 1917 de la Sociedad de Artistas Independientes de exposiciones. Stieglitz utiliza un telón de fondo de los guerreros por Marsden Hartley para fotografiar el urinario. La etiqueta de entrada de la exposición se puede ver claramente.

Controversias en cuanto a si o no para clasificar algo como una obra de arte se hace referencia a los conflictos como clasificatorios sobre el arte. Disputas de clasificación en el siglo 20 han incluido cubistas y impresionistas pinturas, Duchamp 's de la fuente , las películas, las imitaciones superlativos de billetes de banco , el arte conceptual , y videojuegos . Filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición del arte rara vez son el corazón del problema. Por el contrario, "las preocupaciones e intereses apasionados que los seres humanos chaleco en su vida social" son "una parte tan importante de todas las controversias sobre el arte de clasificación" (Novitz, 1996). De acuerdo con Novitz, disputas clasificatorios son más a menudo disputas sobre los valores sociales y donde la sociedad está tratando de ir de lo que son acerca de la teoría correcta. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó Hirst 's y Emin trabajo' s con el argumento 'para los 1.000 años de arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy en día, la oveja en vinagre y camas sucias amenazan con hacer bárbaros de todos nosotros' no son hacer avanzar una definición o teoría sobre el arte, sino cuestionar el valor del trabajo de Hirst y Emin de. En 1998, Arthur Danto , sugirió un experimento que demuestra que "el estado de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas de una cultura se refiere a ella, en lugar de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. Interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo ) es por lo tanto constitutiva de arthood de un objeto ".

Anti-arte es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores del arte establecidos; se asocia plazo con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, cuando estaba haciendo arte a partir de objetos encontrados . Una de ellas, la fuente (1917), un urinario ordinaria, ha alcanzado un gran protagonismo e influencia en el arte. Anti-arte es una característica de la obra de la Internacional Situacionista , el movimiento del arte correo de baja fidelidad, y los jóvenes artistas británicos , a pesar de que es una forma todavía rechazado por los Stuckistas , que se describen como anti-anti-arte .

Arquitectura a menudo se incluye como una de las artes visuales; Sin embargo, al igual que las artes decorativas , o publicidad, que consiste en la creación de objetos en los que las consideraciones prácticas de uso son esenciales en una forma que normalmente no están en una pintura, por ejemplo.

Juicio de valor

Aborígenes tumbas tronco hueco. National Gallery, Canberra , Australia

Un poco en relación con lo anterior, la palabra arte también se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones tales como "esa comida era una obra de arte" (el cocinero es un artista), o "el arte del engaño", ( el nivel altamente alcanzado de la habilidad del engañador es alabado). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor que da el término de su sabor de la subjetividad. El hacer juicios de valor requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una manera de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple los criterios para ser considerado arte es si se percibe como atractiva o repulsiva. Aunque la percepción siempre está coloreada por la experiencia, y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no es de alguna manera satisfactoria estéticamente no puede ser arte. Sin embargo, "bueno" el arte no siempre es regular o incluso estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la principal motivación de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte representa a menudo terribles imágenes hechas por razones sociales, morales o invitan a la reflexión. Por ejemplo, Francisco Goya pintura 's que representa los disparos españolas del 3 de mayo de 1808 de una representación gráfica de un pelotón de ejecución ejecutar varios civiles suplicantes. Sin embargo, al mismo tiempo, la imagen horrible demuestra la capacidad artística de Goya interesado en la composición y ejecución y produce indignación social y política de ajuste. Por lo tanto, el debate continúa en cuanto a qué modo de satisfacción estética, en su caso, se requiere definir 'arte'.

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es necesario estéticamente superior no ocurre simultáneamente con un abandono total de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, lo contrario es a menudo verdad, que la revisión de lo que se concibe popularmente como siendo estéticamente atractivo permite una revigorización de la sensibilidad estética, y una nueva apreciación de las normas de arte en sí mismo. Escuelas incontables han propuesto sus propias maneras de definir la calidad, sin embargo, todos parecen estar de acuerdo en al menos un punto: si hay consenso en sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte está determinada por su capacidad para trascender los límites de su medio elegido de huelga alguna cuerda universal, por la rareza de la habilidad del artista o de su buena referencia en lo que se denomina el espíritu de la época . Arte a menudo se pretende atraer y conectar con las emociones humanas. Se puede despertar estéticas o morales sentimientos, y puede ser entendido como una forma de comunicar estos sentimientos. Artistas expresar algo por lo que su público se despierta hasta cierto punto, pero no tienen que hacerlo conscientemente. Arte puede considerarse una exploración de la condición humana ; es decir, lo que es ser humano.

Ver también

notas

Bibliografía

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Otras lecturas

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  • Will Gompertz . Lo que usted está mirando ?: 150 años de arte moderno en el parpadeo de un ojo . Nueva York: Viking, 2012. ISBN  978-0670920495
  • Władysław Tatarkiewicz , Una historia de Seis ideas: un ensayo en Estética , traducido del polaco por Christopher Kasparek , La Haya, Martinus Nijhoff, 1980

enlaces externos